L'auberge des Korrigans

L'auberge des korrigans ferme ses portes.

2008-12-11T22:16:00.003+01:00

Eh oui alors que l'auberge des korrigans se dirigeait vers ses 2 ans, le tavernier nous communique que l'auberge ferme ses portes. Au départ, ce blog avait été créé pour que je puisse poster les chroniques musicales que je réalise pour le magazine Khimaira (http://www.khimaira-magazine.com). Depuis que le site web du magazine existe, je postais mes chroniques sur le site de Khimaira mais j'avais tout de même maintenu ce blog où je postais aussi mes chroniques ce qui faisait un peu doublon. Du coup, j'arrête ce blog sur une bonne note puisque je viens de poster la chronique de Sava qui est un excellent album. En revanche, je n'abandonne pas mes activités de chroniqueur et vous pouvez retrouver toutes mes chroniques sur le site de Khimaira. Pour ce qui est de ce blog, je ne vais pas le supprimer mais j'arrêterais de l'alimenter et il mourira de sa belle mort (au bout de combien de temps ? je ne le sais).

Et dans un tout autre registre (mais alors vraiment un autre registre), j'ai ouvert un nouveau blog. Après une auberge, j'ai ouvert un Bric A Brac. La visite commence ici :

http://bricetbrac.blogspot.com/

Sava "Metamorphosis" (Banshee records)

2008-12-11T22:08:00.003+01:00

Après une première collaboration très convaincante, Sava sort un deuxième opus intitulé Metamorphosis et franchit une nouvelle étape. Le titre de l’album n’est pas anodin et témoigne de la volonté de transformer et de métamorphoser des airs anciens, de s’accaparer des bribes de culture pour perpétuer une tradition et un art.
Même si le mot maturité pourrait faire galvaudé, on peut parler de véritable richesse et d’épaisseur dans les compositions. Birgit Muggenthaler de Schandmaul et Oliver s.Tyr de Faun vous convie à un voyage vers la musique baroque pour une métamorphose des sons. Ces derniers se font plus médiévaux que dans Faun où parfois le groupe gravit les versants obscurs de la musique vers des horizons gothiques.
Ici, les instrumentaux sont empreints de fraîcheur, enjoués, avec de délicieuses envolées musicales comme cette flûte baladeuse sur « Stances ».
Sur le premier morceau, magnifique scottish, on reconnaîtra un passage musical déjà présent dans le « an dro » de Faun. Les textes ont beau être majoritairement des textes traditionnels, pour les musiques il s’agit très souvent de compositions originales mais évidemment avec une influence de mélodies médiévales certaine.
A ce propos, au milieu des cornemuses, bouzoukis, harpes et autres flûtes on s’étonnera presque de la présence d’un accordéon sur le très beau « hurly burly ».
On appréciera l’épuré « La rosa », un classique du répertoire de la musique juive séfarade. Un morceau où la simplicité de la mélodie apparaît comme une évidence à travers cette complémentarité de la flûte et de la harpe. Il y a du beau dans ce disque et un amour indéfectible pour la culture baroque et le raffinement des sons. Les mélodies celtiques ne sont pas en reste avec « Eilean » (signifiant île en gaélique), véritable déclaration d’amour à l’Irlande, île où se cristallisent beaucoup de fascinations pour tous les amateurs de cultures celtiques.
Même si l’album renferme de nombreux instrumentaux, Birgit Muggenthaler chante sur plusieurs titres avec une voix mystérieuse et envoûtante. Surtout, l’artiste n’hésite pas chanter un très beau texte en français sur « Stances », un texte du poète baroque français Jean Auvray s’interrogeant sur la nature de l’homme orgueilleux et mutin. En onze titres, Sava livre un album complet où les mélodies entraînantes (« Ar hyd y nos ») succèdent aux sonorités plus lancinantes (« El rey de mundo »). Un album exceptionnel, symbole d’une passion de Sava pour leur registre musical, un album qui provoque un émoi timoré mais indissoluble, une musique qui se ressent commue un gage de beauté, comme une lueur d’espoir intransigeante vers les meilleurs de nos sentiments. Incontestablement, l’album de cette fin d’année.

Gwilbreuf, Décembre 2008

http://www.sava-music.com/ (Attention, c'est en allemand)

Within Temptation "Black Symphony" (Sony Bmg)

2008-12-04T23:55:00.002+01:00

Within Temptation vient de passer un cap avec ce live poussant jusqu’à ses limites le concept de métal symphonique pour ce gigantesque concert au Ahoy (nom de la salle) à Rotterdam. Là où Within Temptation rend les choses tellement excitantes, c’est que le groupe s’entoure d’un gigantesque orchestre symphonique, le métropole orchestra et joue dans une gigantesque salle et devant un gigantesque public. Bref, vous l’aurez compris, avec ce live, nous sommes proches de la démesure et de la grandiloquence mais celle que nous apprécions. Quitte à faire les choses bien autant les faire en grand.
Je dois concéder que Within Temptation fait partie des groupes que j’écoutais il y a encore 3-4 ans mais je considérais depuis que c’était une musique de teenager (même si je pense que c’est toujours avant tout le cœur de leur public) et mes oreilles n’étaient plus aussi sensibles aux mélodies des néerlandais. Pour autant, cette prestation live est d’excellente facture voire même parfaite pour le fan de Within Temptation. Le metropole orchestra n’est pas étranger à cette réussite et la présence de l’orchestre enrichit les compositions du groupe (l’excellente introduction de « Mother earth ») même si l’on s’étonnera que parfois ce que joue l’orchestre est à peine audible. L’amateur retrouvera tous les chefs d’œuvre du groupe avec quand même une prédominance de titres des deux denriers albums puisque The heart of everything est représenté par 10 titres et The silent force par 6 titres. Quelques invités viennent enrichir ce live avec notamment la jolie ballade « Somewhere » en compagnie de Anneke Van Giersbergen (privilégier le copier coller si vous faites une recherche sur internet) et le puissant « What have you done » avec Keith Caputo qui dénote avec ses 10 centimètres de moins que Sharon. Le répertoire des néerlandais exploite énormément la voix de cette dernière (et un peu son physique) à travers une profusion de ballades (« Angels », « Memories », « The swan song » entre autres). Pour autant, le groupe s’avère souvent meilleur dans le domaine du métal FM explosif qui reste dans la tête (« Jillian », « Our solemn hour »).
Bien sûr, édition double dvd oblige, on retrouvera les coulisses du concert, un documentaire, des clips, les making of des clips, etc.
Précisons encore que vous pouvez trouver ce live sous la forme d’un coffret regroupant les CDS et les DVDS mais que vous pouvez aussi les acquérir séparément. Reste que Black Symphony est un très beau live qui ravira tous les amateurs de métal symphonique. Un public en délire, un groupe au somment de sa forme, une Sharon Den Adel éblouissante (même si je l’aime moins avec ses cheveux bouclés), que demander de plus ?

Gwilbreuf, Décembre 2008

http://www.myspace.com/withintemptation

Qntal "Purpurea" (Drakkar entertainment)

2008-11-24T22:50:00.003+01:00

Après 17 ans de carrière et six albums, le groupe allemand d’électro médiéval Qntal nous offre un double best of intitulé Purpurea. Certes, avec la crise de l’industrie du disque, les « Best Of » étaient relayés au rang d’archives historiques. Toutefois, il faut bien reconnaître que se replonger dans les meilleurs titres du groupe allemand est un véritable plaisir. Surtout que ce double cd ne se contente pas d’aligner les « tubes » du groupe mais propose sur le deuxième disque de nombreuses versions remixées. Mais revenons d’abord sur l’histoire de ce groupe hors du commun. Qntal, c’est avant tout un side project du groupe médiévale Estampie fondé par Michael Popp, Sigried Haussen et Ernst Horn. Ce dernier a quitté le groupe en 1999 et fut alors remplacé Philipp Groth qui s’occupa de toute la partie musique électronique, Michael Popp s’occupant des instruments moyenâgeux et Sigried prêtant son incroyable voix envoûtante à ce singulier projet musical. Car Qntal est le pionnier d’un genre musical assez osé et qui n’a jusqu’ici pas connu d’équivalence, l’électro médiéval. En effet, cette union peut paraître déconcertante mais il suffit d’écouter un titre comme « Am morgen fruo » pour comprendre la parfaite alchimie développée par le trio allemand. Les rythmes électroniques parfois savoureusement dansants (« Ludus », "Flamma" ou encore le remix de « Glacies ») prennent un malin plaisir à se greffer à une orchestration médiévale parfois subtiles (« Von den Elben ») mais très souvent diaboliquement somptueuses (« Palästinalied ») divaguant dans les couloirs du temps pour notre plus grand plaisir.
Mais Qntal ne se contente pas de cette orchestration originale et puise ses textes parmi les plus grands auteurs médiévaux allemand tel Walther Von Der Vogelweide (« Am morgen fruo ») ou parmi les plus beaux poèmes de l’époque même en ancien français comme le souligne les titres « Départir » et « Entre moi et mon ami ».
Qntal est un groupe exceptionnel, qui a beaucoup fait pour notre mouvement musical et les 27 titres de Purpurea rendent au groupe tout le mérite qu’il lui revient.
Enfin puisqu’il n’est pas trop tard, rappelons que Qntal se produit mercredi 26 Novembre à La locomotive pour un concert exceptionnel et partagera l’affiche avec Faun et Elane.

Gwilbreuf, Novembre 2008

http://www.myspace.com/qntal

Von Magnet "Ni prédateur ni proie" (Jarring Effects)

2008-11-20T23:27:00.002+01:00

Von Magnet est un collectif français qui sort avec Ni prédateur ni proie son onzième album. Déjà 23 ans que ce collectif multi disciplinaire brave les frontières pour développer une philosophie musicale hautement réfléchie et quasi mystique. Ce nouvel album est l’occasion d’une plongé en terre palestinienne pour délivrer un message de paix et de fraternité, illustré par une pochette magnifique où une main peinte en noir serre une main blanche mais aussi par un titre Ni prédateur ni proie qui cristallise les rêves d’un peuple.
Longtemps étiqueté « electro-flamenco », force est de constater que le groupe s’est éloigné du flamenco pour des sonorités du Moyen-Orient prises dans l’étau entre tradition arabe et tradition hébraïque. Par ce parallèle entre électro et musique orientale, on pourrait voir surgir la filiation avec les nantais de Orange Blossom mais la comparaison s’arrête là. Von Magnet est un groupe plus hétéroclite orchestrant de savants grands écarts entre plusieurs sources d’inspirations. De plus, leur musique vire parfois à l’expérimental quand le groupe n’hésite pas à produire un titre quasi-silencieux (« Bare hands ») ou des morceaux abstraits (« Splinter of glass »). Von Magnet évolue dans un univers polyglotte, entrecoupé de nombreux dialogues cinématographiques. Les quelques phrases compréhensibles sont plutôt troublantes (« Mon corps tressaille, c’est mon âme qui jouit » dans « Growing vs. Fading »).
Mais au milieu de ce chaos post industriel avec ses envolées musicales angoissantes surgit comme un rayon de lumière la chaleur de la musique orientale majestueusement mise en valeur par ses percussions (« Mostar angels »). Sûrement déroutant, il faudra peut-être plusieurs écoutes à l’auditeur pour apprécier ce nouvel opus de Von Magnet.
Il y a de la folie et du rêve chez ce groupe, une folie saine mais néanmoins tourmentée qui guidera l’auditeur dans les méandres de terres orientales non apprivoisées.

Gwilbreuf, Novembre 2008

http://www.myspace.com/vonmagnet

Loreena McKennitt "A Midwinter Night's Dream" (Quinland Road/Keltia Musique)

2008-11-06T21:31:00.002+01:00

Peut-être que son mini cd A winter garden : five songs for the season lui avait laissé un goût inachevé, toujours est-il que Loreena McKennitt a décidé de repartir de ces 5 titres pour son nouvel album A Midwinter Night’s dream. L’artiste canadienne interprète 8 nouveaux morceaux pour compléter son ode à la saison hivernale, ce qui porte le nombre total de titres à 13 (élémentaire).
Après les ambiances chaleureuses de Ancient Muse et des précédents albums qui célébraient les périples des celtes en Asie mineure et orientale, Loreena McKennitt revient ici à une tradition très anglo-saxonne avec cet album célébrant Noël et la saison hivernale. A ce titre, l’illustration de la pochette, par ses tons, s’inscrit elle aussi dans l’imagerie anglo-saxonne.
Parmi les 5 titres déjà connus, nous soulignerons le fabuleux « God Rest Ye Merry, Gentlemen » dans une extraordinaire version (Abdelli version) aux touches orientales de 7 minutes 20, un régal. Pour le reste, A Midwinter Night’s Dream s’aventure sur quelques sentiers nouveaux. Loreena délaisse un temps la langue de Shakespeare avec un chant en latin (« Emmanuel ») et surtout un texte chanté en ancien français de toute beauté (« Noël Nouvelet »). Un titre très médiéval qui conjugue l’imaginaire du noël moyenâgeux et le style de Loreena. Quelques instrumentaux viendront aussi accompagner les fêtes de fin d’année. C’est le cas de« The holly & the ivy », un morceau traditionnel qui n’est pas sans évoquer le folklore du centre de la France. Un titre qui dénote un peu au milieu de cet album. « Breton Carol » est un joli instrumental, un peu mélancolique qui tranche franchement avec le titre « Gloucestershire Wassail » sorte de stéréotype du chant de noël, un chant plein d’allégresse et de communion.
Il se dégage de cet album une vraie féerie de noël et l’on aimerait l’écouter au coin du feu près d’un immense sapin en regardant par la fenêtre la bise hivernale envelopper les enfants qui jouent avec les premières neiges. Enfin, tout ceci reste bien sûr propre à l’imaginaire qui flotte autour de Noël puisque hormis certaines zones montagneuses, il ne neige que très rarement durant cette période.
Après le long mutisme qui s’est opéré entre 1999 et 2006, Loreena McKennitt est bien de retour et en deux albums et un live elle a pu démontrer que son talent n’avait pas pris une ride et A Midwinter Night’s Dream n’est qu’un disque de plus parmi l’excellente discographie de l’artiste canadienne. Enfin, même si cela vous parait encore très loin, il est quand même difficile de ne pas finir cette chronique par un : « Merry Christmas and Happy New Year / Nedeleg Laouenn ha Bloavezh Mat ».

Gwilbreuf, Novembre 2008

http://www.myspace.com/loreenamckennitt

Cécile Corbel "SongBook vol.2" (Bran music/Keltia musique)

2008-11-03T23:08:00.002+01:00

Cécile Corbel nous ouvre son deuxième carnet de chansons avec Songbook vol.2. Un album dans la continuité du premier, l’effet de surprise en moins, mais le style de la harpiste bretonne est toujours merveilleux. L’univers de Cécile Corbel se complait dans le monde des contes et légendes et plonge l’auditeur dans des histoires de chevaliers, de pirates, de demoiselles amoureuses et d’animaux qui parlent. Des histoires parfois simples et infantiles mais qui font le bonheur de nos âmes rêveuses (« Sweet song »). L’ambiance n’est pas sans rappelé les fêtes de fin d’année (« Corpu Christi Carol ») et la douce voix de Cécile parviendra à réchauffer plus d’une chaumière. Songbook vol.2 est un subtil mélange de musiques et textes traditionnels avec des compositions originales. On retrouvera la magie des notes pop celtiques (« En la mar ») de Cécile Corbel dans un album chanté en français, anglais, séfarade et gaélique. Un univers celtique sans frontière qui s’affirmera encore un peu plus avec le sublime instrumental « Innocence » et ses sonorités orientales. Présent aussi sur ce disque le très joli « Sans faire un bruit » que nous avions pu découvrir sur la compilation de La nuit des fées paru chez Prikosnovénie.
En plus des classiques harpe, guitare, violon, Cécile Corbel s’ouvre sur ce disque à d’autres instruments tels que le piano (« Painted Veil ») ou la cornemuse (« The great Selkie »).
On regrettera seulement que le duo avec Jimme O’Neill soit un peu niaiseux (« Lover’s farewell »), on imagine aisément nos deux artistes chanter cette ballade sur un tapis volant en parcourant les mondes enchantés décrits par l’album. Après tout, la facilité ne fait jamais de mal.
Reste que Cécile Corbel négocie parfaitement le virage du deuxième album avec la création d’un univers voire d’une musique qui lui est propre. Son style s’affirmant de la plus belle des manières, on attend désormais avec impatience de la voir dans le rôle de Anne de Bretagne dans la nouvelle saga de Alan Simon, un disque qui devrait sortir en décembre.

Gwilbreuf, Novembre 2008

http://www.myspace.com/cecilecorbel

Sortie Nationale le 17 Novembre 2008

Compte rendu de "La nuit des fées 2008"

2008-10-05T14:05:00.012+01:00

Bis repetita placent !! Après le succès de la première édition, les fées de prikosnovénie conviaient une nouvelle fois le petit peuple à Clisson la magnifique. Pour cette deuxième édition, plusieurs nouveautés firent leur apparition avec notamment une soirée dès le vendredi soir, la Electro Fairy Night et moult activités et animations dans la journée du samedi. N’étant arrivée sur les lieux qu’à 18h, je me contenterais de conter ici les concerts du samedi.

Le public était encore plus nombreux pour cette nouvelle édition avec toujours ce melting-pot prikosnovénien composé de gothiques (un peu moins que l’année dernière), de personnes déguisées (un peu plus que l’année dernière), d’enfants (autant que l’année dernière) et de plein de gens comme vous et moi (car oui je ne suis ni gothique, ni déguisé, ni enfant mais promis pour l’année prochaine je m’intégrerais à une de ces catégories).

Après OnzeH30 l’an passé, ce fut de nouveau un groupe français, découverte du label, qui eut l’honneur d’ouvrir la soirée, à savoir Antrabata. Un groupe parisien jouant un trip hop délicieusement sucré aux sonorités indiennes. Je n’ai pu écouter que deux titres de Antrabata car dès 18h30 le premier évènement de la soirée se profilait à l’horizon, il s’agissait du concert de Luigi Rubino à la chapelle Saint-Jacques, un lieu qui se prête à merveille à ce genre de musiques tant l’acoustique et l’intimité atteignent le niveau recherché.
Par contre, il faut bien avouer que l’excitation générée par ce concert du pianiste de Ashram ne fut pas à la hauteur de la prestation. Certes, les mélodies jouées étaient splendides mais il manquait une petite étincelle, quelques envolées musicales pour basculer dans la communion. Qu’importe, Luigi Rubino reste un pianiste d’exception et on attend avec grande impatience son album solo. L’artiste napolitain céda ensuite sa place au groupe Crista Galli. Là, ce fut l’inverse qui se produisit car leur album Matrice d’eau m’avait laissé un goût redondant et monotone et pourtant sur scène le groupe m’a particulièrement séduit. La diversité des instruments, l’apport du violoncelle et les deux voix sublimes du duo français ont largement contribué à faire de ce concert une réussite.

20H, toujours pas le temps d’aller manger la désormais fameuse assiette elfique puisque le trio napolitain Ashram s’apprêtait à envahir les halles de ses compostions romantiques mélancoliques. La prestation du groupe fut excellente mais on put mesurer à cette occasion qu’un concert dans la chapelle reste d’une autre facture. Le concert de l’année dernière à l’espace Saint-Jacques de ces mêmes napolitains reste une prestation absolue, un concert merveilleux et époustouflant de virtuosité, gravé à jamais dans la mémoire des chanceux présents ce soir-là.

Après Ashram, un court répit nous était offert avant le deuxième évènement de la soirée, celui qui à lui seul justifiait la venue à la nuit des fées, à savoir le concert du groupe bulgare Irfan. Tout juste le temps de déguster l’assiette elfique, ce succulent met bio et végétarien composé de riz complet, d’un curry de légumes, de lentilles corail et d’un sauté de carottes avec tomates fraîches. Quand les fées et les elfes se donnent la main pour mijoter de bons petits plats, c’est un délice pour nos papilles.

Mais l’heure tant attendue arrive et les membres de Irfan entrent en piste. Les cœurs palpitent, le temps s’arrête et le silence se fait religieux (sauf chez les quelques enfants qui prennent un malin plaisir à faire un vacarme assourdissant sur les jeux d’un stand un peu trop proche du public à mon goût). Mais la magie était bien présente, en tant qu’admirateur inconditionnel (j’espère que je n’en fais pas trop) de la musique de Irfan, je fus comblé. Le mysticisme des voix bulgares, l’exotisme de la musique orientale, la profondeur de la musique sacrée orthodoxe, tous les éléments du voyage mental vers les rives de la mer noire étaient réunis.

Après cette véritable claque musicale, il ne me restait plus qu’à transporter mes jambes tremblantes une dernière fois dans l’obscurité jusqu’à la Chapelle Saint-Jacques pour le dernier groupe de la soirée, Les fragments de la nuit. Une formation française regroupant un quatuor à cordes accompagné d’un piano. Leur premier album Musique du crépuscule paru chez Equilibrium music m’avait particulièrement plu et leur prestation scénique fut du même calibre. Cette musique à écouter les yeux fermés étire les voiles de la nuit pour vous emmener dans un monde onirique crépusculaire à la poursuite de l’ineffable.
Voilà, avec les derniers coups de violons, c’est tout un peuple (le petit) qui quitte Clisson la tête mais surtout les oreilles pleines de souvenirs. Après la réussite de cette édition, nous espérons que non seulement Prikosnovénie pourra rééditer son festival dès l’année prochaine mais qu’il pourra investir le château de Clisson pour accueillir un public toujours plus nombreux.

Gwilbreuf

Site web : http://www.prikosnovenie.com/

Remerciements : A Prikosnovénie et Arnö Pellerin, à Khimaira magazine, aux artistes présents à la Nuit des fées et à toutes les personnes mobilisées pour faire de ce festival un évènement incontournable.

Rajna "Duality" (Holy records)

2008-10-05T13:56:00.003+01:00

Déjà le septième album pour le duo français de Rajna qui continue sa discographie irréprochable avec Duality. Une nouvelle étape a été franchie depuis Otherwise, les sonorités ethniques allant toujours plus loin vers une quête insatiable de la perfection. De plus, on pourra apprécier l’effort effectué pour que qualité rime avec quantité puisque avec 16 titres, Duality propose 60 minutes de musique. La voix de Jeanne est toujours aussi sublime et ose la comparaison avec celle de Lisa Gerrard (« Lamentation »). Une voix telle une perle fragile que l’on veut protéger et qui personnifie la grâce (« Pearl into the ocean »). Rajna nous a tellement habitué à chanter en anglais que le morceau « Le toit du monde » pourrait presque passer pour une curiosité. Les instruments ethniques obtiennent une place d’honneur au milieu de ce florilège musical et de « Towards of the universe » à « Kaloum » en passant par « Omajna » les délicieuses saveurs orientales exaltent l’harmonie recherchée par le groupe. Mais l’instrumentation de Rajna sait aussi se faire subtil voir quasi-silencieuse (« I used to pray »). Enfin, soulignons « We are the echoes » et son bonus track « The echoes », deux vibrants morceaux sublimes mais très mélancoliques.

Myspace de Rajna : http://www.myspace.com/rajnamusic

Les fragments de la nuit "Musique du crépuscule" (Equilibrium music)

2008-07-20T15:08:00.002+01:00

Sorti sur le label portugais Equilibrium music, c’est bien un groupe français qui se cache derrière le nom Les fragments de la nuit. Une jeune formation crée en 2005 qui décida de s’adapter à la scène après le succès rencontré par ses compositions dans l’univers de la musique pour films. Un quintet composé de 3 violons, d’un violoncelle et d’un piano dont le premier album s’intitule Musique du crépuscule.
Les fragments de la nuit. Musique du crépuscule. On sent déjà au sein de cette formation un certain goût pour l’obscurité et pour un romantisme qui s’exprime à travers la magnifique pochette. Et si le groupe décide de ne pas mettre de « s » à musique c’est bien parce que sa musique s’apprécie comme un bloc incassable qui court inlassablement sur les courbes fatiguées de la lune arrondie.
Et avec cette nuit qui apparaît timidement, c’est les fées qui s’éveillent de leurs sommeils (« Eveil des fées »), des fées ténébreuses vivants la nuit qui reviendront plusieurs fois profiter de l’obscurité pour hanter notre sommeil (« La ronde des fées », « La chambre des fées »).
Gardant en tête sa devise « Notre musique est une poésie où les mots sont des notes, un souvenir où l’image est un rêve », le groupe n’hésite pas à imprégner de poésie les titres de ses morceaux. Une musique entêtante et répétitive (« Entre ciel et fer ») qui déverse une volupté oppressante. On songe parfois au compositeur préféré de Hitchcock, Bernard Hermann, pour les ambiances stressantes, à la bande originale de Requiem for a dream du Kronos quartet pour la dimension abyssale de l’oeuvre et à l’éphémère groupe Cherche Lune pour la féerie dansante des ambiances néoclassiques.
Les cordes pleurent les débris d’un monde dévasté par le chaos (« Devenons demain ») tandis qu’un piano solitaire égrène sa solitude (« Solitude »). Mélancolique à souhait, le groupe laisse peu de place au manichéisme, le soleil étant lui-même présenté comme un ennemi dont l’énergie dégage un vacarme assombrissant (« Solarisation »). Le soleil est intrinsèquement noir et ne peut lutter dans l’Ether contre la pureté de la lune (« Soleils noirs pour lune blanche »). Un titre que le groupe rejoue quelques plages plus loin de manière magistrale façon tango. Musique du crépuscule se joue de nos sens et diffuse une musique touchante qui replace le crépuscule au firmament de nos émotions.
Une formation brillante que nous aurons le plaisir d’écouter lors de La nuit des fées à Clisson le samedi 27 septembre 2008.

Gwilbreuf, Juillet 2008

Interview de Dieren Dara

2008-07-20T14:56:00.004+01:00

Interview réalisé pour le site http://www.khimaira-magazine.com

Dieren Dara est le fruit d’une initiative de Joane Calice (auteure et interprète de l’album) à laquelle s’est jointe Isabelle Lemauff (compositrice de la majorité des morceaux, arrangeur, réalisateur). Un premier album réussi en forme de conte musical nommé Les fableries nous a donné envie d’en savoir plus. Pour cela, nous avons interrogé Joane (et sa complice Isabelle) pour comprendre la genèse du projet et son amour pour les contes.

Khimaira : Alors Joane, où sont passées les légendes oubliées ?

Joane Calice : « Légendes oubliées » est la chanson d’introduction de l’album. C’est un morceau qui fait appel au rêve et à l’imaginaire : n’oublions pas les vieilles légendes. Emerveillons-nous, rêvons, rêvez… bienvenue dans les Fableries. Après ce morceau, l’histoire commence. On entre dans un univers fantastique. La musique prend des aspects de musiques de film. Le morceau « Légendes oubliées » annonce un conte moderne. Où sont passées les légendes ? Pas bien loin. Elles sont toujours là et alimentent les contes modernes.

K : Peux tu te présenter et nous conter ton parcours ?

J.C : Pour faire simple, j’ai fait partie de divers groupes de rock à partir du collège jusqu’à la fac, puis il y a eu LA rencontre. Celle qui chamboule un parcours, une vie. J’ai rencontré Mickey Finn, qui participe d’ailleurs à l’album. Nous avons formé un duo (www.myspace.com/mickeyfinnetjoacoustique ) puis des batteurs nous ont rejoints. Je me suis mise à la basse. Du rock, du blues, des enregistrements, la route et les concerts…puis vint l’envie de faire quelque chose d’un peu différent. Quand j’écoutais la radio, j’étais un peu déçue d’entendre beaucoup de chansons françaises parler du quotidien. Je trouvais ça ennuyeux. J’ai eu envie de fantaisie, de folie, de raconter des trucs incroyables. Je me suis mise à écrire les Fableries.

K : Le marché du conte musical est peu développé ou alors il s’adresse aux enfants, à qui sont destinées les Fableries ?

J.C : Les Fableries ne sont pas destinées qu’aux enfants. Les enfants peuvent être attirés par l’univers fantastique du conte, et les adultes par les allégories qu’il représente. L’originalité des Fableries est que la musique n’est pas une simple comptine qui exclurait, dans ce cas, les adultes. Certes, quelques morceaux sont innocents ou espiègles (Belzébuth et la Lady), mais d’autres sont carrément psyché (Le Monstre à quatre Têtes), rock (Loup y es-tu ?), électro (la reine des neiges), nostalgiques et poétiques (le Vampire). En tout cas, si cet album peut s’adresser aux enfants, il ne les prend pas pour des « neuneus ».

K : Que signifie Dieren Dara et pourquoi ce nom ?

J.C : Les Fableries résultent de l’alchimie d’une rencontre : celle d’une compositrice (Isabelle Lemauff) et d’une parolière (moi-même). Notre collaboration a été extraordinaire et étonnante, chacune permettant à l'autre de s'exprimer parfaitement sans se sentir aliénée ou frustrée dans sa propre création. L’univers est donc vraiment né de nous 2. Puis une troisième personne est venue embellir et enrichir cet univers : Mélie Jouassin, illustratrice.

Isabelle Lemauff : D’une chanson créée il y a quelques années en deuil de paroles et dont le refrain était en "Yaourt" : Dieren Dara, Dieren Dara, Dieren Dara... Il parait que "Dieren" veut dire "Bête" en hollandais et que "Dara" ne veut rien dire du tout (en hollandais toujours!).

K : Quelles places occupent les contes et légendes dans ta vie et est ce que ton enfance fut marquée par ces histoires ?

J.C : En effet, mon enfance a été bercée par des histoires. Pendant les vacances surtout, tout le monde me racontait une petite histoire avant de dormir. Ma mère, ma grand-mère qui me lisait des livres (et me faisait toujours lire quelques lignes pour « m’entraîner »). Venait ensuite le tour de mon grand-père qui lui, inventait. Son personnage préféré était le « cochon de Monsieur Champarnot » (notre voisin agriculteur, qui avait 2 ou 3 cochons). Il essayait toujours de s’enfuir, ce cochon. Puis venait le tour de mon père. Là, l’histoire était toujours la même : « Un jour, c’était la nuit, et c’est fini ! »
Maintenant, j’ai grandi et je ne m’accroche pas corps et âme à l’envie de voir des lutins dans la forêt (il y a tellement de belles choses dans une forêt, je ne suis pas frustrée !) Je ne me déguise pas en fée. Je ne crois pas que je suis un elfe ou je ne sais quoi. Mais j’ai toujours une certaine tendresse pour les histoires. Je me suis éclatée à raconter toutes ces Fableries, c’était très excitant.

K : Quel est ou quelles sont tes contes et légendes préférées ?

J.C : Contes, légendes, histoires, fables. On y perd son latin. Mon histoire préférée, c’est celle de « Pépin-sur-pattes », de Simone Ratel. C’est une histoire que me lisait ma grand-mère justement. Un p’tit pépin qui veut sortir de son orange pour découvrir le monde. Tant et si bien que des pattes lui poussent. J’adore.
Mon conte préféré est la Reine des Neiges d’Hans Christian Andersen. Une chanson lui est dédiée dans Les Fableries. Cette Reine, chacun la voit comme il veut. Elle peut incarner toute chose qui emmène ceux qu’on aime dans des contrées inconnues où ils se retrouvent éperdument seuls (la drogue, la dépression…).

K : Quelles furent vos sources d’inspiration tant narrativement que musicalement pour les fableries de Dieren Dara ?

J.C : Tout ce qui m’entoure, m’amuse ou me turlupine. « Les Fous », par exemple, est une chanson sur l’exclusion, ceux dont on détourne le regard parce qu’ils sont un peu bizarres. Moi, je suis entourée de gens un peu bizarres, et je n’aime pas qu’on les regarde bizarrement. Je trouve ça bizarre.

Isabelle Lemauff : En ce qui me concerne, je suis partie des histoires fantastiques de Joane bien sûr mais aussi de ce qu'elle avait envie que l'on entende et que l'on perçoive de ses contes, à savoir un univers pas trop infantilisé et un rendu pas trop aseptisé. Ce qui m'a permis d'aller visiter les contrées pop, ou à tendance rock et même flirter avec le "psyché" sans trop me poser de questions. C'est ainsi que les différentes plages musicales et chansons sont parsemées d'ambiances étranges et lourdes parfois mais aussi légères et douces qui au final sied parfaitement à la voix de Joane, en même temps tendre et innocente et rauque et rock...Les inspirations sont multiples et diverses et alternent entre variété et musique de film avec tous ce que le monde de la musique a pu nous offrir jusqu'à maintenant. Une très grande admiration pour Michel Legrand et pour Ennio Morricone en tant que compositeurs et arrangeurs et Gainsbourg, Kate bush, Samson, Mathieu Boogaert et tant d'autres... tous ces artistes qui mêlent étroitement texte, musique, mélodie et arrangement pour un finish très homogène et très personnel et pour cause.

Propos recueillis par Guillaume L'henaff

Le site de Dieren Dara : http://dierendara.free.fr/cariboost1/

Alizbar "Metamorphoses of Ann" (Prikosnovénie)

2008-06-30T10:19:00.002+01:00

Mais où Prikosnovénie a-t-il trouvé ce Alizbar ? Combien de forêts, de vallées, d’océans et de montagnes les lutins du label ont dû traverser avant de trouver ce magicien ? Un magicien des notes utilisant une harpe celtique en guise de baguette. Alizbar est un véritable génie, un virtuose de la harpe celtique. Il amène cet instrument dans des retranchements et des mondes insoupçonnés.
L’invitation au rêve démarre par un digipack somptueux où l’imagination de Sabine Adélaïde atteint un nouvel sommet. Le mandala de la pochette de Metamorphoses of Ann délivre des teintes verdoyantes somptueuses. Le digipack s’apprécie à la verticale donnant ainsi l’apparence d’un livre. En effet, Metamorphoses of Ann pourrait s’apprécier comme tel tant la musique de Alizbar est évocatrice. Sa musique, dans sa dimension la plus épurée, un homme un instrument, nous transporte dans un monde onirique où notre imaginaire devient le maître du jeu et tisse sa propre histoire. L’histoire commence avec ce vieil escalier que l’on voit sur le mandala, un escalier digne des fonds de jardin de notre imaginaire. Le gravir, c’est franchir la barrière du réel et pénétrer dans un monde apaisant (« The Island »).
Le label ne pouvait pas espérer meilleur ambassadeur pour sa nouvelle collection Mandalia, dédiée aux musiques zen et relaxantes. Dans ce domaine, il ne fait nul doute que la musique de Alizbar possède des vertus thérapeutiques (« Fairy of melted snow »). Sa harpe parait enchanté tant les sons qu’elles délivrent sont hypnotisants (« Out of time fairy tale »).
Puisant son inspiration dans des contes scandinaves et celtiques ou même à travers l’univers de Tolkien (« Dwarves’ songs in hobbit’s hole »), Alizbar tisse les frontières d’un monde merveilleux où les mots paraissent dérisoires tant la musique se suffit à elle-même (« Metamorphoses of Ann »).
On pensera bien évidemment à l’univers de Caprice à travers les compositions de Alizbar. Bien que ce dernier n’utilise que sa harpe, on retrouve la même manière d’appréhender la féerie et la même esthétique musicale avec une recherche perpétuelle du beau et de la pureté.
Avec Fleür, ces artistes témoignent d’une sensibilité particulière et d’une relation personnalisée de l’âme slave vis-à-vis de l’imaginaire.
« Nocturne » annoncera de rares notes de ténèbres dans cet univers radieux. Avec « Ainur’s dialog », notre voyage prend fin et il est temps de franchir le mandala dans l’autre sens et de revenir à la dure réalité…
Mais quelle est cette musique qui en ce lieu me parait irréelle ? Et si tout ceci n’était pas qu’un rêve…

Gwilbreuf, Juin 2008

Myspace Alizbar : http://www.myspace.com/alizbarharp

Les fableries de Dieren Dara (Autoproduction)

2008-06-30T10:14:00.002+01:00

Un conte fantastique musical. Voilà le genre de projet que l’on rencontre peu fréquemment alors que musique et récit font souvent une très bonne association. Les fableries de Dieren Dara sont donc le résultat d’une initiative de Joane Calice (auteure et interprète de l'album) à laquelle s'est jointe Isabelle Lemauff (compositrice de la majorité des morceaux, arrangeur, réalisateur). Alternant astucieusement un texte narratif et une chanson, l’album propose en 26 plages de nous raconter ce conte musical un peu sombre. Enfin, un conte, disons plutôt une fable car comme nous le rappelle l’introduction « la fable est un court récit allégorique en vers ou en prose contenant une moralité ».
Concernant l’histoire, essayons de ne pas trop dévoiler l’intrigue mais sachez que l’on suit les pérégrinations de Jean, un prénom qui nous place immédiatement dans le domaine du conte médiéval. Jean et son frère Pierre (autre prénom très connoté) se trouvent confrontés lors d’un très rude hiver à un mal étrange qui ronge leur pays. A partir de là, Jean va mener sa petite enquête qui le mènera auprès d’un vampire, d’une bien étrange lady qui profère de nombreuses insultes, d’un loup, d’un monstre à quatre têtes, d’un alchimiste, de Belzébuth ou bien encore d’un ogre.
Toute une collection de personnages tous plus étranges les uns que les autres dont la présence ici s’en retrouvera justifiée lors de la Môôrale finale.
Une histoire très agréable à suivre notamment grâce au timbre de voix de Joane sensuel et chaleureux. De plus, la bande des conteurs impose des changements d’intonations assez réussis qui traduisent le caractère humoristique de cette fable qui ne se prend pas au sérieux.
Musicalement, Joane Calice s’est entouré d’une pléiade de musiciens professionnels pour nous livrer des chansons le plus souvent folk (« Légendes oubliées ») mais avec toujours une bonne dose d’humour (« Loup y es tu ? »). Certains textes bien qu’enfantins sont très marrants comme ce dialogue surréaliste entre une lady et Belzébuth (« Belzébuth et la Lady »).
Le morceau final, justement nommé, « L’Ogre de Barbarie », développe des intonations médiévales très réussies.
Des musiques et une histoire qui se destinent plutôt aux enfants mais tous les adultes ayant conservé une part de rêves devraient se délecter de ces fableries.
Au lieu de placer une énième fois vos enfants devant la télé, faites leur savourer les fableries de Dieren Dara, ils s’endormiront la tête pleine de rêves… et de quelques cauchemars.

Gwilbreuf, Juin 2008

Myspace Dieren Dara : http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=207230290

Blackmore's Night "Secret Voyage" (SPV)

2008-06-22T12:37:00.002+01:00

Nouvel album du combo moyenâgeux Blackmore’s Night. La reconversion de l’ancienne gloire de Deep Purple s’avère donc très fructueuse puisque Secret Voyage est le septième album de Blackmore’s Night.
Un voyage à travers le temps et l’espace mélangeant habilement sonorités venues de toute l’Europe et des arrangements récents dominés par les guitares électriques de Ritchie Blackmore.
L’album s’ouvre en pleine renaissance avec « God save the keg », un titre qui nous plonge dans les fastes de la cour du roi et qui se clôture par des chœurs profonds et mystiques. Le deuxième morceau constitue sans aucun doute le chef d’œuvre de l’album. « Locked within the crystal ball » constitue un parfait exemple du style Blackmore’s Night. Un morceau long et énergique dans lequel les riffs vengeurs de Ritchie s’agrémentent de chalumeaux et autres cromornes. De plus, on dénotera des enchaînements guitares/voix qui font songer à Mike Oldfield. Un mariage efficace et percutant qui fonctionne à chaque reproduction (« The circle »). A côté de ce style de titre, Blackmore’s Night se complait dans de nombreuses ballades assez mielleuses voire niaises (« Far far away », « Rainbow Eyes »). Pourtant, il faut bien admettre que la voix de Candice Night est très belle, ce qui confère à certaines chansons un charme irrésistible (« Empty words »). Pour autant, on ne comprend pas le grand écart que réalise le groupe sur certains titres comme sur « Can’t help falling in love », sorte de soupe pop FM pour ados prépubères.
On notera aussi des influences slaves avec le très réussi « Toast to tomorrow », un morceau entraînant qui nous emmène sur les rives de la Volga à la rencontre de l’âme russe. Autre titre très réussi, « Peasan’t promise » affirme des influences méditerranéennes que n’aurait pas renié Francesco Banchini. On retrouve dans ce morceau la chaleur de la musique médiévale du bassin méditerranéen si chère au musicien italien.
Ni transcendant, ni raté, Secret Voyage est un bon album de Blackmore’s Night qui satisfera tous les amateurs du groupe.

Gwilbreuf, Juin 2008

Myspace du groupe :http://www.myspace.com/blackmoresnight1

Crista Galli "Matrice d'eau" (Prikosnovénie)

2008-06-21T12:15:00.003+01:00

Cette musique est née de notre relation d’amour avec la Terre et des contacts subtils avec les Eléments qui résonnent sur le féminin de l’Etre. C’est par cette phrase que le duo Crista Galli qualifie sa musique méditative et contemplative qui laisse une part très importante à l’improvisation. Intitulé Matrice d’eau, les 8 titres de cet album se veulent une source intarissable d’apaisement et célèbrent la bienveillance de la Nature, de la Terre et surtout de l’Eau, élément le plus précieux et le plus fondamental pour l’Homme. L’artwork qui reprend les teintes indicibles et évanescentes de l’eau est recouvert de traits aux allures de cercles, autant de sources d’énergie pour accéder à notre intérieur sacré. En fait, ces cercles sont tirés du Cairn de Gavrinis, une île du Golfe de Morbihan dont le groupe tire en grande partie sa spiritualité et son énergie. La preuve en est les 4 derniers titres de l’album. De plus, la pochette est ornée de la lettre hébreu Mèm, une lettre qui symbolise les eaux.
L’album s’ouvre avec « fontaine », objet de la fascination pour l’eau, le mythe de la fontaine de jouvence n’étant qu’un exemple parmi tant d’autres. Ensuite, le chant diphonique du duo entre en piste (« Shin ») pour nous livrer un moment de quiétude méritée. Les cithares, gongs et duduks s’accommodent de ce voyage intérieur vers le féminin de l’être. Même un violoncelle (« Racines ») viendra apporter sa contribution à l’édifice. Quant à « Oriental garden » il surprendra l’auditeur par ses similitudes avec l’univers du duo japonais Jack or Jive.
Matrice d’eau apaise l’âme et renforce l’esprit, un album qui signe l’entrée réussie de Prikosnovénie dans le monde de la musique zen et de relaxation.

Gwibreuf, Juin 2008

Site de Prikosnovénie :http://www.prikosnovenie.com/

Urban trad "Erbalunga" (Universal Belgium/Coop Breizh)

2008-06-07T11:47:00.003+01:00

Urban Trad est un groupe belge qui, comme son nom l’évoque, combine des sonorités modernes bien ancrées dans notre siècle avec des musiques traditionnelles. Urban Trad fut aussi le digne représentant de la Belgique lors du concours de l’eurovision 2003. Rare groupe de qualité au sein de l’immondice et de la mascarade que représente l’Eurovision, le titre « Sanomi » chanté dans une langue imaginaire permit au groupe de décrocher la deuxième place du concours. De plus, en présentant ce groupe, la Belgique s’évitait un choix difficile entre les Wallons et les Flamands.
Auparavant centré sur une inspiration celtique ou européenne, le groupe s’oriente, avec ce nouvel album Erbalunga, vers une inspiration World. 2 titres illustrent à merveille ce virage (pris avec réussite). « Sans garde fou » à l’influence orientale grâce à la présence de la chanteuse tunisienne Ghalia Benali, un morceau qui présente l’originalité de mélanger l’arabe classique, le français et le galicien. Le titre « Diama Den » convie lui, l’artiste guinéen N’Faly Kouyale pour un morceau très énergique qui pourrait secouer les pistes de danses. « Noite Longa » s’insère aussi dans ce registre, la chaleur et la convivialité du chant en galicien de la chanteuse Veronica Codesal n’étant pas étranger à ce dynamisme. La chanteuse égrène d’ailleurs cette langue tout au long de l’album pour notre plus grand plaisir. Urban Trad tisse sa musique World à travers de nombreuses langues (autres que le français) comme le flamand (« Accovi/Onderweg »), le breton (« Scottiche de la tête ») et l’inévitable langue anglaise (« Fields of Deeley »).
Ce multilinguisme ne doit pas cacher la qualité des textes du groupe qui aborde la guerre (« L’olivier ») ou encore plus surprenant l’homosexualité féminine (« Oh la belle »), traitée ici avec délicatesse et respect. Une manière de concevoir la musique qui fait parfois songer à Malicorne, l’esprit du 21ème siècle en plus.
Enfin, Urban Trad c’est aussi des instrumentaux aux mélodies ravageuses comme en témoigne « Bourrée Tappen » où le temps d’une danse, l’accordéon devient l’instrument roi, ou encore « Asturiana » qui puise son influence au sein des Asturies, cette terre celtique voisine de la Galice.
Un album d’une très grande richesse et diversité qui sait s’approprier la musique traditionnelle pour la restituer avec authenticité et modernité. 15 titres pleinement maîtrisés qui font de Erbalunga une véritable réussite

Distribué tardivement en France par l’intermédiaire du label Coop Breizh, on espère qu’avec cet album, Urban Trad trouvera en France le succès qu’il mérite et qui tarde à venir.

Gwilbreuf, Juin 2008

Myspace Urban Trad:

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=136239535

Omnia "Alive" (Banshee records)

2008-06-07T11:32:00.002+01:00

Bientôt un an que le dernier album de Omnia intitulé Alive ! est sorti. Il était grand temps de le chroniquer dans ces colonnes. Surtout que le groupe néerlandais franchit un nouveau palier avec cet album en proposant un produit splendide. Imaginez, la précieuse galette repose dans un digilivre somptueux de 36 pages dans lequel toutes les illustrations sont signées de Alan Lee (Le seigneur des anneaux, Faeries,…). Des dessins qui collent à merveille à l’univers du groupe. Une initiative qui, je l’espère, convaincra les amateurs de Omnia de posséder l’album original. Ce groupe (comme tant d’autres) le mérite vraiment.
Musicalement, il n’y a rien à redire, Omnia est bien le meilleur groupe de Pagan folk du monde. Le groupe puise ses textes parmi les plus grands auteurs et on retrouve dans Alive ! des adaptations de textes de Shakespeare, de Poe ou encore de Lewis Carroll.
Dès les premières notes de « Wytches Brew », une force indicible nous emporte dans un monde étrange où Omnia règne en maître. Bruit de la foudre, vieille à roue sortie des prémices du monde et un final où résonne les hurlements des loups, le groupe maîtrise les ingrédients qui ont faits son succès. Et de musicien hors pair, Steve Sic s’improvise aussi conteur avec beaucoup de succès sur le morceau suivant puisque l’artiste nous conte en 9 minutes le chef d’œuvre d’Edgar Allan Poe, « Le corbeau » (« The raven »).
Omnia reste le maître de l’adaptation de musiques celtiques pour les transformer en véritables danses tribales. « Richard Parker Fancy » est en ce point un authentique chef d’œuvre avec sa première partie magique et son duo flûte – harpe puis une fin de morceau en apothéose avec cette fois un duo flûte –didgeridoo qui est devenu une sorte de marque de fabrique du groupe.
Une musique bâtit pour rentrer en transe et célébrer Dame nature et consorts.
Jenny est quant à elle une véritable déesse de la harpe, son style est d’une beauté à se damner. Le titre final « Fairy Tale » est d’une beauté insoupçonnable, un titre à la mélodie assez triste mais qui ne laissera pas insensible. Jamais une ballade finale n’aura déversée autant d’émotion.
Le groupe s’attaque à travers le titre « The Elven Lover » à l’un des textes les plus connus de la musique médiévale que nous connaissons mieux sous le nom « Scarborough Faire ». L’adaptation qu’en livre Omnia est somptueuse, la force des voix païennes parvenant à faire oublier la délicatesse des voix médiévales.
L’ombre du paganisme plane sur toute cette œuvre et les hommages et références aux créatures fantastiques sont nombreuses. Les musiques néo païennes se succèdent pour célébrer la sexualité débridée des satyres (« Satyr Sex ») ou l’équinoxe (« Equinox »), point culminant de nombreuses célébrations païennes. Une force tellurique sans précédent vient se mêler aux daburkas, bouzoukis, vieilles à roue et autres didgeridoos pour nous livrer un moment de transe chamanique unique. Jamais Dame nature n’aura eu pareil hommage, Alive ! donne vie à tout un pan de notre imaginaire.
Et comme si tout cela ne suffisait pas, Omnia s’entoure des plus grands artistes de la scène médiévale avec la présence de Michael Popp (Qntal) sur « Equinox » et Oliver Pade (Faun) sur « Wytches Brew » et « Fairy Tale ».

PS : A titre personnel, je ne pouvais m’empêché de signaler que, dans le livret, le groupe remercie Robert Holdstock, mon écrivain préféré, pour son magnifique cycle « La forêt des mythagos ». A lire absolument…

Gwilbreuf, Juin 2008

Myspace Omnia :
http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=81611709

Fairy World 4 (Prikosnovenie)

2008-06-01T16:38:00.002+01:00

Laissez vous conter Prikosnovénie, tel aurait pu être le sous titre de ce Fairy World tant cette 4ème édition se plait à transporter l’auditeur sur les différentes planètes de l’univers Prikosnovénie. Ce 4ème voyage réserve une place de choix à la toute nouvelle famille du label, Mandala, une famille dédiée à la relaxation et au zen. L’occasion de découvrir les nouvelles signatures et artistes de cette famille que sont les Poussières d’étoiles, Crista Galli, et Alizbar. Si les deux premiers groupes proposent des musiques très contemplatives et méditatives, le jeu de harpe du moldave Alizbar touche le plus profond de notre âme par sa féerie et l’émotion diffusée. Sa musique ressemble à du Caprice sans parole, un moment de bonheur et d’onirisme simple et touchant. L’apothéose de la musique relaxante est atteinte avec Lys et son titre « En approchant des rivages bleus ». Carillon, bruit des vagues de l’océan, violon thérapeutique de Ivo Sedlacek, tous les ingrédients sont réunis pour un voyage intérieur en quête de soi même, le chemin vers un foisonnement de questions qui résonne en chaque être.
Cette compilation permet aussi de retrouver les dernières sorties du label marquées par des albums de très grande qualité comme en atteste les merveilleux titres de Corde Oblique, Caprice et Irfan.
Au rayon des bonnes surprises, signalons le duo nantais Shira°Zed qui en mélangeant traditions marocaines et electro downtempo nous livre une musique inspirée et envoûtante. Un métissage de grande qualité qui on l’espère, débouchera sur un album avec prikosnovénie.
Et comme un Fairy World ne serait pas un Fairy World sans son lot d’inédits, « Prikos » nous offre un florilège de titres inédits par la crème du label. Onze H 30, Mediavolo, Antrabata, autant d’exemples du dynamisme de la scène française qui a su trouver au sein du label féerique, une véritable structure pour accompagner et développer les musiques que nous aimons et défendons.
Enfin du côté des attentes, le sublime morceau de Luigi Rubino, le pianiste de Ashram, confirme tout le potentiel de l’artiste. « Duca bianco » est un petit bijou de musique néo classique, un moment intense sublimé par la prodigieuse voix de Claudia Florio. L’album solo de Luigi devrait constituer un des moments fort de cette nouvelle année prikosnovénienne.
Bien plus qu’une simple compilation de promotion de ses artistes, Fairy World est aussi l’occasion de caractériser l’univers Prikosnovénie à travers les images et le dessin. Un univers graphique pensé pour bâtir l’osmose parfaite avec la musique. L’image et le son ne font alors plus qu’un et ce livre cd fait toute la lumière sur cette œuvre singulière et originale.
Avec ce Fairy World 4, Prikosnovénie continue d’écrire son histoire, une histoire qui dure désormais depuis plus de 15 ans pour notre plus grand bonheur.

Gwilbreuf, Juin 2008

Myspace Prikosnovénie : http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=43438880

Blog Prikosnovénie : http://prikos.canalblog.com/

Gwendal "Best Of" (Keltia musique)

2008-06-01T16:25:00.004+01:00

Gwendal, un nom qui m’évoque mes premiers souvenirs de musiques celtiques. La découverte d’un vinyle, dans les disques de mes parents, à la pochette étrange où figure un géant jouant de la bombarde constitua un véritable choc musical. D’ailleurs cette anecdote est matière à une première critique envers ce Best Of, il n’y a aucun titre extrait de ce mythique premier album de Gwendal. Celui-ci étant sorti chez EMI, il se peut qu’une simple question de droit soit à l’origine de tout cela. En fait, on s’aperçoit très vite à l’écoute de ce disque qu’il souffre d’un manque de représentativité évident puisque les 15 titres du Best Of sont extraits de seulement 3 disques malgré les nombreux albums du groupe. C’est encore une fois le jeu des labels qui doit être à l’origine de cela puisque le précédent best of de Gwendal, Aventures celtiques, est paru chez EMI en 1998 et ne comporte qu’un titre en commun avec le disque présent (« Glaz noz »).
Ici, les morceaux sont piochés au sein des trois derniers albums du groupe, Glen River (1989), Pan ha Diskan (1995) et War-Raog (2005) le dernier album studio en date. L’équité est, en revanche respectée, avec 5 morceaux pour chacun de ces disques présentés dans l’ordre chronologique.
Passé cette déception, force est de constater que les titres choisis sont très bons et même s’ils ne couvrent que la deuxième partie de carrière du groupe, ils donnent un bon aperçu du style Gwendal.
Si le groupe peut s’enorgueillir d’avoir su développer un style instrumental original et raffiné, c’est avant grâce au talent de Youenn Le Berre, un virtuose de la bombarde et de la flûte, seul membre présent depuis le début du groupe en 1972.
La musique de Gwendal est uniquement instrumentale et frappe par son évidence. Les mélodies défilent avec beaucoup de légèreté (« Glaz Noz ») répétant parfois des ambiances entêtantes (« Noces de granit »). Le groupe aime innover et brasser de multiples influences allant du rock au jazz en passant par des sonorités plus étranges comme sur le surprenant « Aber drac’h ». Gwendal, c’est aussi l’esprit des pionniers (« Date Prisa »), une musique d’aventuriers qui sent bon la joie de vivre.
Les titres extraits du dernier album n’ont rien à envier à leurs aînés. « Joke » (tout comme « Stone jig » et « Stand all ») s’inscrit dans la grande tradition de la féerie celtique développée par le groupe grâce à sa flûte enchanteresse et légère qui semble flotter sur la musique. « Gave hot » déborde d’énergie et montre la vitalité du duo bombarde – guitare électrique.
Enfin, « War Raog » (qui signifie «En avant » en breton) symbolise à merveille l’ouverture du groupe puisque ce morceau sonne comme une fuite en avant vers la diversité musicale chère à Gwendal avec un morceau qui emprunte bien plus à Dire Straits (toute proportion gardée) qu’à la musique celtique.
Même si au final ce Best Of s’avère tout à fait dispensable, il n’en demeure pas moins une occasion de découvrir une partie de l’œuvre de Gwendal. De plus, associé à Aventures Celtiques il permet d’obtenir un condensé de la carrière de ce groupe mythique. Toutefois, il s’avère préférable de se procurer les albums studios, les deux extrêmes Irish Jig et War-Raog formant, dans un genre différent, de véritables portes d’introduction à l’univers de Gwendal.

Gwilbreuf, Juin 2008

Site Officiel : http://www.gwendal.eu/

Amaseffer "Exodus : Slaves for life" (Inside Out/SPV)

2008-06-01T16:19:00.003+01:00

Les métalleux aussi fêtent le soixantième anniversaire de la création d’Israël par l’intermédiaire de Amaseffer, un groupe qui réunit notamment Mats Leven, le chanteur de Therion. Exodus : Slaves for life est donc le premier volet d’une trilogie racontant le périple et l’histoire du peuple juif. Une sorte de 10 commandements version métal pour résumer grossièrement les choses. Ce projet s’avère très inspiré et tire sa réussite en grande partie grâce à l’utilisation d’un orchestre symphonique qui instaure une ambiance digne des plus belles fresques de l’antiquité. Un gros travail a aussi été réalisé sur les bruitages pour bâtir un décor auditif époustouflant.
L’introduction est sublime et nous plonge dans l’abîme du temps (« Sorrow »). Flûte envoûtante, voix en hébreu, on comprend que, plus qu’une histoire, Exodus : Slaves for life cherche aussi à retranscrire une ambiance propre au peuple juif. Le titre « Slaves for life » constitue le premier single et le chef d’œuvre de l’album. Le début du morceau fera inévitablement songer aux musiques des films épiques avec cette voix poignante et ce parfum oriental. Toutes les images de notre inconscient ressurgissent alors, plaines arides s’étendant à l’infini, les sommets des pyramides se perdant dans les nuages et au milieu du chaos des coups de fouet, le peuple juif réduit en esclavage. Un premier morceau qui met la barre haute, très haute et qui a donc tendance à éclipser les autres morceaux malgré leurs qualités évidentes.
Tout l’album est transcendé par l’orchestre qui livre une partition remarquable, une musique qui maîtrise son sujet du début à la fin évoquant souvent des moments sombres mais pouvant aussi lorgner du côté de l’allégresse, de l’héroïsme ou de la bravoure (« Birth of deliverance »).
Certes, certains reprocheront qu’au milieu de toutes ces orchestrations les guitares sont parfois en retrait mais elles demeurent tout de même mise en avant sur « Wooden Staff » et sur l’émouvant titre final « Land of the dead ».
Les instruments ethniques accompagnent avec beaucoup de subtilité le « melodic metal oriental » de Amaseffer. Même les accents hébreux de la ballade (« Zipporah ») dégagent une forte émotion, le chant poignant de la chanteuse n’étant pas étranger à cette vague d’émotivité.
Au final, l’impression laissée par l’album est excellente, d’autant plus qu’avec le recul l’exercice s’avérait très périlleux. Exodus : Slaves for life réussi, on attend désormais une qualité équivalente pour le reste de la saga.

Gwilbreuf, Juin 2008

Myspace Amaseffer : http://www.myspace.com/amaseffer

Beardfish "Sleeping in traffic : part two" (InsideOut/SPV)

2008-05-30T20:02:00.003+01:00

BeardFish est un groupe de rock progressif suédois relativement peu connu dans nos contrées. Pourtant le groupe possède une bonne dose de talent et ce Sleeping in traffic : part two est là pour nous le confirmer. Autant l’avouer, je ne connais pas le "part one" de ce Sleeping in traffic mais le "part two" est diaboliquement bien ficelé avec au passage l’exploit de livrer 72 minutes de musique en 6 morceaux si l’on excepte la première et la dernière plage qui font office d’introduction et d’outroduction. Le style Beardfish affiche un côté novateur puisque son rock progressif va bien au-delà des frontières du genre prédécemment cité. En effet, le groupe suédois n’hésite pas à verser du côté de la funk ou de la soul comme sur le sublime « Into the night ». Le reste de l’album prendra des tournures psyché, heavy ou jazzy mais avec toujours en ligne de mire ce rock prog. très seventies maîtrisé de bout en bout.
« Sleeping in traffic » constitue la grosse pièce de l’album avec un morceau de 35 minutes qui brasse de nombreuses influences. Passant de rythmes très dynamiques à des passages planants irrésistibles, ce morceau « touche à tout » inclus même une magnifique reprise venu de nulle part de « Staying Alive », tube disco par excellence. Un titre qui résume bien la musique et les influences de Beardfish. Un album à recommander à tous les nostalgiques du rock progressif des seventies.

Gwilbreuf, Mai 2008

Myspace Beardfish :

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=116952597

Les 10 ans de KHIMAIRA

2008-05-18T13:48:00.000+01:00

Khimaira est un magazine dédié à l’imaginaire sous toutes ses formes. Ainsi, le magazine traite aussi bien de littérature que de cinéma, musique ou bande dessinée. Pour fêter ses 10 ans, Khimaira va éditer en octobre 2008 un Art Book intitulé Les enfants de la chimère (Khimaira signifiant chimère) reprenant les plus belles illustrations du magazine ainsi que de nombreux hommages par des auteurs, dessinateurs BD et illustrateurs de l’imaginaire. 250 exemplaires seulement seront mis en vente. Pour en savoir plus, c’est par ici :

http://www2.khimaira-magazine.com/khimaira_web/boutique/dsp_catalogue-art2.htm

38ème Festival Interceltique de Lorient

2008-05-18T12:25:00.001+01:00

On ne présente plus le Festival Interceltique de Lorient qui chaque année propose une semaine de fête aux couleurs de l’interceltisme avec tout le gratin de la musique et la culture celtique. Cette année, la 38ème édition du Festival Interceltique de Lorient se déroulera du vendredi 1 Août au dimanche 10 Août et mettra à l’honneur le Pays de Galles. La programmation est une fois de plus exceptionnelle avec des artistes comme Celtas Cortos, Nolwenn Korbell, Moving Hearts, Erik Marchand, The Chieftains, Soldat Louis, Carré Manchot, Dominique Dupuis, Red Hot Chili Pipers, sans oublier des dizaines d’artistes à découvrir et un exceptionnel concert de Loreena McKennitt le samedi 2 Août.

Lisa Gerrard collabore avec Klaus Schulze

2008-05-18T12:19:00.002+01:00

Klaus Schulze, l’un des pionniers de la musique électronique, n’en finit plus de composer et son incroyable activité près de 40 ans après le début de sa carrière suscite l’admiration. Rien que pour cette année, Klaus Schulze va sortir deux albums, un premier le 20 Mai 2008 intitulé Kontinuum et un deuxième intitulé Farscape qui devrait sortir au mois de juillet 2008 et qui nous intéresse fortement puisqu’il s’agit d’une collaboration avec Lisa Gerrard, la talentueuse et mythique chanteuse de Dead Can Dance. Les premiers extraits de cet album sont en écoute sur le myspace du projet :

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=354288328

Nachtgeschrei "Hoffnungsscheimmer" (Massacre records)

2008-05-10T11:00:00.002+01:00

Dans le milieu de la musique allemande, rares sont les groupes chantant en allemand qui parviennent à s’exporter tant le chant allemand a mauvaise réputation. Les non germaphones jugent souvent que cette langue n’est pas assez mélodieuse pour le chant. A ce titre, Rammstein et In Extremo font figure d’exception (et ne parlons pas de Tokio Hotel). Avec un tel nom, Nachtgeschrei annihile toutes ses chances de s’exporter et c’est à croire que le titre de l’album Hoffnungsscheimmer a été choisi volontairement pour réserver l’album au public teuton. C’est bien dommage car le groupe possède de nombreuses qualités et son métal médiéval mérite que l’on y prête une oreille attentive. Après la traditionnelle introduction mystique à la cornemuse pour annoncer la couleur de l’album, le groupe allemand impose son style avec « Hoffnungsscheimmer », un son rock ou métal teinté de sonorités médiévales (ou folk à défaut).
La voix du chanteur est agréable, rappelant parfois celle du chanteur de Saltatio Mortis, et les productions sont soignées. Nachtgeschrei ne se cantonne pas à l’utilisation de cornemuses et utilise avec beaucoup de subtilité les whistles (« Lass mich raus »), l’accordéon « Der meister » (moins médiéval certes mais le groupe voyage aussi du côté du folk métal) ou la vieille à roue comme sur « Windstill », le morceau le plus entraînant de l’album. Une réussite absolue et une maîtrise presque surprenante pour un premier album. Ceux qui n’aiment vraiment pas l’allemand pourront toujours se délecter du remarquable instrumental « Wütis ». Quant aux autres, je leur conseille vivement de prêter une oreille attentive à Hoffnungsscheimmer même si je doute que l’album soit facile à trouver (et ne parlons pas de le demander à un vendeur en magasin).

Gwilbreuf, Mai 2008

http://www.myspace.com/nachtgeschrei

Ny:na Valès "L'atmosphère" (Prikosnovénie)

2008-05-09T11:27:00.002+01:00

Avec cet album, Prikosnovénie franchit un nouveau cap en éditant un projet musical assez éloigné des productions féeriques habituelles. Il est vrai que le label avait déjà amorcé cette diversification avec l’album du groupe tourangeau OnezH30 mais ici la différence d’univers se fait clairement sentir. Ny :na Valès est donc un projet musical composé de Yann Savel (noter l’anagramme) et Nathalie Carraduel. Un duo complémentaire qui officie dans le registre de la chanson française avec des musiques empruntant aux sonorités jazz et pop mais surtout à la bossa nova, ce qui confère à l’album une ambiance très lounge. La musique bien que minimaliste tisse une atmosphère particulière très chaleureuse. La voix de Nathalie est douce et sensuelle et retranscrit à merveille la magie des mots. Il y a comme une certaine naïveté dans ce duo, un poids de l’innocence qui les fait définitivement basculer du côté des doux rêveurs. Certains textes sont très bien sentis comme « Copain copain » où nos deux artistes nous offrent un moment de complicité très drôle et fort appréciable. Sur quelques chansons (« Je mens par omission », « Le mot elfique »), Yann se risque à la ritournelle et sa voix s’avère très mélodieuse. Les ambiances jazzy (« J’entends la nuit ») se confondent avec les ambiances bossa nova (« L’androgyne ») pour un mélange savoureux et original.
En 12 titres et 40 minutes, Ny :na Valès livre un album sympathique auquel nous reprocherons simplement le manque d’une petite flamme pour embraser définitivement l’auditeur. Mais le cœur y est, à bon entendeur…

Gwilbreuf, Mai 2008

http://www.myspace.com/cheznyna

Ayreon "Elected" (InsideOut/SPV)

2008-05-09T11:04:00.004+01:00

Sortis quasi-simultanément, les albums 01011001 et The Scarecrow, respectivement de Ayreon (Arjen Lucassen) et de Avantasia (Tobias Sammet), ont déclenché une petite rivalité assez saine entre ces deux artistes de talent qui oeuvrent dans le domaine de l’ « Opéra métal ». Avec l’inscription en caractères énormes AYREON VS. AVANTASIA, l’ambition de cet EP est clair, nous faire croire au choc des titans. En fait, il s’agit d’un 4 titres où Arjen Lucassen et Tobias Sammet ne «s’affrontent » que sur un seul titre (« Elected »). Un titre qui s’annonce en plus assez décevant. On aurait aimé de la part des grands noms de l’ « Opéra métal » autre chose qu’une vulgaire reprise de Alice Cooper même si Arjen et Tobias sont fans de l’artiste. Sur les 3 autres titres, 2 sont inédits. En effet, le titre « Ride the Comet » est extrait du dernier album de Ayreon, 01011001. Un titre qui bénéficie de la présence de Tom Englund et qui souligne toutes les qualités du dernier album de Arjen.
Les deux titres inédits restants sont plutôt réussis bien que, étant des ballades, ils risquent de déplaire à l’amateur du son métal de Arjen. Le deuxième titre « E=mc² » est un titre très épuré où Arjen accompagne seul à la guitare acoustique la belle voix de Marjan Welman. Enfin, le quatrième titre, « Day six : childhood » est de nouveau chanté par Marjan, Arjen n’assurant que la basse et laissant le soin à Joost van der Broek de nous transcender grâce à une ravissante mélodie au piano. Un morceau poignant qui pourrait presque nous arracher une larme.
Un EP qui ne tient pas toutes ses promesses mais qui devrait tout de même faire plaisir aux fans de Ayreon grâce aux inédits proposés.

Gwilbreuf, Mai 2008

http://www.myspace.com/ayreonauts

Red Cardell "Le banquet de cristal" (Keltia musique)

2008-05-01T15:21:00.003+01:00

Pour fêter ses 15 années de carrière, le groupe Red Cardell convie tous ses amis et ses fans à ce banquet de cristal. 15 années donc 15 tires avec de nombreux invités qui viennent d’univers très différents et qui reflètent les influences et surtout les amitiés de Red Cardell. Un exercice intéressant qui permet de revisiter les meilleures chansons du répertoire de Red Cardell sans sombrer dans le best of à l’intérêt très limité. Ici, les chansons s’imprègnent de la personnalité des invités. Le banquet de cristal s’impose bien comme un nouvel album du groupe. La diversité des univers et des genres est la principale valeur ajoutée de ce disque. C’est tout d’abord la folie des rythmes des Balkans qui s’empare de l’auditeur à travers la voix de Oleg Skripka (« Mescufurus »). Aucune frontière musicale n’empêchera ce banquet et un titre aux influences hip hop (« Parliament n°2) peut aisément se glisser entre la subtilité orientale de « L Nim » et le magnifique « Si mille choses », l’un des plus beaux textes si ce n’est le plus beau, de Jean Pierre Riou. Un morceau magistral clôturé en apothéose par le Bagad Kerné.
Il y a aussi les invités que l’on n’attendait pas forcément comme la présence de l’accordéoniste Gérard Blanchard, célèbre pour son tube « Rock Amadour », qui interprète « Là où je vais » ou la collaboration d’un membre de Asian Dub Foundation, en l’occurrence Dr Das (« Comme couché »).
Certains invités marquent clairement leur empreinte comme Stéphane Mellino qui donne une réelle tonalité « Négresses Vertes » au titre « Fantômes ».
Malgré toutes ces influences, Red Cardell n’oublie pas pour autant la Bretagne. Le guitariste Dan ar Braz vient apporter une touche très rock au morceau« An dro ». Miossec, associé à Yann Tiersen au violon nous livre une superbe interprétation de « A Montparnasse ». Saluons aussi le travail des frères Guichen, récent vainqueur du grand prix du disque du Télégramme avec leur album Dreams of Brittany, qui redynamise une chanson du répertoire des Sœurs Goadec (« Fich-Fich Logodenn ») chantée ici par la fille de l’une d’entre elles, Louise Ebrel, qui n’en finit plus de s’offrir une seconde jeunesse après sa collaboration avec le groupe punk breton des Ramoneurs de menhirs.
Ces 15 titres résonnent comme un vibrant hommage à un groupe qui marqua son époque. Un album exceptionnel qui promet de nombreuses écoutes sans jamais se lasser. Vous reprendrez bien un peu de dessert ?

Gwilbreuf, Mai 2008

Neverland "Reversing time" (AFM records)

2008-04-20T10:01:00.003+01:00

Les relations gréco-turc ne sont pas toujours aussi tendues que l’on veut bien le dire. La preuve avec ce groupe Neverland qui provient d’une rencontre entre la chanteuse grecque Iris Mavraki et le groupe turc de Prog/Power métal Dreamtone. Une rencontre providentielle tant Reversing Time surprend par sa qualité et ses sonorités. Il faut dire que le groupe jouit de plusieurs atouts à commencer par une pochette magnifique, véritable invitation à pénétrer dans ce pays imaginaire où le fantasy métal de nos hôtes est roi. De plus, Neverland dispose d’invités de marque avec la présence notamment de Hansi Kürsch de Blind Guardian, Tom Englund de Evergrey et la participation du Philarmonia Istanbul Orchestra qui permet de donner plus de consistance aux compositions et de donner cette touche onirique si appréciable.
Le groupe a enregistré 12 titres mais seulement 10 figurent sur l’édition de base, il vous faudra acquérir la version limitée pour goûter à l’ensemble du répertoire de Neverland.
Dès les premières notes de « Shooting star », le premier titre de l’album, on comprend que Reversing Time sera une réussite. Une mélodie accrocheuse, un refrain rageur, voici l’alchimie parfaite proposée par nos métalleux turques. Le deuxième morceau « To lose the sun » confirme cette impression et la présence de Hansi Kürsch n’y est pas pour rien, le titre est épique, doté d’un passage orchestral brillant et s’inscrit dans la grande lignée des meilleurs titres de Blind Guardian. Le troisième titre « Mankind is a lie » permet enfin d’entendre la belle voix de Iris Mavraki, une voix très justement perchée et éthérée qui se fond à merveille dans cet opéra métal féerique. Ce morceau se distingue aussi par l’utilisation très judicieuse de quelques instruments ethniques. « Everlasting Tranquility » est l’occasion d’aborder l’inévitable ballade et dans cet exercice Iris s’avère très habile; ce duo voix piano transcendant la plus simple des ballades.
« Reversing time » le titre éponyme commence par un déchaînement de violons sublime, un prélude à un nouveau refrain poignant, la marque de fabrique Neverland en quelque sorte.
Après une première moitié d’album sublime, rien de choquant à ce que la deuxième moitié perde en rythme et en qualité. Iris nous ressort une ballade « Mountain of Judgement », sympathique mais sans surprise avec toujours cette prépondérance du piano. « Mountain of joy » montre les limites vocales du chanteur de Dreamtone qui jusqu’ici ne s’en sortait pas trop mal. Après un insignifiant « World beyond these walls », l’album se clôture sur un excellent instrumental (« Transcending miracle ») qui souligne une fois de plus toute la qualité musicale du groupe. Un dernier morceau enchanté qui sonne comme un triste adieu (présence d’un saxophone !!) aux terres de Neverland… jusqu’aux prochaines aventures.

Gwilbreuf, Avril 2008

Nuit de la Saint Patrick 2008

2008-04-20T09:07:00.003+01:00

Comme chaque année, l’album de la Nuit de la Saint Patrick sort quelques semaines avant la Nuit de la Saint Patrick qui s’est déroulé, cette année, le 15 mars à Bercy. Ainsi, le présent album concerne la Nuit de la Saint Patrick 2007 et un dvd bonus permettra de découvrir des extraits du spectacle de l’année dernière. Une bonne initiative qui permet en une trentaine de minutes de découvrir l’ambiance qui règne à Bercy et surtout de voir les danseuses de la Cork Irish Dance Company et leurs claquettes ainsi que les danseurs bretons. Le dvd s’achève par « Amazing Grace », devenu au fil des années l’hymne officieux des celtes, joué par l’ensemble des bagadoù et par le British Airways Pipe Band.
Sur l’album audio, on retrouvera à travers 14 morceaux les 4 « têtes d’affiche » de l’année dernière, à savoir l’incontournable Bagad de Lann-Bihoué, la surprenante américaine Deborah Henson-Conant, la nouvelle génération écossaise avec Capercaillie et enfin l’inépuisable Dan Ar Braz.
Certains vont se plaindre que l’on retrouve le Bagad de Lann-Bihoué sur chaque compilation de musique celtique mais ici, les 3 morceaux joués par le fameux bagad sont d’une extraordinaire qualité. Le premier titre « Don’t forget the lovely days » bénéficie, grâce à la présence de cuivres, d’un rythme très envoûtant. Le deuxième morceau « Mélodie du Pays de Redon » atteint la quintessence de ce que peut faire un bagad tant le déchaînement musical opéré prend littéralement aux tripes.
L’artiste suivante est une américaine atypique du nom de Deborah Henson-Conant, une harpiste, un peu délurée, qui surprendra dès son premier morceau « Cosita Latina » par son jeu de harpe et son chant angélique torturé. Les deux morceaux suivants apporteront une touche plus sensible avec une musique raffinée pleine de sensibilité.
Le temps d’une courte pause avec différents bagadoù bretons pour le traditionnel « Kas ha barth », on se délectera ensuite des sonorités du groupe écossais Capercaillie. Un groupe talentueux qui incarne le renouveau de la scène folk écossaise et qui vient de sortir son nouvel album .La nuit de la Saint Patrick 2008 se clôture avec 3 titres assez inégaux de Dan Ar Braz. Le guitariste breton faiblit de temps à autre en se réfugiant derrière une certaine facilité musicale proche de la variété celtique. Pourtant sur certains morceaux, le génie de l’artiste pointe son nez comme sur le très entraînant « Mary’s dancing ».
Un album qui permettra aux néophytes de découvrir la fine fleur de la nouvelle génération ainsi que les valeurs sures de la musique celtique. Pour les autres, cela reste un très bon album live d’un évènement annuel majeur.

Gwilbreuf, Avril 2008

Gamma Ray "Land of the free II" (SPV)

2008-03-23T14:42:00.001+01:00

12 ans après Land of the free paru en 1995, le groupe allemand Gamma Ray nous livre une suite. 12 ans soit 12 titres de Power Metal d’une force et d’une énergie bienvenue. Fidèle à leur esprit, Gamma Ray joue un metal efficace et accrocheur où les guitares roucoulent de plaisir dans des solos ravageurs et où la voix de Kai Hansen est souvent limite mais reste un bonheur auditif sans pareil.
La force du son Gamma Ray s’exprime à travers des morceaux comme « When the world » où les guitares font vibrer toutes leurs puissances, le refrain rageur de Kai Hansen ne faisant que grossir ce tsunami musical. Même constat sur « From the ashes » qui livre des riffs surprenants mais jouissifs.
Mais Gamma Ray n’est pas juste une débauche d’énergie, c’est aussi un génie musical remarquable pour le titre « Empress » qui reprend le chant révolutionnaire « Plaine ma plaine » rendu célèbre par les chœurs de l’armée rouge. Saluons aussi les deux longs morceaux de l’album « Opportunity » et « Insurrection », très épique dans leur conception.
Land of the free II a toutes les qualités d’un grand album. Qui a dit que les suites n’étaient jamais réussies ?

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=39214990

Kamelot "Ghost Opera : The 2nd coming" (SPV)

2008-03-23T11:21:00.002+01:00

Kamelot réédite son dernier album Ghost Opera dans une précieuse édition double cd. Le principal atout de cette réédition est aussi son principal défaut. En effet, le premier disque correspond exactement, si ce n’est l’ajout de deux vidéos, à l’album paru l’an dernier. La principale nouveauté concerne donc le deuxième disque qui propose un live avec des titres enregistrés lors d’un concert à Belgrade et 4 studio cuts. On voit ainsi tout de suite le dilemme important qui se posera au possesseur de Ghost Opera, ce live justifie t-il le rachat de l’album ?
Sur la forme, la pochette reste dans le même ton que la première édition et j’aurais même tendance à préférer cette nouvelle version. L’album Ghost Opera ayant déjà été chroniqué sur ce site, inutile d’en redire du bien et nous nous intéresserons ici uniquement au disque bonus.
Le live à Belgrade propose 10 morceaux et permet de retrouver toute la force et la puissance du groupe américain sur scène. La voix caractéristique de Khan est toujours irrésistible et on retiendra notamment les magnifiques «When the lights are down » et « March of Mephisto ». On retrouvera aussi un duo avec Simone Simons du groupe Epica (cela devient une habitude) sur le titre “The haunting”.
Concernant les 4 nouveaux morceaux, Kamelot propose avec « Seasons End » une ballade assez conventionnelle mais dans la plus grande tradition du groupe. « Pendulous fall » repose essentiellement sur le refrain rageur de Khan. « Epilogue » est un très beau morceau de conclusion que l’on retrouve aussi dans les morceaux du live. Enfin, un remix de « Rule the world » clôture cet album, un remix surprenant mais au final très efficace
Pour ceux qui n’avaient pas fait l’acquisition de Ghost Opera, cette réédition est une merveilleuse opportunité de se rattraper avec ce prestigieux double cd. En revanche pour les autres, la qualité du deuxième disque justifie t elle le rachat d’un disque que vous possédez déjà ? Là réside la question. Mais vos finances devraient vous permettre d’y répondre facilement.

http://www.myspace.com/kamelot

Mike Oldfield "Music of the Spheres" (Universal)

2008-03-23T10:31:00.004+01:00

Mike Oldfield est de retour et cette fois ci, il ne devrait pas décevoir son public. Finalement sortie dans une quasi indifférence générale, Music of the Spheres a pourtant toutes les qualités pour réconcilier Mike avec son public. En effet, après des années de médiocrité, seuls quelques irréductibles attendaient Music of the Spheres avec impatience. Preuve de cette disgrâce, l’album était vendue en France avec un autocollant « Par le compositeur de Tubular Bells », c'est-à-dire son premier album sorti en 1973 ! Il est vrai que l’époque bénite du vinyle et des premiers albums semble loin et ce n’est pas Tres Lunas (2002) et Light & Shade sorti en 2005 qui aurait laissé augurer d’un quelconque espoir. Et pourtant…
Et pourtant sur la forme rien ne change, la pochette de l’album est assez moche ou disons qu’elle aurait été très belle à la fin des années 80. Mais musicalement, fini les expérimentations électroniques, Mike Oldfield revient aux fondamentaux. Tout d’abord, il inscrit sa musique dans une vraie réflexion autour d’une théorie très ancienne appelée Musica Universalis qui dit que le soleil, la lune, les étoiles et chaque corps céleste possède sa propre musique mais que l’oreille ne peut les entendre. Mike s’est interrogé sur ce que pourrait donner ce son et Music of the Spheres est le fruit de ce projet ambitieux. La structure aussi revient à un classique découpage en 2 parties mais chacune d’elle comprend 7 morceaux.
Le premier morceau « Harbinger » est très représentatif de la nouvelle direction prise par Mike Oldfield, une musique symphonique de qualité qui prend toute sa dimension grâce à un imposant orchestre, le Sinfonia Sfera Orchestra. L’orchestration prend tous son sens dans les nombreuses thématiques de l’album, tour à tour épiques (« The tempest », « Empyrean »), grandioses, grandiloquentes ou éthérées (« Silhouette »). On semble percevoir des incursions fantomatiques de Tubular Bells au détour de certains morceaux (« Musica Universalis »). De plus, la présence des chœurs souligne à merveille l’émotion de la musique (« Aurora »). Ces combinaisons donnent parfois l’impression d’être en présence d’une bande originale de film, mais après tout, il s’agit simplement de la bande originale de la vie, des corps célestes et des sphères. Une musique qui se veut par essence intemporelle et il sera très intéressant de voir comment cet album résiste à l’épreuve du temps. En revanche, on regrettera que le multi instrumentiste britannique ne se cantonne ici qu’à l’utilisation de la guitare classique.
Si vous avez aimé le Mike Oldfield des débuts, vous ne pourrez qu’être enthousiasmés par cet album qui ravivera à votre souvenir, ceteris paribus, la prestigieuse période des années 70.

http://www.mikeoldfield.com/ (le site officiel)
http://www.mike-oldfield.net/ (le site d'un passionné très complet)

Album Live de Faun

2008-03-21T21:54:00.006+01:00

C'est un évènement, Faun sort son premier album live. Un enregistrement du Pagan Folk Festival puisque l'album s'intitule justement Faun & The Pagan Folk Festival - Live. Un album qui sortira le 28 mars et qui ne devrait pas décevoir les nombreux fans du groupe. Le titre 'Tinta" extrait de cet album est d'ailleurs en écoute sur le msypace du groupe.

A noter aussi l'arrivée d'un nouveau membre
dans le groupe puisque Elisabeth Pawelke (chant, vieille à roue) a quitté le groupe et est remplacée par Sandra Elflein (photo), une musicienne très complète puisqu'elle joue du violon, de la flute, de la guitare et du piano.

http://www.myspace.com/paganfolk

Festival de Cornouaille

2008-03-21T21:35:00.003+01:00

Certes en Bretagne, nous n'avons ni les Anthinoises, ni le festival Trolls & Légendes qui nous permettraient de voir des artistes comme Faun, Omnia, The moon and the nightspirit, Corvus Corax,...

En revanche l'amateur de musiques celtiques trouvera largement son compte dans les nombreux festivals se situant sur la péninsule armoricaine. Chacun ayant sa petite spécialité, l'amateur de harpe celtique se rendra à Dinan pour les rencontres internationales de harpe celtique et l'amateur de danses bretonnes se rendre à Guingamp pour le festival de la Saint Loup. Nous reviendrons plus tard sur le très célèbre festival interceltique de Lorient quand la programmation sera connue. Je voulais surtout parler de la très belle programmation du festival de Cornouaille qui se déroulera du 19 - 27 juillet à Quimper. Visez plutôt cette programmation : Plantec, Urban Trad, Lunasa, Georgian Legend (les plus belles danses du monde), Red Cardell, Alan Stivell, Les ramoneurs de menhirs, Louise Ebrel, Bagad Kemper, Merzhin, I Muvrini, Sonerien Du, Dan ar Braz, Cécile Corbel,... et surtout (le meilleur pour la fin) la présence de Loreena McKennitt.

News Cécile Corbel

2008-03-21T21:20:00.002+01:00

Des nouvelles de notre harpiste préférée avec cette jolie affiche de Cécile Corbel et l'annonce d'un prochain album. En effet, Cécile sera tout le mois de mai en studio pour finir son deuxième album. Elle sera aussi présente lors de la nuit des étoiles celtiques lors du festival de Cornouaille le vendredi 25 juillet.

Un best of pour Dream Theater

2008-03-21T21:10:00.002+01:00

Dream Theater, le groupe référence du métal progressif sort son premier best of après 19 ans de carrière. Une pochette assez moche mais un double disque qui devrait régaler les fans avec deux disques : The dark side et The light side. Un manichéisme assez conventionnel donc pour un disque qui fera la part belle aux titres plutôt métal et un autre pour l'aspect plus mélodieux.

Sortie le 1er avril (et évidemment, cela n'est pas une blague).

Arcana "Raspail" (Kalinkaland records/Prikosnovénie)

2008-03-20T19:06:00.002+01:00

Dernière invitation dans les paysages rugueux de l’hiver avant l’arrivée du printemps, le dernier album du groupe suédois Arcana se complait dans les couleurs obscures malgré un artwork très coloré. Les photos de Raspail font surgir la densité et l’ambiance oppressante des forêts suédoises. Un amour pour la nature et les forêts qui traduit la présence de Peter et La Bjärgö au parti vert suédois.
Musicalement, Raspail est très court (moins de 40 minutes) mais permet en 10 morceaux de retrouver le style religieux de Arcana. Fini les ambiances ethniques de l’album Le serpent rouge, les suédois reviennent à un son dark atmosphérique teinté de néo classique. Surtout, ce nouvel album annonce le grand retour de la voix comme en atteste le sublime « Invisible motions ». Une voix, relais d’un ésotérisme religieux angoissant (« Autumnal ») ou d’une ambiance dark folk venue des forêts silencieuses et secrètes de Scandinavie (« Out of the Gray Ashes »).
Le nouveau venu au sein du groupe Mattias Borgh fait des merveilles aux percussions (« Parisal ») et soutient à merveille les atmosphères oppressantes et secrètes que diffuse le groupe (« In remembrance », « Circumspection »).
Même si la comparaison peut paraître facile, il est indéniable que le fantôme de Dead Can Dance plane sur cette œuvre énigmatique (« Abrakt », « Parisal »). Une comparaison d’autant plus aisée que la voix de Peter Bjärgo approche celle de Brendan Perry (« Lost in time »). Toutefois, là où leurs aînés parvenaient à se réinventer vers des horizons divers, Arcana a tendance à rester dans le domaine du dark atmosphérique.
Certes Raspail n’atteint pas la virtuosité des premiers albums mais cela reste un très bon cru qui satisfera aussi bien les amateurs de Arcana que les amateurs de dark féerie.

http://www.myspace.com/peterbjargo

Collection Alan Stivell part.2 (Keltia III/Harmonia Mundi)

2008-03-20T17:30:00.004+01:00

Comme promis, voici les trois autres albums de Alan Stivell remastérisés et distribués par Harmonia Mundi. Ces trois albums présentent chacun une façade de la personnalité musicale du musicien breton. En effet, Terre des vivants date de 1981 mais montre déjà l’attachement de Stivell pour les expérimentations musicales. L’album se distingue par ses tonalités électroniques et par l’emploi de la langue française, sa langue maternelle. 1 Douar date de 1998 et souligne une valeur que Stivell a toujours véhiculé à travers sa musique, à savoir l’universalité de ses paroles. Pour l’occasion, il s’entoure de plusieurs personnalités de la musique world, notamment Youssou N’Dour et Khaled. Enfin, paradoxalement, l’année 2000 marque le retour de Alan Stivell vers ses racines et vers une musique celtique plus authentique avec l’album Back to Breizh. Un nom parfaitement adapté tant le chanteur clame son amour pour la Bretagne.
Terre des vivants (1981) déconcertera de nombreux auditeurs dès les deux premiers titres. En effet, « Terre des vivants » et « Rentrer en Bretagne » sont chantés en français et le phrasé du chanteur associé à une musique expérimentale un peu plate laisse un peu perplexe. Heureusement, les choses s’arrangent avec le long titre « Beg ar van » qui relate les événements de Plogoff. Véritable hommage au peuple du « bout du monde » qui sut se battre contre l’implantation d’une centrale nucléaire sur ses terres à la fin des années 70, le titre marque et touche grâce au chant rageur et sincère de Stivell. Mais « ‘Raok mont d’ar skol » nous rappelle à quel point certains titres peuvent très mal vieillir. Sur ce titre, Stivell nous joue une musique teintée d’électronique qui reste assez inaudible. La fin de l’album est de meilleure qualité. Stivell enchaîne des morceaux courts et variés assez réussis. Les deux « androïdes » nous livrent un rock celtique ciselé et efficace. Ensuite, Stivell rend hommage au peuple écossais à travers « Hidden through the hills » et l’instrumental « Cameronian rant ». Saluons pour finir le très entraînant « Q-Celts fiesta » dans un style dont seul Alan Stivell a le secret. Vous l’aurez compris, Terre des vivants ne fait pas partie des meilleurs albums de Stivell et son écoute n’est à conseiller qu’aux inconditionnels de l’artiste breton.
En 1998, Alan Stivell sort son album 1 Douar, ce qui signifie une terre. Un titre qui symbolise bien les opinions de l’artiste breton tant Stivell a toujours cherché à mettre en valeur dans sa musique l’universalité de sa pensée et de ses idées. Un album aux sonorités world évidentes qui fait le point sur les influences et les rencontres de l’artiste. 1 Douar s’impose comme un réquisitoire pour la paix et l’amour entre les peuples et ouvre une nouvelle voie pour le millénaire à venir, une manière de balayer toutes les horreurs du siècle passé. Une manière de faire avancer aussi la cause des peuples et langues minoritaires en réclamant une plus grande tolérance. Les collaborations les plus détonantes sont sans aucun doute les duos avec Khaled et avec Youssou N’Dour. Avec ce dernier, le duo prend une tonalité world surprenante et pourra déconcerter l’amateur de musiques celtiques. Après plusieurs écoutes, l’alchimie devient pourtant évidente, le breton s’adaptant au wolof et inversement. De la même façon, les duos avec Khaled distillent un parfum d’orient et contribuent à cette magnifique fusion des genres.
En revanche, l’esprit celtique plane tout de même sur cet album grâce à la présence de Paddy Moloney, le leader des Chieftains, pour un vibrant hommage au barde breton Glenmor et la présence du leader de Simple Minds, Jim Kerr, pour un magnifique « Scots are right ».
Mais cette abolition des frontières n’est pas seulement géographique, elle est aussi générationnelle grâce au duo avec les Sœurs Goadec (« La mémoire de l’humain »).
Même si musicalement 1 Douar n’est pas forcément un grand album, il est d’une sincérité absolue et atteint un idéal que s’était fixé l’artiste breton. Un quête que Stivell résume avec ces quelques mots : « Les frontières sont maintenant déjà fossiles, comme le sont leurs derniers gardiens ».

L’année 2000 marque le retour de Alan Stivell aux sources (après la parenthèse world de 1 Douar) avec cet album très justement nommé Back to Breizh. Un album sincère où l’artiste breton chante son identité et son patrimoine avec beaucoup de talent. Dès « Vers les îles et villes de verre », Stivell rend hommage, avec une énergie bienvenue, à la péninsule armoricaine, la terre de ses grands parents où il regrette de ne pas avoir vécu. Ainsi, après les quelques expérimentations électroniques des albums précédents plus ou moins réussies, Stivell revient à des musiques percutantes et énergiques. Le phrasé et chant de l’artiste sont tout autant réussis et les paroles font mouches. L’artiste breton rêve toujours d’une Bretagne fière de sa culture, de sa langue et de son pays « Rêve ». Il condamne les assoiffés d’argent « Ceux qui sèment la mort », un morceau d’anthologie sur lequel on notera la présence de scratch qui colle parfaitement à l’atmosphère du morceau. Il exhorte les bretons à aller de l’avant sans se soucier de la capitale tentaculaire « Back to Breizh ». De plus, l’album renferme quelques instrumentaux dont seul Stivell a le secret, notamment l’excellent « Rock harp ».
L’artiste rendra lui aussi un bel hommage à la mer d’Iroise avec un morceau sobre comme son titre « Iroise ». Enfin, pour être complet, saluons le magnifique « Arvor-you » où une flûte entêtante vient renforcer l’énergie obsédante du titre.
L’album se clôt avec deux grands succès de Stivell, à savoir « Brian Boru » et « Armoricaine (suite) » dans des versions chantées en français. Une façon de les appréhender différemment, leur message devenant compréhensible par un plus grand nombre. Au final, l‘album s’avère très engagé et démontre toute la hargne de notre chanteur breton.
A la lumière du temps, Back to Breizh s’affirme définitivement comme un des meilleurs albums de Alan Stivell, preuve que certains artistes peuvent faire des albums de qualité tout au long de leur carrière.

http://www.alan-stivell.com/

Le nouveau Mike Oldfield est arrivé !!

2008-03-18T14:23:00.003+01:00

Depuis hier soir j'ai le nouvel album de Mike Oldfield et le retour du Boss fait vraiment plaisir. La première écoute fut plus que satisfaisante et permet de renouer avec un son plus classique et plus conforme aux sons du début. Fini les expérimentations des derniers albums et les ambiances éléctroniques et lounge de Light & Shade. On retrouvera avec beaucoup de nostalgie le créateur de Tubular Bells, notamment sur le sublime "Harbinger" qui accroche l'oreille dès la première écoute. La chronique bientôt.

Reste que je ne sais toujours pas pourquoi du haut de mes 23 ans, je suis devenu un inconditionnel de Mike alors que je n'ai pas connu ses heures de gloire et que nombreux sont ceux à considérer sa musique comme ayant mal vieilli. Mais après tout, l'essentiel reste les émotions que procure la musique. A bon entendeur...

ChaoStar "Underworld" (Holy records)

2008-03-09T18:01:00.003+01:00

Underworld est le quatrième album des grecs de ChaoStar. Un album sortit comme les trois précédents sur le label français Holy records. ChaoStar est un side project du groupe de métal Septic Flesh qui après avoir sorti en septembre 1998 un single d’inédits orienté vers les musiques classiques décida de créer le groupe ChaoStar afin de laisser libre cours à son imagination débordante. Le résultat est saisissant et démontre l’incroyable capacité qu’ont certains métalleux à sortir des clivages et des frontières musicales pour nous livrer des musiques incroyablement riches et travaillées. En effet, la musique proposée par les grecs est d’inspiration classique mais est recouverte d’un voile ténébreux. L’orchestration se veut volontairement grandiloquente et sombre créant une atmosphère souvent lourde, magnifiquement contrebalancée par les sublimes voix féminines chargées d’émotions.
Underworld propose logiquement la trilogie « Underworld » pour la première fois compilée, complétée par 3 titres rares et 4 nouveaux morceaux. La trilogie « Underworld » est une excellente introduction à l’univers musical de ChaoStar. L’architecture musicale laissant une place de choix à la démence et à la folie, on imagine parfaitement la musique des grecs soutenir l’ambiance oppressante d’un jeu vidéo ou d’un film.
Les sept morceaux suivants laisseront entrevoir différentes facettes du groupe. « Tartarus » respire la musique épique avec ses moments de bravoure et ses envolés musicales. « Elegy » et son piano fantomatique où un chant funéraire vient parachever cette descente aux enfers. « As hope » propose un manichéisme subtil avec ses psaumes en latin entrecoupés par de brefs moments de musique extrême. Preuve de la fusion des genres et des influences classiques de cet album, le morceau « Adagio » qui est une reprise d’une musique du compositeur italien Tomaso Albinoni sur laquelle vient se greffer un texte de Charles Baudelaire extrait du « cultissime » recueil Les fleurs du mal. Enfin, « The trip is not so long » propose un final enjoué aux accents folks très prononcés.
Underworld est une œuvre orchestrale et théâtrale véritablement envoûtante, un album qui se révèle d’une incroyable richesse et complexité, laissant entrevoir de nombreuses écoutes avant de percer tous les mystères de cette œuvre ésotérique.
http://www.myspace.com/chaostarofficial

Trobar de Morte "Legends of Blood and Light" (In the morning side records/Prikosnovénie)

2008-03-04T10:12:00.002+01:00

La sortie d’un nouvel album de Trobar de Morte est un véritable évènement pour les amateurs d’imaginaire tant le groupe espagnol est imprégné par cette culture fantastique et multiplie les références à la mythologie, au moyen âge et au merveilleux en général. Ce nouvel opus intitulé Legends of Blood and Light propose, comme son nom l’indique, une partie obscure où règne les ténèbres et une partie où la lumière prédomine. Un manichéisme original même si dans les faits cette dualité s’exprime principalement à travers les paroles puisque la musique ne retranscrit pas vraiment cette opposition.
Les illustrations de l’album sont sublimes, le verso de la pochette proposant même un vaste champ de combat où l’on notera l’étonnante présence d’ours polaires. Un très grand soin a aussi été apporté au livret puisque qu’il regorge de nombreuses illustrations qui accompagnent fidèlement l’ambiance des textes.
Concernant l’album, la première victoire est pour le camp des ténèbres puisque la partie « Of Blood… » comporte 7 morceaux contre 6 pour la partie « Of Light… ». Musicalement, on notera la prédominance des claviers qui créent une atmosphère brumeuse seulement bouleversée par les percussions martiales qui semble battre le départ en guerre. Trobar de Morte repose essentiellement sur le talent de Lady Morte puisque la multi instrumentiste compose toutes les musiques et écrit toutes les paroles. Sa voix particulière pourra déconcerter certains auditeurs mais on s’y habitue très vite au point de parfois la confondre à celle de Lisa Gerrard (« Talisman »). Le groupe espagnol se fend lui aussi d’un un très bel hommage à la déesse celtique de la guerre sur le titre « Morrigan » mais ne parvient pas à faire oublier le titre éponyme de Omnia sur le même thème. Alternant entre chant en anglais et en espagnol, les textes nous invitent sur des terres mythologiques, dans le souffle magique des batailles épiques et des épopées guerrières. Certains, d’une noirceur abyssale n’auraient pas déplu à Lovecraft (« Inside the infinite abyss »).
La partie « Of Light… » rend hommage aux créatures merveilleuses que sont l’hippocampe (« Seahorse ») et la licorne (« The last Unicorn »). Elle renferme surtout le meilleur titre de l’album « Sorceress », un morceau splendide grâce à ses sonorités médiévales. La présence des Whistles favorisant cette atmosphère onirique moyenâgeuse. Peut être que Trobar de Morte gagnerait à insuffler cette énergie sur plus de morceaux.
Au final, Legends of Blood and Light est un album qui représente parfaitement la scène féerique espagnole. Un album qui possède quelques imperfections mais demeure sublime et emplit d’une grande sincérité. La passion de Lady Morte pour son art se ressentant dans chaque note et dans chaque mot.

Myspace : http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=90211002

Jack or Jive "Kakugo" (Prikosnovénie)

2008-03-04T10:08:00.002+01:00

Le nouvel album de Jack or Jive s’intitule Kakugo en référence à un concept du Bushido japonais, autrement dit le code des principes moraux des samouraïs. Le Kakugo dit que « la voie du samouraï se trouve dans la mort ». Pourtant, cet album n’est pas un énième discours nihiliste sur le non sens de la vie. Il faut plus voir dans cet album une réflexion sur la mort et sur son impact dans la société japonaise moderne, une société qui, malgré ses valeurs passées, se perd dans les dérives du monde d’aujourd’hui.
Malgré la prolifique discographie du duo japonais, 4 années se sont écoulées entre leur précédent album Absurdity et ce Kakugo. Le début de l’album nous plonge dans l’esprit de l’album Prayer (1990) avec une introduction en forme de chaos contenu puis avec le titre « War scapes » où Chako fait l’étalage de sa sublime voix ténébreuse. Musicalement, la recette ne change pas, Makoto Hattori se charge de discrètes percussions et surtout des claviers. Les mélodies sont souvent aériennes et brumeuses, ce qui provoque l’étrange sensation que la musique et la voix de Chako sont entremêlées dans un vacarme sonore venu de l’au-delà (« Bodhisattva »). Plusieurs expérimentations vocales et sonores viennent agrémenter cet opus comme en atteste les cris de Chako sur « Shot arrow » ou les sons de cloche sur « At the national border ». L’ensemble demeure planant et diffuse la fameuse « zen attitude » japonaise.
Kakugo satisfera l’amateur de Jack or Jive même si certains trouveront que le duo peine à se renouveler et que sa musique sonne comme déjà entendu. Pour les autres, Jack or Jive reste un groupe mythique à découvrir impérativement.

http://www.myspace.com/jackorjive

Caprice "Kywitt ! Kywitt !" (Prikosnovénie)

2008-02-15T17:54:00.005+01:00

Après la formidable trilogie Elvenmusic dédié à la terre du milieu qui s’achevait de façon remarquable par un troisième opus chanté dans une langue elfique inventé pour l’occasion, l’extraordinaire groupe russe Caprice revient enchanter nos oreilles. Ce nouvel album porte le nom amusant de Kywitt ! Kywitt !, un nom qui semble sorti de la bouche d’un korrigan perfide ou d’un lutin malicieux. Ce titre provient d’un poème des frères Grimm et permet à Caprice d’expérimenter avec succès le chant en allemand. Ce titre est d’ailleurs révélateur du virage musical qu’a pris le groupe. Habituée à une orchestration néo classique très onirique, la formation intègre cette fois guitares électriques, batterie et autres samples électroniques dans sa musique. Le résultat est à la fois déroutant et saisissant. Alors que l’orchestration subtile des albums précédents rendait l’univers des russes très apaisant, le déchaînement musical de Kywitt ! Kywitt ! se fait plus virevoltant avec ses entrelacs musicaux et ses accès de violences (« Kywitt ! Kywitt ! »). L’utilisation de la batterie donne même à certains morceaux un côté très pop voir naïf dans le bons sens du terme (« Peggy O »).
Depuis ses adaptations de poèmes de William Blake et J.R.R Tolkien, Caprice a montré ses talents pour mettre une musique sur la magie des mots. Cet album confirme ce talent et propose notamment des textes de William Shakespeare, de Robert Burns, de Maximilian Voloshin et de Felicia Hemans pour un morceau bonus d’une extrême jovialité qui répond à l’étonnant titre de « Fae fae fae fae fae fae fae ».
Caprice, c’est d’abord l’œuvre d’un compositeur de génie Anton Brejestovski qui livre une fois de plus une œuvre décomplexée et innovante. Mais Caprice, c’est aussi la sublime voix de Inna Brejestovskaya qui éblouit par sa pureté. Sa voix féerique participe pour beaucoup à l’ambiance musicale du groupe moscovite. Son chant peut être sobre et presque funéraire (« Adew sweet amarillis ») puis enjouée (« Mary Morison ») provoquant des émotions variées chez l’auditeur. Dans cet album rempli d’expérimentations, Caprice joue un instrumental oppressant aux influences orientales (« More ») et s’amuse à insérer dans ses chansons des voix du petit peuple (« Dundellion wine ») recréant ainsi avec beaucoup de perfectionnisme le jardin enchanté de l’Etre humain.
Un album hallucinogène, à l’image des champignons malins et heureux qui ornent la pochette, qui troublera l’auditeur par son audace et par la magie de son univers. Un album frais et décomplexé qui sent bon l’arrivée du printemps et les ballades en forêt à la recherche du petit peuple. Kywitt ! Kywitt ! est tout cela à la fois, Le chemin parcouru depuis Mirror est saisissant, l’œuvre de Caprice n’a cessé d’évoluer et de mûrir, progressant sans cesse en nous étonnant à chaque œuvre. Un univers unique et complètement fou qui mériterait une plus grande reconnaissance car il ne s’agit pas d’un groupe comme les autres, Caprice joue, incarne et représente la musique féerique.

Sortie le 22 février 2008 sur le site de Prikosnovénie http://www.prikosnovenie.com/

Site officiel de Caprice : http://caprice-music.com/

Qntal "VI - Translucida" (Drakkar entertainment)

2008-02-15T17:46:00.004+01:00

Qntal est un groupe allemand réputé pour être l’initiateur du mouvement électro médiéval. Pourtant, n’imaginez pas une pale copie allemande de Era ou Enigma. Ici, les chants grégoriens laissent leur place à l’extraordinaire voix de Sigried Hausen. De plus, l’orchestration se fait plus subtile et l’instrumentation médiévale apparaît nettement. En fait, le groupe peut presque être considéré comme un side project du groupe médiéval Estampie puisque parmi les trois membres qui composent Qntal, Michael Popp et Sigried Hausen font aussi partie de la formation moyenâgeuse allemande. Ce sixième album s’intitule sobrement VI – Translucida. Les textes sont toujours puisés dans le répertoire traditionnel et sont majoritairement en latin. On remarquera tout de même la présence de deux titres en vieux français « La froidor » et surtout « Départir » chanté à la perfection par Sigried Hausen. La chanteuse de Qntal réalise encore une fois un travail admirable, sa voix est sublime, délicieusement perché et contribue pour beaucoup à l’ambiance du disque (« Sumer »). Les musiques sont souvent sobres et accompagnent subtilement la voix de Sigried. Mais Qntal sait aussi livrer de petites perles rythmiques comme en atteste « Glacies » et surtout « Ludus » qui s’avère très dansant et entêtant à souhait.
Qntal continue de livrer des albums de qualité dans un genre innovant qui aurait pu très vite sombrer dans l’oubli des années 90. Cette fusion entre la richesse des textes médiévaux et la modernité des sons électroniques parait naturelle, preuve de la parfaite alchimie réalisée par le trio allemand. Un groupe qui témoigne de l’extraordinaire vitalité de la scène néo-médiévale allemande puisque de Faun à Corvus Corax en passant par In extremo et Saltatio Mortis, nos voisins teutons peuvent se vanter de posséder les plus grands groupes de la scène actuelle.

Sortie le 29 février 2008

Site officiel : http://www.qntal.de/

Myspace : http://www.myspace.com/qntal

Grand prix du disque du Télégramme

2008-02-03T15:35:00.001+01:00

Et le verdict est tombé, c'est les frères Guichen avec leur album Dreams of Brittany (Coop Breizh) qui remportent le grand prix du disque du Télégramme, un prix qui récompense le meilleur album de l'année lié à la Bretagne. Ils parviennent donc à se distinguer parmi les 73 albums en compétition. Parmi ces albums, 24 étaient des premiers albums et c'est le groupe Badume's Band qui remporte le prix du meilleur premier album avec leur opus intitulé Addis Kan (Innacor). Une consécration pour ces musiciens du Centre Bretagne qui jouent de la musique Ethiopienne. Une bien belle façon de récompenser l'éclectisme à la bretonne. Malheureusement, je n'ai écouté aucun de ces deux albums mais j'aurais bien aimé que Ewen Delahaye Favennec remporte le grand prix du disque avec leur sublime album Tri Men (Coop Breizh). Enfin, dans la catégorie premier album j'aurais bien aimé une victoire des Ramoneurs de menhirs mais bon, je fais confiance au jury sur la qualité des albums récompensés.

Plus d'informations sur le blog du grand prix :

http://prixdudisque.blogs.letelegramme.com/

Et pour rappel, le palmarès des années précédentes :

2006 : Red Cardell "Naître"

2005 : Yann Tiersen "Les retrouvailles"

2004 : Miossec "1964"

2003 : Denez Prigent "Sarac'h"

Cécile Corbel "Sans faire un bruit"

2008-02-01T17:24:00.000+01:00

Voici un très beau clip d'une artiste pleine de talent : Cécile Corbel. Ce titre est le premier extrait de la compilation La nuit des fées sorti sur le label Prikosnovénie. Une compilation magnifique sur laquelle on retrouve aussi des inédits de Mediavolo, Caprice, The moon and the nightspirit et bien d'autres.

Le site de Cécile Corbel : http://www.cecile-corbel.com/

Le site de Prikosnovénie : http://www.prikosnovenie.com/

La chronique du coffret La nuit des fées : http://laubergedeskorrigans.blogspot.com/2007/10/la-nuit-des-fes-prikosnovnie.html

Kinovia "Knjiga Pelinova" (Cynfeirdd)

2008-01-31T19:14:00.000+01:00

Knjiga Pelinova est le nouvel album du groupe serbe Kinovia. Cet opus est sublime et diffuse une musique subtile où les influences d’Europe de l’est se font intelligemment sentir. Kinovia est un peu le penchant serbe du groupe Ashram combiné au mysticisme orthodoxe du groupe Irfan. A l’instar des bulgares, les serbes de Kinovia sont très influencés par le religieux et en particulier par le mouvement gnostique et le mysticisme orthodoxe. Cette influence pèse sur leurs paroles qui possèdent un caractère religieux prononcé. Pourtant, leurs musiques sont d’inspirations néo classiques et accordent naturellement une place de choix au piano, violon et violoncelle. Kinovia s’appuie sur l’extraordinaire voix de Nikola Urosevic comme en témoigne le magnifique « Basilico ». Il y a de la magie dans les voix, empreintes néanmoins de la tristesse du folklore des Balkans (« Lelej »).
La musique est elle aussi souvent mélancolique, venant parfaitement soutenir l’intensité de la voix (« Vaskliknite Bogovi »). Le pianiste Milos Miljkovic sait nous émouvoir en quelques notes, preuve en est le titre « Gone » qui forme l’alchimie parfaite avec la voix de Nikola.
Une musique qui peut s’avérer enjouée et dynamique comme l’atteste le final de « Dorothea » ou le quasi instrumental « Entfremdung : Kafka and the clocks of the Apocalypse », un titre d’une beauté inouïe pour illustrer le manichéisme permanent du monde.
Knjiga Pelinova est un album somptueux, original, enrichissant et empreint de poésie. Un groupe rafraîchissant et novateur, à découvrir absolument.

Myspace de Kinovia :

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=138777722

1er numéro du fanzine de Omnia

2008-01-16T18:40:00.000+01:00

Le groupe Omnia publie son propre fanzine intitulé Raven times. Au sommaire de ce premier numéro, un carnet de voyage, une rapide retrospective du parcours de Jenny, les hobbies de Luka, une recette de cuisine et un article sur Edgar Allan Poe. Mais surtout, on apprend que Omnia prépare un dvd live qui se veut original et pour lequel le groupe recherche des acteurs. Même si l'ensemble se lit aisément, je regrette que le groupe ne propose pas d'articles de fond sur le paganisme ou sur la manière de conçevoir ou d'appréhender leur musique. Peut être dans le prochain numéro ?

Pour recevoir Raven Times, il suffit de s'inscrire au Pagan Clan en cliquant sur le lien ci dessous puis de cliquer sur Fan Club puis de remplir le formulaire.

http://www.omnia-neocelt.com/

Alan Simon prépare un opéra sur Anne de Bretagne

2008-01-16T18:30:00.000+01:00

Alan Simon, le musicien nantais, déjà auteur de Excalibur et Excalibur 2 :l'anneau des celtes, va composer un opéra sur Anne de Bretagne. La célèbre duchesse bretonne

sera interprétée par la jeune harpiste Cécile Corbel. Un projet séduisant donc, auquel participeront notamment l'orchestre symphonique de Bretagne, le bagad de Quimperlé et Didier Squiban. La sortie de l'album sera suivie d'un concert au château des ducs de Bretagne à Nantes et au château de Blois, lieu où la duchesse est morte en 1514.

L'article de Daniel Morvan paru dans Ouest France : http://www.nantes.maville.com/La-vie-d-Anne-de-Bretagne-est-un-opera/re/chateau_detail/actu_9946-492765-----_actu.html

La vie de Anne de Bretagne : http://fr.wikipedia.org/wiki/Anne_de_bretagne

Joel Frederiksen "The Elfin Knihght" (Harmonia mundi)

2008-01-14T16:22:00.000+01:00

The Elfin Knight (le roi des elfes) est une oeuvre de Joel Frederiksen et de son ensemble, l’ensemble Phoenix Munich. Un album qui permettra à l’auditeur de découvrir le répertoire anglais de la renaissance que l’on ait tenté de nommer abusivement musique médiévale. On s’aperçoit que cette musique est très éloignée de ce que joue des groupes comme Corvus Corax ou Faun. Ici, point de cornemuse ou d’expérimentations électroniques, mais seulement des luths et ses dérivés (théorbe, colachon) ainsi que viole de gambe, flûte et percussion. Au programme, une musique raffinée et esthétique soucieuse de récréer l’atmosphère et les ambiances d’époque. Mais l’œuvre accorde une place prépondérante à la voix et surtout à celle de Frederiksen, basse au timbre exceptionnel.
The Elfin Knight est un disque copieux qui propose tout de même 23 titres et 78 minutes 47 de secondes de musique. Comme d’habitude avec Harmonia Mundi, la qualité du produit se manifeste par un luxueux livret de 68 pages qui accompagne l’enregistrement et qui contient une interview de Joel Frederiksen ainsi que l’intégralité des textes en français, anglais et allemand. Un livret très utile qui permettra de mieux comprendre le travail et la conception du projet. De plus, la lecture des textes s’avéra passionnante pour ces allusions historiques ou pour ses nombreux thèmes développés : Amour courtois, esprit et valeurs chevaleresques,…
D’un point de vue musicale, les morceaux pourront en déconcerter certains tant les mélodies semblent à des années lumière des mélodies actuelles. Pourtant, certains titres sont vraiment magnifiques à commencer par le premier titre «Whittingham Faire » ou par le très connu « Greensleeves », ici magnifiquement interprété. Les rare instrumentaux sont souvent très courts (un seul dépasse la minute trente) et développe un certain raffinement. Seul « Untitled and Corne yairds » possède une réelle énergie et offre une place de choix aux percussions.
Concernant les paroles, les amateurs de l’esprit chevaleresque devraient être servis. La majorité des morceaux sont des variations du même thème, à savoir l’amour courtois. Un amour souvent triste, où l’amant chante ses mésaventures amoureuses (« Fortune, my foe ») ou l’amour impossible et la séparation inévitable (« Farewell, lovely Nancy »). « Barbara Ellen » s’inscrit typiquement dans la tradition du troubadour solitaire puisque Joel Frederiksen, seulement « armé » de son luth nous conte une histoire terriblement triste où le héros va littéralement mourir d’amour et la fin heureuse ne pourra exister que dans la mort. Certains morceaux font référence à des évènements historiques. Ainsi « Lord Darly » chante le destin de Henry Stuart, le Lord Darly, qui persécuta les favoris de son épouse, Marie Stuart, jusqu’à faire assassiner le secrétaire privé de celle-ci, David Rizzio. Le lord Darly paiera cher ce complot et sera lui-même assassiné l’année suivante. « Watkin’s Ale » est une chanson salace qui nécessite une lecture attentive des paroles. Enfin, notons une version de « Scarborough Faire » qui ne parviendra pas à faire oublier la magnifique interprétation de Simon & Garfunkel. Un travail remarquable et une qualité d’interprétation de l’imaginaire chevaleresque qui font de The Elfin Knight un album à découvrir. A vos destriers chevaliers…

Et pour le plaisir des yeux et des oreilles, l'inoubliable version de Simon & Garfunkel de "Scaborough Faire".

Session de rattrapage

2008-01-12T18:38:00.000+01:00

Il y a parfois des albums que l’on reçoit et pour lesquels on ne trouve pas le temps d’écrire une chronique voir tout simplement de les écouter. Soit par manque de temps, soit à cause d’une qualité médiocre qui ne donne pas envie de se lancer dans l’écriture. Voici donc une petite session de rattrapage pour 3 albums de métal qui sont passés entre les mailles du filet en 2007. Nous commencerons par le meilleur album du lot, à savoir Symphony X avec son Paradise Lost qui est sorti en juin 2007 sur le label Inside Out. Ensuite nous nous intéresserons aux finlandais de Soulgrind et leur album Pakana paru chez Holy records. Enfin, pour clore cette session, nous chroniquerons le premier album de Engel qui regroupe plusieurs « noms » de la scène métal et qui est paru chez SPV.
Paradise lost (Inside Out) est le huitième album du groupe américain Symphony X. L’introduction « Oculus ex Inferni » est somptueuse et ne tremble pas de la comparaison avec le « O fortuna » de Carl Orff tant elle développe des tonalités grandioses et épiques combinés à des accents wagnériens impeccables. D’ailleurs la même recette sera appliquée au long titre final « Revelation », une bien belle façon d’ouvrir et de conclure cet album de 10 titres. Entre temps, on aura le droit à de longs morceaux de métal progressif lorgnant plus que d’habitude sur le power métal. On retrouvera de longs passages instrumentaux souvent énervés mais parfois très acoustique et calme. Le deuxième titre « Set the world on fire » se démarque par sa puissance et par son refrain accrocheur, sûrement le meilleur morceau de l’album. Les fans devraient s’y retrouver mais il est vrai que l’on a connu mieux chez Symphony X, leur meilleur album restant l’indétronable The divine wings of tragedy.
Soulgrind porte la ravissante étiquette « Pagan melodic dark », une étiquette qui d’habitude suscite un grand intérêt de ma part. Pourtant, Pakana (Holy records) se révèle sans originalité et ne surprend que rarement. Même la ballade « Frost shines blue » est plate. On pourra tout de même mettre en avant la belle voix de Miss W. lilith qui parvient à égayer de nombreux morceaux car la voix death du chanteur est pompeuse et fait dans la démesure jusqu’à atteindre un niveau franchement ridicule. En revanche, quand Soulgrind cherche à donner un côté plus heavy à ses compositions, c’est tout de suite franchement mieux et ces dernières gagnent en intensité. La plupart des titres sont seulement sauvés par des refrains accrocheurs, le titre « Pakana » en est le meilleur exemple. Bref, un album à vite oublier.

Absolute design (SPV) est le premier album de Engel, mais n’allez pas croire que ce sont des novices puisque dans la line up du groupe on retrouve que des ex-membres de groupes plus ou moins connus. En revanche, à l’écoute de l’album on peut allégrement croire qu’il s’agit de novices tant la musique sonne creux. Engel recherche son style sans jamais vraiment l’appréhender, le côté hésitant se faisant toujours plus ou moins ressentir. Certes, certains morceaux sont bons voir très bon (quoi que ?) mais franchement à quoi bon parler d’un album aussi mauvais…

Nolwenn Korbell & Soïg Sibéril "Red" (Coop Breizh)

2008-01-02T17:05:00.001+01:00

Après 2 albums, parus en 2003 et 2006, qui connurent un vrai succès, auprès de la critique comme auprès du public, Nolwenn Korbell a décidé pour son troisième album de s’entourer uniquement du guitariste Soïg Sibéril. Une direction qui annonce un album épuré et intimiste. Le titre de l’album Red ainsi que la pochette reflète cette simplicité et ce style volontairement épuré. A noter que l’album présente tout de même une forme luxueuse puisqu’il est accompagné d’un dvd. Ce dernier contient deux titres live (« Yannig ha mai » et « Glav ») ainsi qu’un documentaire d’une vingtaine de minutes intitulé Red ar vuhez où l’on voit Nolwenn et Soïg durant l’enregistrement de l’album et en concert, notamment au festival de Cornouaille. Mais ce nouvel album se veut en partie une réinterprétation intimiste et personnelle des chansons de Nolwenn Korbell puisque sur les 14 titres de l’album, 7 sont des reprises des deux précédents albums. Parmi les nouveaux morceaux, on appréciera les 2 titres engagés que sont « Bugale Breizh » qui fait un parallèle ingénieux entre le drame du Bugaled Breizh et la condition du peuple breton et le titre « Anna » en hommage à Anna Politkovskaïa, la journaliste russe assassinée le 7 octobre 2006. On trouvera aussi une reprise très réussie du morceau « Turn, turn, turn » de Pete Seeger, une légende de la folk song américaine. Soïg Sibéril accompagne ingénieusement Nolwenn, ses accords collant parfaitement à l’ambiance légère et intimiste que souhaitait la chanteuse bretonne, ses anciens morceaux prenant ainsi une autre dimension. Comme muselé par son rôle un peu en arrière plan, le guitariste se rattrape avec l’instrumental « Daoulamm ruz », plein d’énergie qui nous montre la dextérité du musicien sur son instrument. Les thèmes de Nolwenn tournent souvent autour de l’amour mais la chanteuse sait choisir ses mots pour nous livrer des textes de grande beauté qui méritent d’être écoutés ou relus plusieurs fois. Une utilisation de la langue bretonne qui fait plaisir à entendre et qui confirme tout le talent de la chanteuse compositrice.
Un bel album, sans artifices, simple et magnifique où les mots, la voix et la guitare suffisent.

http://www.myspace.com/nolwennkorbell

Omnia "Cybershaman" (Autoproduction)

2008-01-02T11:23:00.000+01:00

Le groupe Omnia, que l’on ne présente plus tant il s’est imposé comme la référence absolue de la scène Pagan folk, s’est « amusé » à sortir un EP de six titres, intitulé Cybershaman, présentant des morceaux de leur album Pagan folk remixés à la « sauce » électro. Ce sont donc les groupes Transit poetry et Fortress qui ont eut la lourde tache de revisiter le répertoire du groupe néerlandais en essayant de lui insuffler une flamme électro sans dénaturer la teneur de la musique. Premier reproche, il est dommage que sur seulement six titres, on ait le droit à deux fois « Tine bealtaine » et deux fois « Pagan polska ». Deuxième reproche, non seulement on a des morceaux en double mais en plus il s’agit du même groupe qui revisite deux fois le même titre (Transit poetry pour « Tine bealtaine » et Fortress pour « Pagan polska »). Heureusement, cet EP présente plusieurs points forts notamment une jolie pochette qui nous montre la délicieuse harpiste du groupe, Jenny, en pleine transe. Concernant les morceaux, il faut bien avouer que la recette fonctionne et que le résultat donne une électro chamanique aux ambiances cyber celte que le titre de l’album résume bien. Les plus réussis sont les morceaux « Dil gaya » et « Teutates » qui nous plonge dans une musique rythmée où la vieille à roue nous transporte au plus profond des ages anciens, dans un vacarme tellurique hors du commun.
Une curiosité qui ne plaira pas à tous les fans de Omnia mais l’expérience étant réussie, elle mérite que l’on n’y prête une oreille attentive.

Le myspace de Omnia sur lequel vous pouvez écouter le morceau "Dil gaya" extrait de Cybershaman :

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=81611709

L'année 2008

2007-12-30T11:24:00.000+01:00

Petit tour d'horizon des sorties à venir en 2008. Tout d'abord, au mois de janvier sortiront les albums de Ez3kiel et de Ayreon dont vous pouvez lire les chronique sur ce site. Sinon, les autres sorties attendues sont les suivantes :
-Qntal (22 février 2008)
-Arcana "Raspail" (février 2008)
-Trobar de morte (Coming soon)
-Mike Oldield "Music of the spheres" (mars 2008)
-Stille Volk (date indéterminée)
-Alan Simon "Anne de Bretagne" (Alan Simon prépare un opéra avec Cécile Corbel dans le rôle de Anne de Bretagne)
-Prikosnovénie (l'inévitable label de référerence avec les sorties attendues de Alizbar, Maple Bee, Louisa John Krol, Karin Höghielm et surtout Caprice. De plus, Prikosnovénie annonce un grand projet pour Fairy world 4, une information qui fait forcément cogiter, que nous prépare Prikosnovénie ?)
Il faut rajouter à cette liste, les nombreux artistes que j'affectionne et pour lesquels j'ignore encore qu'ils vont sortir un nouvel album en 2008.
Bonne année à tous et à l'année prochaine pour de nouvelles aventures féériques.

Collection Alan Stivell part.1 (Keltia IIII/Harmonia mundi)

2007-12-29T11:46:00.000+01:00

Le label Harmonia mundi continue sa tache titanesque mais ô combien salutaire de rééditer la discographie de Alan Stivell, le père fondateur de la musique celtique moderne, dans des versions remastérisées. Ce travail avait été commencé en 2005 avec la sortie de 4 albums : In Dublin, Symphonie celtique, Again et Brian Boru. Aujourd’hui, c’est six nouveaux albums qui viennent enrichir cette collection : Terre des vivants, Legend, The mist of Avalon, 1 Douar, Back to Breizh et Au-delà des mots. L’occasion de se replonger dans l’incroyable diversité de la musique de Alan Stivell avec des albums qui bénéficient d’un son de grande qualité et de pochettes revues et clarifiées. Ce qui frappe avant tout lorsqu’on considère l’intégralité de la musique de Stivell, c’est ses allers retours incessants entre diverses musicalités, la musique celtique n’étant que le trait d’union d’un univers musical bien plus vaste où les frontières ne sont pas celles qu’ont imposées les Hommes. En premier lieu, nous nous intéresserons à trois de ces six albums, à savoir Legend, The mist of Avalon et Au-delà des mots. J’ai choisi ces albums pour leurs références plus ou marquées à l’imaginaire. En effet, Legend (1983) propose de s’évader dans la mythologie celtique et bretonne à travers de nombreux titres oniriques. The mist of Avalon (1991) s’attaque à la légende arthurienne, mythe celtique par excellence qui rayonna à travers l’Europe et continue d’enflammer l’imagination de nombreux auteurs modernes voire de scénaristes télé (cf. Kaamelott). Alan Stivell se devait de consacrer un album entier à tout ce cycle d’aventures. Enfin, Au-delà des mots (2002) marque le retour de Stivell vers une musique instrumentale plus intimiste, essentiellement joué à la harpe celtique, instrument onirique par excellence, cet instrument qu’il affectionne tant. Le plus cohérent étant de respecter l’ordre chronologique pour ces chroniques, nous allons commencer par l’album Legend.

Cet album a été pensé par Stivell comme une descente dans la mythologie celtique à travers des thèmes oubliés mais universels. Peut être cette pierre du Cairn de Gavrinis que l’on voit dériver dans l’espace sur la pochette joue t-il le même rôle que le mégalithe noir de « 2001, l’odyssée de l’espace ». Source d’inquiétude et d’interrogation, il joue un rôle essentiel dans l’avenir du monde, tout comme la culture celtique à travers sa dimension fédératrice. Legend contient 15 morceaux mais est divisé en 3 parties. La première partie correspond à la musique composée par Alan Stivell pour le film de Monique Enckell, « Si j’avais 1000 ans ». Une musique évanescente et mystique pour soutenir l’intensité des images. La partie 2 n’est composé que de 2 titres mais le morceau « Imran Brain » présente la particularité d’être chanté en gaélique du haut Moyen Age. Un morceau qui témoigne de la volonté de Stivell de se rapprocher le plus possible des fondements de la culture celtique. La partie 3 est tout aussi ambitieuse puisqu’elle se propose de raconter en 7 morceaux l’arrivée des Tuatha Dé Danann, le peuple mythique d’Irlande. Le premier morceau « Les peuples dieux de Dana », sonne très asiatique notamment grâce à l’utilisation d’un orgue à bouche indonésien, preuve que Stivell s’ouvre à toutes les cultures pour raconter cet épisode de mythologie celtique. Les instrumentaux suivants, limpides et oniriques, dépassent les mots pour conter cette histoire, les accords de harpe se suffisant pour emmener l’auditeur sur les terres de l’Irlande mythologique.
Avec The mist of Avalon, Alan Stivell s’attaque à un monument de la culture celtique, la légende arthurienne. Fruit d’un travail commencé au milieu des années 1980, l’album sort en 1991. Ce qui frappe à son écoute, c’est sa tonalité pop celtique universel avec ses chansons chantées souvent en anglais et ses mélodies accrocheuses. On remarquera aussi que le titre de l’album fait référence au roman de Marion Zimmer Bradley, The mists of Avalon, paru en 1983 et qui proposait la relecture du mythe arthurien à travers les personnages féminins de la légende. Stivell nous convie donc dans son épopée arthurienne à revivre à travers la musique, les émotions et les aventures de nos héros. Pour ce faire, le compositeur breton utilise de nombreux instrumentaux, laissant ainsi la musique pénétrer l’auditeur et laissant faire son imaginaire pour faire vivre cette histoire sans parole (« Morgan », « La blessure d’Arthur »). Parmi les chansons, on appréciera les titres « La dame du lac » et « Guenièvre », deux très bons morceaux chantés en anglais et en breton avec une voix féminine sublime qui vient parachever ces deux petits bijoux de pop celtique. Pour son inspiration, les sources de Stivell sont diverses et parfois surprenantes puisque le morceau « Strink ar Graal » provient d’une inspiration de Francis Lalanne. Pour le reste, on trouvera notamment des emprunts au célèbre barde Taliesin, au Mabinogion et à l’incontournable Barzaz Breiz.
Malgré la réussite de The mist of Avalon, on regrettera que Alan Stivell n’ait pas plus puisé dans les racines celtiques pour conter cette aventure immémoriale malgré l’effort effectué avec le titre « Le chant de Taliesin » puisque ce morceau est chanté dans la langue parlée au temps du roi d’Arthur.

En 2002, Alan Stivell célèbre le cinquantenaire de la harpe celtique un peu en avance (il a eu lieu « officiellement » en 2004) avec la sortie de cet album entièrement instrumental intitulé Au-delà des mots. Alors qu’on aurait pu penser voir Stivell s’embarquer vers une musique celtique expérimentale pour ce nouveau millénaire, l’artiste breton préfère revenir aux sources et livrer 30 après Renaissance de la harpe celtique, un album dédié à son amour de toujours : la harpe celtique. Il faudra finalement attendre Explore en 2006 pour voir revenir Stivell à des expérimentations électroniques. Au-delà des mots s’affirme donc comme un album intimiste où le titre traduit très bien la vision ineffable de la musique de Stivell. Cette dernière étant assez « pure » pour transmettre les émotions qu’elle veut véhiculer. Cette transgression des frontières entre la musique et les paroles prend aussi son sens géographiquement. La pochette, tout d’abord, nous montre un océan onirique s’étendant à perte de vue. Puis, les morceaux contribuent à affirmer ce caractère à travers des morceaux comme « La Celtie et l’infini » (en 3 parties) et le néo-triskell de Stivell « La harpe, l’eau et le vent » (en 2 parties) où la harpe, l’eau et le vent viennent remplacer la terre, l’eau et le feu. Signalons aussi le morceau « Bleimor : le bagad » assez déconcertant dans sa conception mais qui s’avère une réussite. Enfin, mentionnons « Harpe atlantique », le morceau explosif de l’album qui démontre une véritable dextérité et une formidable vitesse d’exécution de la part de Stivell. Un morceau qui sera d’ailleurs repris par Rhapsody comme interlude sous le titre « Elnor’s magic valley » sur l’album Rain of a thousand flames.
Certes, Au-delà des mots est un album plus difficile d’accès que la majeure partie des titres de sa discographie mais la pureté des accords de Alan Stivell mérite que l’on prête une oreille très attentionnée à cet album. Une vison de la musique et de la culture celtique parfaitement résumée par ces quelques mots issus du livret : « La harpe, l’eau, le vent, au-delà des mots, résonance infinie vers l’harmonie ».

S'il existe des gens qui ne connaissent pas Alan Stivell (mais j'espère que cela n'existe pas), voici le myspace :

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=136207993

TOP ALBUMS 2007

2007-12-28T18:07:00.000+01:00

La fin de l'année sonne aussi l'heure des bilans. Voici donc mon top 10 pour les albums parus en 2007. Et le vainqueur est...

1- Faun "Totem" (Curzweyhl)

Le dernier album en date des germains fut un nouveau bijou de musique medieval folk, un album magistral qui vient compléter une discographie qui l'est tout autant.

2-Irfan "Seraphim" (Prikosnovenie)

Le deuxième album des bulgares est tout aussi sompteux que le premier avec des musiques antiques, médiévales et mystiques qui atteignent des sommets.

3-Corde Oblique "Volontà d'Arte" (Prikosnovénie)

Riccardo Prencipe se révèle un guitariste de génie et sa dextérité au luth est une merveille. Un album entre musiques médiévales et sublimes voix napolitaines qui atteint une sensibilité rarement égalée.

4-Hexperos "The garden of the hesperides"

(Equilibrium music)

La très bonne surprise de cette fin d'année. Le duo italien nous livre une musique néo classique de toute beauté.

5-Korpiklaani "Tervaskanto" (Napalm records)

Les finlandais continuent de prouver l'étendu de leur talent à chaque album avec ce nouvel opus qui propose un cocktail de finnish humppa folk metal surpuissant, un album très festif.

6-Loreena McKennitt "Nights from the Alhambra"(Quinland road)

Une artiste de référence qui interprète les plus grands morceaux de son répertoire dans un lieu somptueux, que dire de plus !!

7-Daemonia Nymphe "Krataia Asterope"

(Prikosnovenie)

Les grecs nous plongent une fois de plus dans une Grèce antique fantasmée parmi les nombreux dieux de la mythologie grec.

8- The moon and the nightspirit "Rego rejtem"

(Equilibrium music)

Le duo hongrois nous livre un deuxième album sompteux avec une musique féerique de toute beauté et des textes en hongrois.

9- Paulin Bundgen "Etrange septembre" (Cynfeirdd)

La surprise de l'année, le contre ténor Paulin Bundgen livre un album surprenant dans un univers mediéval fantastique et inquiétant.

10- Les ramoneurs de menhirs "Dañs an diaoul"

(Folklore de la zone mondiale)

L'ancien guitariste des Bérus, Loran, permet enfin à La Bretagne d'avoir un groupe punk énergique et engagé qui ne renie pas ses racines, Bevet Breizh !!

Voilà pour ce classement, désolé pour les pochettes qui ne sont pas toutes au même format et je tiens à préciser qu'à l'heure où j'effectue ce classement je n'ai pas encore reçu l'album de Omnia "Alive" qui je pense aurait largement eu sa place au sein de ce Top 10.

News Décembre 2007

2007-12-28T17:45:00.000+01:00

En cette fin d'année, un petit point sur mes activités s'impose. Voici donc les futures réjouissances qui seront chroniquées dans l'auberge. On trouvera 3 des 6 albums de Alan Stivell réédités par le label Harmonia mundi (Normalement les 3 autres suivront après). Nous nous intéresserons à l'album de Nolwenn korbell en collaboration avec Soïg Sibéril,un très bel album intimiste et accoustique chanté en breton qui s'intitule Red. Nous ferons un tour vers la musique médiévale avec l'album de Joel Frederiksen The Elfin Knight qui nous livre de somptueuses danses et ballades de la renaissance. Nous chroniquerons aussi l'album de Kinovia Knjiga Pelinova paru chez Cynfeirdd ainsi que la musique particulière de Chaostar avec l'album Underworld paru chez Holy records. Enfin, nous aurons droit à 3 gros morceaux avec le dernier album de Omnia Alive (ainsi que le EP Cybershaman) et le nouveau Dvd de Faun Ornament. Un joli programme en perspective !!

EZ3kiel "Battlefield" (Jarring effects/discograph)

2007-12-17T17:36:00.000+01:00

« Au bord des fleuves de Babylone, Dieu choisit Ezekiel pour être son prophète. Au bord des fleuves conduisant à une noirceur sans fin. A l’inverse des autres prophètes, Ezekiel apporta alors lumière et espérance à un peuple qui se sentait abandonné, de quoi affronter le long et douloureux champ de bataille qui se dressait devant lui. »
Cette introduction figurant sur le dossier de presse a de quoi faire saliver tout auditeur qui aime l’œuvre d’EZ3kiel. En effet, moins d’un an après la sortie du formidable Naphtaline, album concept mêlant habilement image et son, le groupe tourangeau nous livre déjà sa nouvelle bataille pour l’avènement de la lumière avec Battlefield. La référence biblique d’introduction n’est pas anodine tant ce nouvel opus nous manipule dans les tourments des temps anciens avec toujours un manichéisme très prononcé, les moments de fureur laissant leur place à des musicalités plus apaisantes de grandes puretés. L’entrée sur le champ de bataille se déroule dans des conditions ténébreuses (« Adamantium ») mais la fureur ultime dans sa haine sera à mettre au profit du court morceau « Firedamp ». Plus qu’un clin d’œil au précédent album, « Volfoni’s revenge » se veut un trait d’union entre deux albums qui, s’ils ne développent pas la même musicalité, développent le même esprit. « Spit on the ashes » est marqué par la présence du chanteur/slammeur Blurum 13, un titre qui prend ainsi une tournure particulière avec ses chœurs planants à la Pink Floyd. Plus électro parfois, cet album est surtout définitivement rock, un rock ciselé avec des batteries indus (« Break or die »). « Lull » marque le calme avant la tempête, le prélude paisible qui laissera sa place à un enchevêtrement de violence et de chaos (« Firedamp »). Pour mieux souligner cette dualité et ce manichéisme permanent, EZ3kiel se permet même de reprendre « The Montagues and The Capulets » de l’opéra « Roméo et Juliette » du compositeur russe Sergueï Prokoviev. Un thème qui ne manque pas de souligner le duel à mort dans sa démesure et son incohérence. « Wagma » sonne enfin comme un happy end timide au milieu du chaos, Ezekiel ayant apporté la lumière mais le mal court toujours. Battlefield s'avère une réussite, l’appropriation d’un univers singulier par un groupe talentueux.

http://www.myspace.com/ez3kielmyspace

Fia na roca "Vente vindo" (Corda frouxa)

2007-12-16T16:13:00.000+01:00

Fia na roca est un groupe galicien que l’on a pu découvrir en Bretagne à l’occasion du 37ème festival interceltique de Lorient et Vente vindo est leur dernier album en date. Les sept membres du groupe galiciens jouent une musique empruntée essentiellement au répertoire traditionnel de cette région du nord ouest de l’Espagne. Le charme de la musique de Fia na roca (et bien souvent de la musique galicienne en général) repose sur l’association entre la beauté des airs celtiques avec la chaleur de cette langue latine qu’est le galicien. Enfin, dans le registre de la musique celtique, ne vous attendez pas à une profusion de cornemuse, le groupe n’utilisant que rarement la gaïta ce qui inscrit la démarche de Fia na roca dans un univers plus folk avec le triptyque accordéon guitare violon. Pour autant, les musiques sont soignées et de grandes qualités et le timbre de voix de la chanteuse Sonia Lebedynski est sublime. Le premier morceau « Outes » formidablement accrocheur et virevoltant pourra faire songer à un autre groupe galicien, Luar na Lubre. Ce morceau est véritablement festif et dispose d’un final très intense. Les 13 autres morceaux ne seront jamais aussi rythmés. On aura le droit à quelques instrumentaux savoureux (« Diferenzias », « Marchiña » ou « Golpe do eume ») ou à un morceau étrangement jazzy (mais réussi) grâce à une très bonne rythmique au piano (« Noite negra »). « Son de meira » assure lui la note mélancolique de l’album, un morceau rempli d’émotion. Enfin, Vente vindo se clôture par « Monzo », un morceau savoureux où l’on ressent toute la chaleur galicienne, et « vente vindo », l’occasion de profiter une dernière fois de la très belle voix de Sonia.
Bref, Fia na roca joue une musique fraîche et authentique, à découvrir absolument.

http://www.fianaroca.com/

Ayreon "01011001" (Inside out/SPV)

2007-12-12T18:20:00.001+01:00

Ayreon est le nom d’un projet initié par le multi instrumentiste néerlandais Arjen Anthony Lucassen. Un projet qui a déjà eu tout l’honneur qui lui revenait dans Khimaira donc je vous invite à vous reporter au numéro 3 consacré au Space Opera pour en savoir plus. 01011001 est donc le titre de cette septième aventure de Ayreon, un ménestrel du sixième siècle plongé dans des histoires folles mêlant fantasy et science fiction. La pochette est une nouvelle fois sublime puisque depuis l’album Into the electric castle, elle est signée par l’artiste anversois Jef Bertels. Comme à l’accoutumer, ce nouvel album de Ayreon est conçu comme un gigantesque opéra tenant sur 2 cds et contant une histoire de science fiction. Il y a autant de virtuosité que de grandiloquence dans la tache que cherche à accomplir Lucassen mais après tout cette recherche de la démesure constitue une sorte de graal ou de quintessence pour l’amateur de métal (ou de musique en général). En effet, Ayreon s’entoure à chaque album de nombreux artistes oeuvrant pour la plupart dans la sphère du métal et multiplie les influences. Pour 01011001, on trouvera notamment au casting Tom Englund (Evergrey), Bob Catley (Magnum), Floor Jansen (After forever), Hansi Kürsch (Blind Guardian) et la sublime voix de Anneke Van Giersbergen (ex-The Gathering) parmi la quinzaine d’invités. Concernant la musique, Lucassen a une nouvelle fois soigné les 15 compositions de cet album et multiplie les références. Ainsi dans son « space rock opera », plusieurs genres sont abordés et même si la base reste un métal/rock progressif, on remarquera des influences folk ou classique. On passera ainsi de longs morceaux de métal progressif ou de rock progressif à des morceaux plus intimistes puisant vers des influences celtiques (le magnifique « Web of lies » chanté par Simone Simons du groupe Epica) ou médiévales (« River of time »). Parfois, l’auditeur se surprendra à deviner des influences de Final Fantasy (« The fifth extinction ») ou une fantomatique présence des Pink Floyd.
Un projet très ambitieux, pas forcément toujours abouti mais dans sa démesure, Lucassen, parvient tout de même à livrer une œuvre d’une très grande cohérence dont chaque nouvelle pierre contribue à bâtir un monument de la musique moderne. L’année 2008 commence bien !!

Sortie le 25 janvier 2008
Myspace : http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=59300772

Magica "Hereafter" (AFM)

2007-12-05T18:26:00.000+01:00

Troisième album des roumains de Magica qui avec Hereafter nous livre un très bon album de métal symphonique dont le seul défaut serait de perdre un peu d’intensité à la fin. La pochette, magnifique, fournit une bonne entrée en matière vers l’univers féerique de Magica. La voix de la chanteuse Ana Mladinovici est somptueuse et ne souffre pas de la comparaison avec une Tarja Turunen (ex-Nightwish) ou une Sharon Den Adel (Within Temptation). La musique des roumains n’est pas en reste puisque les compositions s’avèrent très mélodiques comme sur le morceau « All waters have the colour of drowning » et sa partie au piano de toute beauté assortie du chant d’Ana empreint de mélancolie. Plusieurs titres développent une orchestration épique magnifique, c’est le cas de « Turn to stone » et surtout de « No matter what », un titre somptueux tant dans son instrumentation que dans les sonorités développées. Magica sait aussi faire monter la tension chez l’auditeur comme sur le titre « Entangled » qui met près de 2 minutes avant de s’élancer. L’alchimie entre les compositions du groupe roumain et la voix d’Ana fonctionne à merveille et nous offre des titres accrocheurs où les refrains touchent directement l’auditeur (« Weight of the world »). Avec Hereafter, Magica signe son entrée dans la cour des grands groupes du métal symphonique.

http://www.magicaband.com/magicaexplorer.html

Poets of their beloved "Embrace the fool" (Equilibrium music)

2007-12-01T20:01:00.000+01:00

Poets to their beloved est duo germano néerlandais qui, à l’instar de Hexperos, vient de sortir son premier album Embrace the fool sur le label Equilibrium music. Composé de Saskia Dommisse et de Marcel Schiborr, nos deux artistes se sont rencontrés à l’occasion d’un workshop de Brendan Perry (Dead can Dance). Pourtant, notre duo parvient à s’écarter de l’influence de son illustre aîné et nous livre une néo folk empiétant parfois sur la dark folk, le tout marqué au fer rouge par la mélancolie. A ce titre, on appréciera les sublimes « The disillusioned nihilist » et « Ode on melancholy » où la voix de Saskia colle parfaitement à l’univers musical volontairement dépressif du duo. D’ailleurs même si les deux voix se complètent bien, j’ai une nette préférence pour celle de Saskia, funéraire et paisible à la fois, on l’imagine guider les morts en chansons sur le Styx. Les compositions font pleurer les cordes dans une débauche de romantisme hors du commun, guitare acoustique, violoncelle, violon et même hammered dulcimer s’unissent pour nous faire pénétrer au plus profond de l’âme de nos poètes. A ce titre, le morceau « Innate » est remarquable, tant dans la progression de la mélodie et des voix que dans l'arrivée du refrain en forme d’apothéose. Embrace the fool s’avère un très bon album qui annonce tout le talent de ce duo prometteur.

http://www.myspace.com/poetstotheirbeloved

Les Goristes "Kig ha farz mambo" (Keltia musique)

2007-11-30T16:06:00.001+01:00

Pour sortir de notre univers souvent mélancolique, un peu d’humour ne nous fera pas de mal avec le septième album des Goristes au titre détonnant Kig ha farz mambo. Le kig ha farz étant un plat régional breton qui signifie littéralement viande et farce. Au programme, 16 nouveaux titres où les paroles tiennent une place prépondérante puisqu’elles jouent avec malices et autodérisions sur les clichés de la Bretagne et de la société. Les Goristes, ce sont 8 gaillards qui portent chacun une lettre du mot g-o-r-i-s-t-e-s sur leur tee shirt en concert et qui se définissent comme 800 kg de chansons brestoises en référence à leurs généreux embonpoints qu’ils assument fièrement. A l’instar des Glochos, Les Goristes chantent la Bretagne mais plus particulièrement Brest, leur ville, qu’ils représentent fièrement, participant ainsi à la culture brestoise au même titre qu’un Miossec dans un autre registre. La musique de nos brestois est très minimaliste, utilisant seulement quelques accords à la guitare, au piano ou à l’accordéon mais vous l’aurez compris, ce n’est vraiment pas l’essentiel dans leur musique. Toutefois, Les Goristes n’ont pas hésités à composer des musiques exotiques (« Kig ha farz mambo », « Grésil »). Concernant les paroles, elles sont souvent très réussies (« Camping car », « Breizh Cow-boys ») mais on regrettera la tournure démagogique voir populiste qu’elles prennent parfois (« La tirelire » et dans une moindre mesure « Le cassoulet politique »). En revanche, saluons la chanson engagée de l’album (« Brest poubelle océane »).
Evidemment, Kig ha farz mambo est un album dont on se lasse assez vite mais cela fait du bien de temps à autre d’écouter Les Goristes.

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=158917714

Moving Hearts "Live in Dublin" (Keltia musique)

2007-11-30T15:28:00.000+01:00

Moving Hearts est un groupe irlandais de folk musique peu connu dans nos contrées malgré le prestige dont jouit le groupe auprès de certains amateurs de musique celtique. Ce manque de renommé provient avant tout d’un manque de longévité. En effet, le groupe formé en 1981 par Donal Lunny et Christy Moore (du groupe Planxty) se sépare en 1985. Et encore, sur cette courte période, Moving Hearts a connu deux périodes bien nettes, une première avec Christy Moore au chant remplacé suite à son départ par Mick Hanly en 1982, puis suite au départ de ce dernier le groupe ne fera plus que de la musique instrumentale. Une courte histoire donc, marquée par de nombreux changements mais qu’importe, le groupe vient de se créer un public conquis pour les décennies à venir. Il faut dire que le son que proposent les irlandais passe pour « révolutionnaire » à l’époque. En effet, Moving Hearts propose un mélange de musique traditionnelle irlandaise et de rock and roll auquel s’ajoute des éléments jazz grâce à la présence d’un saxophone virevoltant qui semble agir comme un électron libre. D’ailleurs l’utilisation d’un saxophone pour de la musique folk fait songer au groupe belge actuel Aedo. Moving Hearts s’est reformé en 2007 et a livré en février un concert exceptionnel à Vicar Street à Dublin. C’est ce show que nous propose aujourd’hui Keltia musique sous la forme d’un coffret cd + dvd. Le cd audio reprend évidemment les titres du live mais on s’étonnera que l’ordre des morceaux soit inversé par rapport à ceux joués sur scène. Un concert de près d’une heure vingt qui nous permet de revivre toute l’intensité de la musique des irlandais. Le morceau qui représente le mieux l’esprit Moving Hearts est sans contestation « Category » où saxophone et uilleann pipes se répondent mutuellement pour nous livrer un son très jazzy rempli de chaleur. Le groupe joue parfois des morceaux à tonalité franchement celtique « The storm » n’hésitant pas à puiser aussi dans le répertoire traditionnel « May morning dew ». Live in Dublin est indispensable pour tous ceux qui ont connus Moving Hearts à la grande époque, quant aux autres je leur conseille vivement de découvrir.

http://www.movinghearts.ie/

Hexperos "The garden of the hesperides" (Equilibrium music)

2007-11-28T17:50:00.001+01:00

Hexperos est duo italien composé de la soprano Alessandra Santovito qui assure le chant et la flûte et du contrebassiste Francesco Forgione qui assure aussi les claviers et la guitare. Pour leur premier album, The garden of the hesperides, le duo s’est offert les services d’une harpiste et de deux violonistes. Hexperos joue une musique néo classique proche parfois de la musique classique voire de la musique de chambre. Pour autant, l’univers des italiens reste profondément attaché au gothique. Leur musique est très esthétique et le travail de composition est remarquable. La magie s’opère autour de la magnifique voix de Alessandra qui se veut cristalline et évanescente quand elle ne personnifie pas tout simplement la beauté religieuse (« Ave Maria », « Nana »). Mais la magie s’opère aussi autour de la musique, véritable invitation à la découverte d’un monde onirique singulier qui puise ses références aussi bien dans les classiques du genre comme Arcana et la face sombre de Dead Can Dance ou chez des artistes comme Gabriel Fauré ou In the nursery (« The warm whisper of the wind ») pour ses orchestrations martiales. A l’intérieur de cet environnement musical, la magie s’opère aussi autour du jeu de harpe de Francesca Romana Di Nicola qui dégage une sensibilité très prononcée notamment sur le morceau « Loto Nero », véritable chef d’œuvre, ou sur le morceau « Winter Rhymes » qui parvient en quelques accords à nous dépeindre la froideur et la désolation hivernale. Beau et mélancolique à la fois, The garden of the hesperides est une réelle réussite qui place beaucoup d’espoir autour de Hexperos. Incontestablement le chef d’œuvre de cette fin d’année.

http://www.myspace.com/hexperos

Dwelling "Ainda E Nite" (Equilibrium music)

2007-11-26T19:33:00.000+01:00

Retour sur le troisième album des portugais de Dwelling Ainda E Noite paru, comme les deux premiers, sur le label de leurs compatriotes Equilibrium music. Il y a un pré requis indispensable pour aimer Dwelling, c’est d’apprécier le fado. En effet, Dwelling mélange ce courant musical portugais qui repose sur une interprétation mélancolique accompagnée par des instruments à cordes pincées avec la musique néo classique. La sensibilité de la voix de Catarina Raposo (que l’on a depuis pu entendre sur l’album de Corde Oblique) se mélange aux guitares classiques et portugaises pour le style fado tandis que les violons assurent l’esprit néo classique du disque. On aurait tendance à croire que le fado va se marier parfaitement à l’ambiance néo classique tant les univers de ces deux genres musicaux apprécient les mélodies mélancoliques et pourtant on ne pénètre que rarement dans la sensibilité que veut faire passer Dwelling. Peut être doit on chercher du côté de l’utilisation de la langue portugaise la raison de cette frontière qui se dresse entre l’auditeur et la musique des portugais. En effet, alors que la langue étrangère permet souvent de renforcer le caractère exotique de la musique, ici, la langue portugaise ne permet pas de faire ressentir la froideur de l’univers voulu par Dwelling. Reste que cet album n’est pas complètement manqué et réserve tout de même de belles surprises comme les instrumentaux d’ouverture et de clôture (« Vigîla » et « Opus DcXVI ») où le violon tient une place prépondérante et où on ressentira quelques influences jazzy sur le titre de conclusion. La voix de Catarina Raposo est certes agréable mais on a très vite l’impression que tous les titres se ressemblent. Pourtant, cette musique reste parfaitement adaptée en musique de fond. Vous l’aurez compris, Dwelling reste un groupe difficile d’accès mais les amateurs ne devraient pas être décontenancés puisque le groupe portugais reste fidèle à sa musique.

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=85119880

Hanoi Rocks "Street poetry" (13bis records)

2007-11-19T18:14:00.000+01:00

Hanoi Rocks. Pour ceux qui ne connaissent pas, voilà un nom de groupe bien étrange. Le nom de l’album Street poetry, l’est tout autant. Et que dire de cette pochette qui nous présente cinq vieillards, visiblement en manque de repères. Faut il prendre ces accoutrements pour une parodie ou ce groupe se prend t-il vraiment au sérieux ? Hanoi Rocks est en fait un groupe finlandais de glam rock punk qui fut formée au début des années 1980. La carrière du groupe fut brève puisqu’en décembre 1984, le batteur, Razzle Dingley, décède dans un accident de voiture et entraîne la séparation du groupe en 1985. Le groupe se reformera en 2002. Street Poetry est donc le troisième album de la deuxième période de Hanoi Rocks et l’on est rassuré dès les premières notes de « Hypermobile », il s’agit d’un bon hard rock à l’ancienne un peu heavy. La voix du chanteur est agréable sans être transcendante mais sait nous régaler sur un titre comme « fashion » par sa tonalité apaisée. Même si Hanoi Rocks délivre un hard rock calibré pour la FM (« Teenage revolution »), il assume aussi complètement son côté glamour (« Power of persuasion »). Les titres se succèdent et se ressemblent un peu, recasant les vieilles formules d’un hard rock éculé qui ne fait plus recettes. Street Poetry devrait laisser de nombreux auditeurs insensibles mais peut être que chez les vieux loups de mer qui ont connus le groupe dans les années 1980, l’écoute de l’album provoquera une certaine nostalgie.
http://www.myspace.com/hanoirocksofficial

Blackmore's Night "Paris Moon" (Steamhammer)

2007-11-19T16:55:00.001+01:00

Blackmore’s Night sort un somptueux coffret intitulé Paris Moon qui regroupe un dvd live d’un concert donné à Paris à l’Olympia en 2006 et un cd audio qui reprend de nombreux morceaux du live. Parlons tout d’abord de la forme puisque le coffret revêt l’apparence d’un vieux grimoire et devrait obtenir une place de choix sur vos étagères. Sur le cd audio, on retrouve 10 morceaux des 19 présents sur le dvd auquel s’ajoute une version studio de « The village lantern » et la version radio edit du très dispensable « All because of you » tant ce morceau sonne commercial. Intéressons nous désormais au live qui permet de retrouver sur scène les plus grands morceaux du groupe comme l’énergique « Under a violet moon » et le succulent « Fires at midnight » où Ritchie Blackmore, l’ancien membre de Deep Purple nous gratifie d’un long et merveilleux solo de guitare. On regrettera seulement que sur certains morceaux le synthétiseur se substitue aux instruments notamment sur « Play minstrel play ». En revanche, il faut saluer les nombreux morceaux où l’on note l’apparition de vrais instruments notamment sur l’excellentissime « World of stone » où Candice Night joue de la chalemie comme sur le titre « The clock ticks on » où de surcroît, Ritchie nous offre une belle introduction à la vielle à roue et où un couple de sonneurs vient participer à la grandiose conclusion de ce titre. La plupart des morceaux sont très longs et permettent à Ritchie de nous montrer toute sa dextérité à la guitare (« Ariel ») et de sortir pour quelques instants de la musique médiévale en jouant un court extrait de la célèbre musique juive « Havah Nagilah » sur le morceau « Home Again » et en jouant « l’hymne à la joie » de Beethoven après le rappel du public. Ce dernier parait un peu timide en début de concert pour finalement être euphorique lorsque la prestation scénique de Blackmore’s Night s’achève. Il faut dire que Candice Night parle et joue beaucoup avec son public. Certains lui reprocheront d’ailleurs son côté niais avec ses sourires permanents exacerbés mais Blackmore’s Night reste un groupe respectable à la démarche sincère qui a su s’approprier la musique médiévale pour nous en livrer une version totalement différente que celles que proposent des groupes comme Faun ou The moon and the nightspirit. Ce Paris Moon représente un bel objet qui permettra de goûter aux charmes du groupe en live pour les connaisseurs et de découvrir un groupe important de la scène féerique pour les autres.

http://www.myspace.com/blackmoresnight1

Tri Yann "Abysses" (Marzelle/Sony Bmg)

2007-11-16T18:09:00.000+01:00

37 ans de carrière et pourtant ce nouvel album intitulé Abysses marque une première. En effet, c’est le premier album dont les paroles et musiques sont 100% Tri Yann. Abysses se veut la suite (et fin) du diptyque consacré à la mer commencé par le précédent album de Tri Yann, Marines, sorti en 2003. Cet opus faisait suite à l’album Le Pélégrin sorti en 2001 et remarquable pour sa grande qualité et ses compositions très abouties, preuve en est s’il le faut que Tri Yann continue de jouer une musique de qualité. Alors que Marines chantait les évènements se déroulant sur les flots, Abysses, lui, s’intéresse aux fonds marins. A ce titre, la pochette présente, de manière humoristique, une boîte de pâté Hénaff au fond de la mer bretonne. Musicalement, on reconnaît le style Tri Yann, notamment sur un titre comme « Dans la lune au fond de l’eau » qui s’avère fédérateur et entraînant. Le premier titre « Gloire à toi Neptune ! » se démarque par sa programmation qui lui donne un son électro. Sur «La solette et le limandin », on retrouve des influences médiévales que l’on retrouvera plusieurs fois sur l’album (sur « Bransle des murènes » par exemple, chanté en latin) grâce en partie à l’utilisation d’instruments comme le Cromorne ou la Chalemie. On retrouvera bien évidemment, étant donné le thème de l’album, une chanson chantée en breton sur la ville d’Ys « Lorc’hentez Kêr Is ». Le ton se fera ensuite plus mélancolique pour aborder un sujet grave, à savoir les misères et les ennuies d’une petite sirène (« Petite sirène »). Tri Yann abordera aussi un épisode peu connu de l’histoire de la seconde guerre mondiale, le drame du Lancastria (« Lancastria ») avant de nous livrer un instrumental endiablé (« Tir-fo-tonn »). L’album se finit mystérieusement par une plage de 6 minutes 38 où l’on semble plonger dans les fonds marins. Une bien belle façon de conclure ce bon album qui conjugue un thème fédérateur à une créativité musicale intacte.

Site officiel :http://edoll.free.fr/

Old Blind Dogs "Four on the floor" (Compass records/Keltia musique)

2007-11-12T14:19:00.000+01:00

Les vieux chiens aveugles (Old blind Dogs) reviennent avec un nouvel album intitulé Four on the floor. Comme d’habitude, le quatuor écossais rend un bel hommage aux mélodies celtiques grâce à 12 morceaux qui nous baladent sur les terres de Keltia. Des gavottes bretonnes (« Breton ») aux airs galiciens (« Danza do Liño » présent sur le titre « Jigs ») sans oublier un magnifique chant en gaëlique («Beinn A’Cheathaich »), c’est tout un pan de la musique celtique qui parvient à nos oreilles. On trouvera sur cet album quasiment autant d’instrumentaux (souvent entraînant à souhait « Harris Dance ») que de chansons. La fin d’album se laisse aller à une certaine nostalgie puisque l’on retrouve des classiques de Old Blind Dogs comme « Braw Sailin » et surtout « Bedlam Boys/The rights of man », un titre explosif porté par un chant magnifique révolté. L’album se finit par deux titres live, à savoir le fabuleux « Branle », une branle écossaise de toute beauté, hypnotique et incantatrice qui fait songer à certains airs du centre de la France, et le titre « The Bonnie Earl O Moray ». Four on the floor diffuse une musique de qualité qui ravira tous les amateurs de musiques celtiques, d’ailleurs ce n’est pas un hasard si Old Blind Dogs vient d’être nominé pour la finale des Scots Trad Music Awards dans la catégorie « Best folk band ».

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=71181876

Ewen Delahaye Favennec "Tri men" (Dylie/Coop Breizh)

2007-11-09T19:38:00.000+01:00

Nos 3 compères qui forment le trio E.D.F, à savoir Patrick Ewen, Gérard Delahaye et Mélaine Favennec nous reviennent avec un nouvel album intitulé Tri men. 4 ans après l’album Kan tri qui avait reçu un très bon accueil, nos vieux loups de mer ont gardés le même esprit et nous content leur amour pour la Bretagne et plus particulièrement leur Bretagne, celle de l’après 68, révoltée et festive. Un album plein de souvenirs qui oscille entre nostalgie et humour tout en accordant de la place à des chants engagés comme le magnifique morceau « A la guerre », véritable réquisitoire contre la nature profondément meurtrière de l’Homme. Autre morceau intense, « Lampedusa », qui nous conte avec beaucoup de sensibilité la « misère » des immigrants qui arrivent à Lampedusa. Du côté de la musique, les compositions rendent hommage à la country et au folk à coups de banjo et d’harmonica (« Vieux frère »). Les accords folk de la guitare accompagnent cette fois encore des chansons chantés en anglais (« Identity »), en breton (« Spered an tan ») et en français. Le violon n’est pas oublié pour autant comme sur le dynamique et nostalgique « Les belles années 70 » que l’on aimerait entendre dans un pub. Côté humour, on pourra se délecter du passionnant « Sur le port de Concarneau » qui relate une aventure arrivée à nos compères le 24 février 1973 ou du savoureux « Logonna » où l’auditeur reconnaîtra sans difficulté le titre « woodstockien » « Gloria ». Le trio EDF a le sens de la comptine doublée d’un message pertinent (« Pollution Solution »). Au final, Ewen Delahaye Favennec délivre une musique sur laquelle plane la joie de vivre et une certaine fraîcheur. Une musique jouée par des musiciens hors pairs qui nous livrent leur conception de la liberté, de l’aventure, de la vie et de la Bretagne. Un album magnifique tant l’alchimie entre les 3 compères atteint des sommets.

http://www.myspace.com/ewendelahayefavennec

Le prochain album de Mike Oldfield.

2007-11-05T16:51:00.000+01:00

Musics of the spheres est le titre du prochain album (très attendu) de Mike Oldfield. Certes, la pochette est assez laide (comme souvent chez Mike Oldfield mais l'important est ce qu'elle contient) et les derniers albums de Mike était assez décevant mais comme le multi instrumentiste a affirmé vouloir revenir avec cet album à un son plus complexe proche de ses albums du début, on est en droit d'espérer.

Réponse le 21 janvier 2008 chez Mercury records.
Pour en savoir plus sur cet album ou sur Mike Oldfield en général, je vous conseille ce blog d'un fan très bien fait:

http://www.mike-oldfield.net/

Sinon, le site officiel (pas très à jour) se trouve à cette adresse :

http://www.mikeoldfield.com/

Yearning "Merging Into Landscapes" (Holy records)

2007-11-05T16:06:00.000+01:00

Yearning est un groupe finlandais qui œuvre dans le registre du doom orchestral metal. Merging Into Landscapes constitue leur cinquième opus et sort 10 ans après leur premier album With tragedies adorned. Yearning reste obsédé par les thèmes sombres et la mélancolie et compose un son unique en soutien à un nihilisme exacerbé. Dès l’introduction en latin, on comprend que la joie de vivre ne sera pas le thème de l’album. En effet, dans un style très « ambient », « Nascentes morimur » nous raconte qu’au moment où nous naissons, nous commençons à mourir. La conclusion de cet album « Nemo Ante Mortem Beatus » développe la même philosophie, personne n’est heureux avant sa propre mort. L’auditeur est donc prévu, Juhani Palomäki a une vision de la vie quasiment similaire à la tradition Cathare, l’enfer est sur Terre et seul la mort peut délivrer l’Homme de ses souffrances. Parmi les thèmes ainsi abordés dans cet album, on retrouvera les amours impossibles, les addictions notamment envers l’alcool dont souffre Juhani, la nécrophilie et le dégoût de la vie en général. On trouvera même un très beau poème en finnois « Datura Stramonium ». Concernant, la musique, le métal est magnifiée par l’utilisation des claviers qui viennent soutenir le chant sombre et funéraire de Juhani. Les meilleures lignes de chant sont accomplies lorsque la voix féminine de Tina Sitomaniemi vient soutenir la voix de Juhani créant ainsi une dualité de toute beauté. La meilleure réussite étant le long morceau « Kaleidoscopic Inscape », puissant et mélancolique à la fois. Les parties orchestrales viennent rivaliser avec les parties métals pour un enchevêtrement musical qui ne laissera pas l’auditeur insensible. L’autre grande réussite de l’album s’incarne dans le morceau « Return » où la musique se fait quasi psychédélique pendant que le chant de Juhani prend toute sa mesure tant sa tristesse et sa mélancolie saisit l’âme de l’auditeur. Merging Into Landscapes s’avère être une réussite, une plongée lente et funéraire vers la mort, une mort qui s’exerce quelque part dans l’hiver glaciale de Finlande avec Yearning pour maître de cérémonie.

http://www.myspace.com/finyearning

High Tone "Underground wobble"(Jarring Effects)

2007-11-05T14:54:00.000+01:00

Underground wobble (Oscillations souterraines en français) est le cinquième album du quintet lyonnais High Tone. Il faut ajouter à cette discographie, les nombreuses collaborations du groupe avec d’autres artistes tels que Kaly live dub, Wang Leï ou encore Zenzile. Sur Underground wobble, le groupe lyonnais continue, avec une bonne base de « Digidub », d’explorer de nombreux univers musicaux. La force de High Tone reposant sur cette recherche d’abstraction, sorte de graal musical diffusant des effluves d’onirisme. Ce nouvel album comprend 15 morceaux, ce qui est beaucoup et constitue 80 minutes de musique. Pris dans sa globalité, l’album dégage une unité et un ensemble cohérent. Pourtant, chaque morceau dégage une émotion et une sensibilité particulière, que ce soit la mélancolie de « Glowing fire », l’exotisme oriental de « Day break leaving » ou les accents très western de « Do not panic » où l’ombre de Ennio Morricone plane. L’architecture sonore de High Tone utilise à profusion les scratchs et les samples de dialogues de films. Une architecture savamment pensée sur laquelle vient se greffer de nombreuses improvisations afin de donner cette impression de chaos musical entêtant « Freakency ». High Tone, continue d’étonner et de détonner, parvenant en permanence à se renouveler sans trahir sa vision de la musique.

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=63005814

Elend "A world in their screams" (Holy records)

2007-11-05T13:27:00.000+01:00

Elend est un duo franco-autrichien fondé en 1993 par Iskandar Hasnawi et Renaud Tschirner. Au fil de leurs carrières, de nombreux membres sont venus se greffer à ce groupe unique. Elend délivre une musique orchestrale puissante et dark qui surprend par son aspect grandiose sans tomber dans le grandiloquent. Après avoir consacré un cycle de 4 albums à l’Office des Ténèbres, Elend voulait consacrer 5 albums à son nouveau cycle : Le cycle des vents. Finalement, A world in theirs screams est le troisième et dernier album de ce cycle puisqu’il le clôture. Une narration en français, sombre, ténébreuse et élégante a été choisie. L’écriture est de nouveau tourmentée et nihiliste. On pensera parfois à l’univers Lovecraftien dans sa description de « l’autre monde » mais c’est surtout aux enfers de la mythologie grecque que les références sont les plus nombreuses. On trouvera notamment plusieurs passages de l’album chantés en grec ancien dont le premier morceau « Ophis Puthôn » qui nous plonge dans l’abîme du temps. Lors de cette descente aux enfers, on peut imaginer ce que fut l’épreuve de nos prédécesseurs, Orphée ou Héraclès, pour rejoindre le royaume d’Hadès et de son épouse Perséphone. Une ambiance poisseuse et oppressante nous guide jusqu’à Charon où le vieillard nous fera traverser le Styx à l’aide de sa barque. Des sons venues d’ailleurs tour à tour, expérimentaux, évanescents ou apocalyptiques grâce aux cordes stridentes ou aux percussions martiales suffisent à renforcer ce caractère de malaise. « Malheur aux hommes de bien car ils seront les esclaves d’esclaves » ou « Je fis offrande à Perséphone de cette veine pleine d’un sang si noble » sonnent comme des échos sans retour d’un monde où la fin des temps est proche. Borée, le vent du nord dans la mythologie grecque, dans le morceau éponyme connaîtra son heure de gloire, la musique devient puissante et les multiples cries suffisent à effrayer les survivants. Le souffle glacial du nord suffit à répandre le chaos.
En 11 titres, Elend anoblit le règne de l’obscurité, personne ne pourra survivre à cette apocalypse « Userpens ». Elend délivre une musique unique, qui avec des instruments classiques, va bien plus loin dans l’exploration des ténèbres que de nombreux groupes de métals qui vont dans ce sens. Amateurs de musiques sombres et d’orchestrations puissantes, vous ne pouvez pas passer à côté de ce A world in theirs screams.

http://www.myspace.com/elendofficialpage

Helloween "Gambling with the devil' (SPV)

2007-10-30T16:12:00.000+01:00

Longévité peut rimer avec qualité. La preuve en est avec ce nouvel album de Helloween intitulé Gambling with the devil. Le groupe qui contribua grandement à l’émergence du power metal dans les années 80 est toujours là en cette fin d’années 2000. A travers une intro et onze titres, Helloween décharge toute sa hargne et sa puissance. Dès « Kill it », on comprend que le Helloween de la grande époque est de retour. Le sommet est atteint avec « Paint a new world », magnifique composition avec un solo monstrueux, le power dans toute sa splendeur. La voix de Andi Deris est magistrale avec des variations de voix magnifique comme sur « The saints ». Les compositions sont brillantes mais c’est vraiment cette incroyable voix de Andi qui entraînera l’auditeur dans ce déchaînement musical. Elle est parfois chargée de mélancolie ou de tristesse comme sur « Final fortune » ou « Fallen to the pieces », des morceaux où l’arrivé du refrain suscite une grande charge d’émotion. Vous l’aurez compris, Gambling with the devil est un très bon album qui provoquera une pointe de nostalgie chez certains, Helloween ayant renoué avec le son de ses débuts.

http://www.myspace.com/helloween

Compte rendu de "La nuit des fées"

2007-10-27T14:32:00.000+01:00

Le samedi 29 septembre 2007 avait lieu la première édition de La nuit des Fées dans la magnifique ville médiévale de Clisson. Une soirée organisée par le label Prikosnovénie, un label spécialisé dans les musiques relatives à l’imaginaire. Une sorte de consécration et d’aboutissement pour ce label qui organisait une soirée sous le signe des fées et de la musique féerique. Hormis le groupe Collection d’Arnell Andrea dans sa version acoustique et les napolitains de Ashram qui se produisirent dans la chapelle Saint Jacques, tous les autres concerts se déroulèrent sous les Halles de Clisson. Sous ces dernières, deux scènes avaient été disposés, une grande et une petite, afin d’éviter les coupures entre deux groupes. C’est Amadou Sanfo, chanteur et conteur du Burkina Faso, qui avait l’honneur d’ouvrir cette première édition.

Preuve du grand retard accumulé, le groupe Onze h30 commença à jouer à 18h sur la grande scène. Un show explosif qui montrait toute l’énergie du groupe tourangeau. Un set efficace et un esthétique travaillé tant au niveau du décor grâce à son immense horloge qui indiquait 11h30 que grâce aux accoutrements des musiciens oscillant entre dandys surréalistes de Orange mécanique et cabinet des bizarreries de l’époque Victorienne.

Après un bref passage de Amadou Sanfo sur la petite scène, ce fut au tour de Riccardo Prencipe (Corde Oblique) de monter sur la grande scène en compagnie de Claudia Florio de Lupercalia et de Sergio Panarella et Alfredo Notarloberti du groupe Ashram. Une heure de concert de grande qualité, emplie de sensibilité devant un public charmé par la délicieuse voix de Claudia. On regrettera simplement que Riccardo ne joua pas de luth mais peut être est ce impossible sur scène pour des raisons techniques.

Il y eu ensuite une heure de « pause » durant laquelle se succédèrent sur la petite scène François Caspari puis Géraldine du groupe Mediavolo pour un concert de harpe celtique (durant ce créneau horaire, il y avait aussi Collection d’Arnell Andréa à la chapelle Saint Jacques). Ce fut aussi l’occasion de parcourir les nombreux stands placés sous les halles. On trouvait ainsi une cartomancienne, une maquilleuse, un stand pour fabriquer son chapeau elfique, un stand de littérature fantastique et bien évidemment un stand Prikosnovénie où l’on pouvait retrouver tous les albums du label ainsi que des albums en distribution et plein de goodies dont la très belle affiche de la nuit des fées. Ce fut aussi l’occasion de se restaurer grâce à un stand bien fourni qui proposait l’excellente boisson médiévale qu’est l’Hypocras, ainsi que des bières, des thés et ainsi de suite mais surtout une surprenante assiette elfique végétarienne dont la recette est jalousement gardée par les elfes qui étaient venus concocter ce mystérieux plat. Vers 22h, c’est le Duo PinkNRuby qui faisait son apparition pour un concert sincère et épuré qui souffrait néanmoins d’un manque de dynamisme évident. Comparer à la fraîcheur d’un groupe comme Onze h30, une inversion de l’ordre de passage aurait pu résoudre ce problème mais il est vrai que PinkNRuby jouit d’une notoriété dont ne dispose pas encore Onze h30.

Il fut ensuite l’heure de quitter (provisoirement) les halles en direction de la chapelle St Jacques pour le concert de Ashram. La chapelle fut très vite remplie et les napolitains entamèrent un concert qui restera dans les mémoires. D’une beauté et d’une virtuosité à couper le souffle, Ashram a littéralement enflammé son auditoire qui lui demanda deux rappels et lui offrit deux standings ovations. Entre temps, on eu le droit entre autres à une incroyable démonstration au violon de Alfredo Notarloberti et à un morceau au piano à 6 mains puisque les trois membres du groupe jouèrent en même temps.

Point de répit en cette fin de soirée magique puisqu’il fallait déjà rejoindre les halles pour le dernier concert de la soirée, le groupe brestois Mediavolo.
Le groupe tout de noir vêtu nous livra un excellent set essentiellement constitué de titres du dernier album A secret sound. Un concert énergique, parfait pour finir cette soirée. Les fées et autres elfes quittèrent alors la magnifique cité de Clisson pour rejoindre la civilisation. Il me reste plus qu’à féliciter le label Prikosnovénie pour l’organisation de cette nuit des fées et souligner que pour une première édition, tout était parfaitement au point. On espère désormais que cette soirée pourra être reconduite et qu’elle deviendra une référence pour tous les amateurs de musique féerique.

Guillaume L'henaff

Remerciements : Au label Prikosnovénie et tout particulièrement à Arnö Pellerin, à Khimaira, à tous les artistes présents à la nuit des fées et à toutes les personnes qui se bougent pour que vivent les musiques féeriques. Vivement la prochaine édition.

La nuit des fées (Prikosnovénie)

2007-10-25T16:19:00.001+01:00

Suite à l’organisation de la nuit des fées le samedi 29 septembre 2007 à Clisson, le label féerique Prikosnovénie sort un très joli coffret qui porte le même nom que la soirée, à savoir La nuit des fées. Le coffret est bâti comme un voyage sur la terre des fées pour y découvrir ses pays, ses habitants et ses musiques. On distinguera deux parties sur cet album. Une première partie présente 10 inédits composés spécialement pour ce coffret. Hormis Djaima, une artiste tzigane, tous les autres artistes ayant composés un titre devraient être connues par les fidèles de Prikosnovénie. En effet, on retrouve la douce voix de fée de la jeune harpiste Cécile Corbel « Sans faire un bruit » ainsi que l’exotisme hongrois de The moon and the nightspirit « Alkonyvarazs ». Parmi les incontournables, citons aussi l’australienne Louisa John-Krol (« Fai »), les brestois de Mediavolo qui avec leur savoureux titre « Dreams of Atlantis » confirme leur montée en puissance depuis la réussite de leur dernier album A secret sound, le groupe moscovite Caprice qui égal à lui-même nous livre un petit bijou « The candle and snow » pour patienter jusqu’au prochain album et enfin la formation Collection d’Arnell Andréa avec un morceau troublant et touchant « Closer to unicorn ». Et comme lorsque Prikosnovénie sort un coffret, la forme revêt autant d’importance que le fond, l’album est accompagné d’un magnifique carnet de voyage illustré de 24 pages dans lequel figure les illustrations gagnantes du concours « Dessine moi une fée ». On y retrouve aussi pour chacun des morceaux inédits composés le nom de la fée qui lui est associée ainsi que son pays, une bien belle manière de voyager sur les terres de Prikosnovénie. La deuxième partie de l’album s’intitule Fairy sessions et concerne 6 inédits composés dans les jours qui ont suivis la nuit des fées par quelques uns des artistes présents. On pourra notamment savourer 4 morceaux de PinkNRuby associés à Mediavolo où l’esprit féerique prend tout son sens même si l’on regrettera que la « touche » PinkNRuby se fasse beaucoup plus sentir que le style Mediavolo.
Le morceau de Mediavolo et Ashram « Shot in the mid-air » est quant à lui magnifique, la voix de Géraldine se mariant à merveille avec la mélancolie du piano de Luigi Rubino (Ashram). Enfin la guitare de Riccardo Prencipe (Corde Oblique) accompagne une dernière fois les voix de Paul et Mihaela (PinkNRuby) « Klara ». Avec ces Fairy sessions qui s’achèvent, c’est notre escapade sur les terres féeriques du pays de Clisson qui s’achève. Un voyage de toute beauté qui perdure grâce à ce coffret qui l’est tout autant. Espérons que le petit peuple saura conseiller au père noël de placer ce coffret de La nuit des fées sous les sapins.

Sortie le 10 décembre.

http://www.prikosnovenie.com/indexk.shtml

Les ramoneurs de menhirs "Dañs an diaoul" (FZM/Coop Breizh)

2007-10-25T15:00:00.001+01:00

Voilà un groupe qui fait du bien à la scène bretonne. Les ramoneurs de menhirs développent une musique punk matinée de musiques bretonnes ou une musique bretonne matinée de riffs accrocheurs punk, c’est selon et c’est cela qui est appréciable sur cet album intitulé Dañs an Diaoul (Danse du diable). En effet, les ramoneurs naviguent entre les genres pour nous livrer une musique festive, rageuse, accrocheuse et sacrément endiablée. Entre musique bretonne et musique punk, les deux genres n’en font plus qu’un : le punk trad breton. Alors que d’autres peuples tel que les basques, les catalans, les écossais, les irlandais ou les galiciens possédaient ce genre de formation, la Bretagne, hormis les défunts Tri bleiz die, n’avait pas encore trouvé de groupes maniant les instruments traditionnels et livrant une musique énervée et engagée. Les ramoneurs de menhirs arrivent à point pour combler ce manque. Cela commence très fort avec « K.A », morceau qui plante le décor avec un An dro sauce ramoneurs. Le mélange détonne, 2 sonneurs énervés, Eric et Richard cœur de Breizh, un Loran (du groupe Bérurier Noir) qui gratte sur sa guitare endiablée et Momo au chant finit d’embraser les foules. Le côté révolutionnaire s’affirme clairement avec « BellARB », mélange du fameux « Bella Ciao » le chant des partisans communistes italiens sous Mussolini et du « Kan bale an ARB » de Glenmor, l’hymne de l’armée révolutionnaire bretonne. « BellARB » fait songer à la grande époque de la Breizh disuj des années 70. Pour mieux exprimer ce trait d’union entre passé et présent, on soulignera la présence de la grande chanteuse bretonne Louise Ebrel (la fille d’Eugénie Goadec et de Job Ebrel) sur trois titres de l’album dont « Dañs Gwadek 1 » et « Dañs Gwadek 2 » tous deux issues du répertoire des sœurs Goadec et qui s’avèrent très entraînant et festifs surtout quand Louise nous lâche un savoureux « Allez Loran, tire dessus ». Côté reprise traditionnelle punk, on trouve les titres « Nomades », « Captain Kirk » et surtout le titre des Bérus « Vive le feu » qui est en quelque sorte le titre qui a initié cette aventure puisque qu’en 85, les cousins cornemuseurs (Eric et Jean Pierre) avaient été invités à sonner sur ce même titre des Bérus. Un excellent album assorti d’un livret très agréable où en plus des paroles vous retrouverez de nombreux dessins très sympathiques. En tout cas, le message des ramoneurs est clair, la tradition appartient à la jeunesse résistante et non aux nazi-onalistes. Il ne vous reste plus qu’à vous dépêcher de rentrer dans la Dañs an Diaoul. Kenavo.

http://www.ramoneursdemenhirs.fr/

Vous ne trouverez pas de Myspace des ramoneurs de menhirs et pour comprendre pourquoi, c'est ici : http://www.folklorezm.com/bleug/index.php?2007/01/29/64-a-propos-de-myspace

Saga "10.000 days" (InsideOut/SPV)

2007-10-23T16:29:00.000+01:00

Saga est un groupe canadien de rock progressif. Peu connu dans notre contrée, le groupe fut pourtant formé en 1997 et 10.000 days est leur 19ème album !! Dans la grande tradition du rock progressif, les morceaux au nombre de 9 sont assez longs. A l’écoute de cet album, on pense parfois à un groupe comme Marillion ou à du Mike Oldfield voir dans une moindre mesure à du Genesis. On oscille entre des titres assez pop, « Sound advice » ou le sublime « Sideways » sur lequel plane le fantôme d’un « Moonlight Shadow » et des sons beaucoup plus psychédéliques caractéristiques du rock progressif « Book of lies ». On notera aussi la présence d’un instrumental très expérimental dans sa composition « Corkentellis ». De plus, il convient de parler de la pochette qui risque d’interpeller tous les fans de X-files. Un album de bonne qualité donc à recommander à tous les fans du genre.

http://www.sagaontour.ca/

Irfan "Seraphim" (Prikosnovénie)

2007-10-22T10:37:00.000+01:00

Quatre ans après leur premier album, Irfan revient avec un nouveau joyau prénommé Seraphim. La musique de Irfan n’a pas changé, on retrouve ce mélange irrésistible de voix bulgares, d’accords orientaux et d’une musique profondément onirique qui nous entraîne vers un passé lointain sur les rives de la mer noire. Parmi les 9 titres de Seraphim, on retrouve l’envoûtant « Simurgh » que l’on avait découvert sur Fairy world 3 (Prikosnovénie) et le mélodique « Fei » découvert sur la compilation Effleurement (Prikosnovénie). La pureté des voix se fait sentir sur les 2 invocations (« Invocatio » et « Invocatio II »), véritable source d’apaisement et quintessence de la musique mystique orthodoxe à la fois sophistiquée et épurée. Pour le reste, Irfan apprécie les longs morceaux où l’exceptionnelle voix de Denitza Seraphimova se veut souvent mystique et ésotérique, surtout quand une voix masculine vient renforcé ce caractère sacré « Hagia Sophia ». Irfan continue ses références au soufisme « Vernal Garden » et ses musiques parfois puissantes et hypnotiques « Los Ojos de la Mora ». Entre méditation « Return to Outremer » et exaltation de la voix « Star of the winds (Khaukab al Hawwa »), Seraphim s’impose comme un deuxième chef d’œuvre pour Irfan, un album indispensable pour tous les amateurs d’une musique riche et ancienne, baignée par des siècles d’histoire.

http://www.prikosnovenie.com/indexk.shtml

Atreyu "Leads sail paper anchor" (Roadrunner records)

2007-10-07T14:16:00.000+01:00

Si le nom de Atreyu vous dis quelque chose, c’est sûrement grâce à un souvenir enfoui d’un film culte des années 80 : L’histoire sans fin de Wolfgang Petersen où le jeune Bastien s’enfonce dans un livre peuplé de créatures fantastiques et où il recevra l’aide d’un mystérieux indien surnommé Atreyu. Mais si ce nom ne vous dis plus rien, c’est aussi parce que Atreyu est le nom d’un groupe de Emocore/Post-Hardcore (Pourquoi y a-t-il autant de sous genres dans la musique Métal ?) qui vient de Orange County en Californie. Dans un genre où de nombreux groupes se succèdent sans originalité, il faut bien reconnaître que Atreyu se distingue de ce côté-là. Notamment par l’utilisation dans ce quatrième album intitulé Leads sails paper anchor d’instruments peu courant dans ce genre de musique comme le piano et la trompette. Si l’on ajoute à cela une énergie débordante et un très beau digipack où l’endroit et l’envers trouvent leur place, on obtient un très bel album.

http://www.myspace.com/atreyurock

Rock S'cool (SPV)

2007-10-07T09:42:00.000+01:00

L’école traditionnelle vous ennuie ? SPV vous convie à la Rock S’cool. Au programme de cette année, 6 leçons : Hard Rock, Heavy Metal, Power Metal, Trash Metal, Hardcore et Alternative. Ah, je vois déjà le rang du fond qui ouvre grand les yeux. Cette compilation sur 2 Cds présente donc un double intérêt. D’une part, elle permet de présenter les différents artistes du label SPV et d’autre part elle peut constituer une bonne introduction aux néophytes à la mouvance « Metal » en leur présentant les différents genres qui la constitue. On trouve approximativement 5 morceaux par leçon avec au passage des noms aussi prestigieux que Motörhead, Skinny Puppy, Sepultura ou encore Saxon. La leçon qui nous intéressera le plus est celle du Power Metal puisque l’on retrouve nos groupes fétiches qui font appel à un univers Médiéval Fantastique, à savoir Iced Earth, Kamelot, Demons&Wizards, Freedom Call et Helloween. Une compilation que les amateurs risquent de trouver inutile mais qui pourra constituer une belle vue d’ensemble pour d’autres.

Nouveau Dvd de FAUN, Coming soon !!

2007-10-06T10:10:00.001+01:00

Evénement!, le 9 novembre devrait sortir le nouveau dvd du groupe culte de la scène Pagan/medieval folk : FAUN. Intitulé Ornament, le dvd devrait offrira plus de 3 heures d'images avec évidemment des extraits live du Totem tour et du Pagan folk festival avec en guest Omnia. Il y aura aussi des portraits des membres du groupe. Le tout dans un superbe artwork mis au point par l'artiste française Martine Fassier.Les (rares) chanceux qui iront au Pagan folk festival à Berlin du 5 Octobre au 13 Octobre pourront se le procurer avant tout le monde. Pour les autres, il faudra encore se débrouiller car rappellons que Faun n'est toujours pas disribué en France.

Interview du groupe ARTESIA

2007-10-04T10:20:00.000+01:00

Interview intégrale réalisée pour le numéro 12 du magazine KHIMAIRA

Artesia :
La face cachée de Brocéliande

Artesia est un jeune duo composé d’Agathe et de Gaëlle qui a sorti cette année son deuxième album Chants d’Automne chez Prikosnovénie. Un album très réussi qui explore la face sombre de la forêt de Brocéliande. Agathe a répondu à nos questions sur Artesia, le dernier album et ce que représente la célèbre forêt.

Khimaira : Peux tu nous présenter le groupe Artesia ?

Agathe : Bonjour, nous sommes un duo, Gaëlle (violon) et moi-même (synthé, chant) et nous officions dans le style heavenly atmosphérique. Nos titres sont lents et planants, à base de synthé, violon, chœurs, guitare et percussions. On nous rapproche le plus souvent de groupes tels qu’Arcana, Dark Sanctuary ou encore Dargaard et nos thèmes de prédilection sont la Nature et la féerie tels que nous les ressentons au sein de la forêt de Brocéliande où je vis depuis quelques années. J’ai commencé à écrire des morceaux à la fin de l’année 2001 lorsque j’ai eu mon premier synthé. Je ne savais pas si cela allait aboutir à un véritable résultat mais au fur et à mesure que les titres prenaient forme, j’ai pris tout cela plus au sérieux. Le nom d’Artesia était dans mes pensées depuis quelques temps et je l’ai conservé afin de lui donner vraiment vie. J’ai enregistré seule une première démo L’Eveil de l’âme en juin 2003 mais il s’agissait plus d’un premier essai que d’une production aboutie donc je ne l’ai pas distribuée. Quelques mois plus tard, j’ai demandé à Gaëlle de se joindre à moi pour assurer les parties de violon et c’est à ce moment que le groupe a pris une réelle importance pour moi. Un an plus tard, nous avons enregistré une seconde démo, l’Aube Morne, que nous avons distribué cette fois ci et qui nous a permis de nous faire une petite place au sein de la musique heavenly. Lorsque nous avons eu fini d’enregistrer notre premier album Hilvern, nous avons cherché un label et nous avons signé chez prikosnovénie. Notre deuxième album Chants d’Automne est sorti sur ce même label.

K : L’album « Chants d’Automne » est conçu comme un cycle, il démarre par une « invitation » et finit par l’arrivée de l’hiver, ceci est t il voulu ? Que symbolise selon toi le cycle des saisons et particulièrement l’automne ?

A : Bien sûr, les chansons suivent un ordre établi à l’avance. Nous avons voulu mettre en musique le passage de l’automne à l’hiver, tel qu’il pourrait être ressenti par les différentes créatures qui peuplent la forêt. Il est important pour nous d’avoir un thème assez précis lorsque nous écrivons des titres ; les morceaux doivent s’enchaîner logiquement tant musicalement que textuellement. Le cycle des saisons, malgré les troubles dont nous sommes aujourd’hui témoins, est le symbole de l’éternel recommencement, mais également celui du temps qui passe et nous rapproche chaque jour un peu plus de la fin. Il ne faut pas penser que nous avons une vision pessimiste de la vie humaine, mais nous avons conscience de ce mouvement perpétuel contre lequel personne ne peut lutter. L’automne est plus qu’une saison intermédiaire, elle prépare au long sommeil hivernal. C’est une magnifique saison au niveau des couleurs et de l’éclat particulier du paysage, et c’est celle qui, à notre avis, permet de se livrer à l’introspection nécessaire à laquelle doit se livrer chaque homme lorsqu’il sait sa fin proche. Chaque hiver est une petite mort et l’automne son agonie. Il faut profiter de ces moments de calme où tout semble aller plus lentement pour faire le point sur son existence.

K : Où puises tu ton inspiration pour l’écriture des textes ?

A : Nous voulons permettre à nos auditeurs de voyager avec nous dans des lieux féeriques. Lorsque j’écris des textes pour Artesia, j’essaye de traduire les émotions que nous procurent la nature, les paysages sauvages, la féerie. Tout ceci reste abstrait et concis car je veux que chacun puisse imaginer ce qu’il veut lorsqu’il écoute notre musique, et qu’il ne se sente pas prisonnier d’un thème ou d’un contexte. Les textes ne sont pas le plus importants dans Artesia, c’est l’émotion de la musique qui doit dominer. Je ne pense pas être spécialement inspiré par d’autres groupes ou auteurs pour les paroles mais je pense qu’elles sont facilement compréhensibles et cela nous rapproche de notre public.

K : Comment se déroule le processus de composition au sein d’Artesia ?

A : Pour la plupart des morceaux, nous fonctionnons en « différé », c'est-à-dire que nous n’avons pas réellement un travail de groupe : pas de répétitions, pas de concerts et presque pas de travail ensemble. Je commence par trouver la base des morceaux au synthé, puis je travaille dessus quelques mois afin d’y ajouter les autres instruments comme la guitare, les percussions et de poser mes lignes de chant. J’enregistre tout cela à titre d’essai et je l’envoie à Gaëlle sur cd. Elle peut alors commencer à réfléchir à ce qu’elle veut apporter au violon. Une fois qu’elle est au point, nous enregistrons le tout définitivement chez moi. Par contre, pour le morceau « Entrelacs », il a été composé par Gaëlle et ce n’est que par la suite que nous avons ajoutés guitare et percussions. Nous allons sûrement renouveler cette expérience car il est intéressant d’entendre des morceaux variés. Gaëlle et moi ne venons pas du même milieu musical et nos influences respectives donnent de bons résultats.

K : Que représente pour toi la forêt de Brocéliande ? Que dégage ce lieu pour toi ?

A : La forêt de Brocéliande est un lieu que j’affectionne tout particulièrement et que j’ai la chance de pouvoir contempler et parcourir dès qu’il m’en prend l’envie. D’une part, c’est une très belle forêt, vaste et d’aspect varié selon l’endroit où l’on se trouve : ici, une forêt de pins très claire, là une multitude de hêtres centenaires et majestueux, répandant une inquiétante fraîcheur. On y trouve un certain nombre de mégalithes (l’hostie de Viviane, le tombeau du géant,…). Culturellement, c’est un lieu passionnant pour ceux que l’histoire intéresse. Mais ce qui fait sa particularité, c’est son aura magique, féerique. On peut ressentir que des créatures, autres qu’humaines ou animales l’ont parcourues et y ont laissées une trace. Cela se ressent réellement et chaque recoin en parait plus mystérieux. Les mythes et légendes sont profondément enracinés dans cette région et nous voulons rendre hommage à la forêt par notre travail. C’est un lieu hors du temps et malgré les invasions de touristes, il ne se dénature pas trop. Les petits hameaux perdus restent authentiques, les constructions sont belles et simples et permettent à la légende de survivre plus longtemps.

K : Quels sont vos goûts en littérature, notamment concernant les légendes arthuriennes ?

A : Nous sommes passionnées par le monde médiéval et sa littérature, d’ailleurs Gaëlle, qui poursuit des études de littérature française, spécialisées en littérature médiévale, vient de terminer un mémoire sur un manuscrit du 14ème siècle composé de contes et légendes populaires (lais, fabliaux, dits miracle). Nous lisons principalement les romans de chevalerie tels que ceux de Chrétien de Troyes et nous avons une préférence pour Perlesvaux, le Roman de Merlin et la Quête du Graal.

K : Quels sont tes influences en matière de musique ?

A : Lorsque nous avons commencé, nous étions surtout influencées par des groupes comme Dark Sanctuary, Dargaard, Arcana dont les ambiances mélancoliques et oniriques parlaient à nos âmes. Aujourd’hui, nous essayons de développer notre propre style et de nous rapprocher plus de la bande originale de film. Nous voulons incorporer plus d’éléments celtiques dans nos morceaux et aller plus loin dans nos concepts. Nous sommes ouvertes à la musique médiévale et peut être intégrerons nous des instruments médiévaux dans de prochaines compositions.

K : Quels sont les projets d’Artesia ?

A : Pour l’instant, nous nous occupons de la promotion de notre nouvel album Chants d’Automne, qui a reçu un très bon accueil pour le moment. Nous allons bientôt commencer à travailler sur le prochain album, une fois que nous serons fixées sur le prochain thème à explorer. Nous voulons également continuer d’associer le plus possible l’image au son en travaillant le plus possible sur notre visuel. Je vous rappelle que vous pouvez écouter des extraits de notre nouvel album sur notre myspace (www.myspace.com/artesia1983).

Propos recueillis par Guillaume L’henaff

Corde Oblique "Volontà d'Arte" (Prikosnovénie)

2007-10-01T17:31:00.000+01:00

Attention chef d’œuvre. Le quatrième album de Corde Oblique se nomme Volontà d’Arte et atteint une sensibilité rarement égalée dans la musique. Plus qu’un groupe, Corde Oblique est la réunion d’artistes autour d’un homme, Riccardo Prencipe, compositeur et guitariste de génie. On retrouvera notamment Catarina Raposo de Dwelling, Claudia Florio de Lupercalia et les musiciens d’Ashram pour n’en citer que quelques uns. Une union entre des voix sublimes et des musiciens talentueux pour nous offrir 13 titres de grandes qualités. Alternant entre romantisme napolitain (« Casa hirta ») et inspirations médiévales faisant parfois songer à Francesco Banchini (« Amphiteatrum puteolanum », « Piazza Armerina »), la musique s’écoule paisiblement. La mélancolie flotte souvent sur Volontà d’Arte que ce soit à travers les voix napolitaines (« My harbour » et le sublime « Cuma ») ou à travers les ambiances néo-classiques au piano (« Before Utrecht », « La pioggia sui tasti »). On notera aussi une (curieuse) reprise de Sepultura avec le titre « Kaiowas » qui est le nom d’une tribu brésilienne, un instrumental très réussi qui montre tout le talent de Riccardo à s’approprier un univers qui n’est pas le sien. Voix napolitaines à faire frémir, un Riccardo Prencipe qui montre sa grande maîtrise du luth et de la guitare classique, le tout soutenu par un piano fantomatique et un énigmatique violon, Volontà d’Arte s’impose déjà comme un classique.

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OnzeH30 "OnzeH30" (Prikosnovénie)

2007-10-01T17:25:00.001+01:00

On avait découvert le groupe OnzeH30 sur la compilation Fairy world 3 avec notamment l’énergique titre « Parjure » (qui s’avère explosif en live !) qui ouvre d’ailleurs le premier album de cette tribu venue de Tours. Celui ci permet de découvrir d’autres facettes de ce groupe autour duquel se dégage une certaine hétérogénéité. Ces dandys surréalistes vous accueillent au sein de leur cabinet des bizarreries pour un voyage musical étonnant et accrocheur. Il est difficile de qualifier le style et l’univers de OnzeH30 tant ce dernier est riche et divers. Autour de la douce voix de Clémence, on navigue entre rock énergique (« Parjure », « Outrageante ») et musiques plus douces s’articulant autour d’une poésie déjantée et surréaliste (« Bancal », « Optimisme ») quant elles ne virent pas à la berceuse « OnzeH30 ». La trompette et l’accordéon nous offre des expérimentations sonores savoureuses virant quasiment au psychédéliques sur certains morceaux (« Chanteurs à texte », « L’enfant maquillé »). On notera certaines envolées électro comme sur le titre « La paillasse » où Johan Guillon du groupe Ezekiel (autre groupe de Tours) amène sa contribution. OnzeH30 est un groupe original qui a su développer une musique qui lui est propre, teintée d’influences multiples. Un premier album réussi donc, qui espérons le, en appellera d’autres.

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Ivo Sedlacek "The garden of silence" (Savita music/Prikosnovénie)

2007-10-01T17:15:00.000+01:00

On connaissait Ivo Sedlacek pour son violon méditatif qui nous avait fait voyager au plus profond de nous-mêmes sur l’album Mystical Violin. Mais le tchèque nourrit une passion pour un autre instrument : le monochord. Sur ce nouvel album intitulé The garden of silence, Ivo nous montre tout le caractère méditatif de cet instrument rare. A travers 5 morceaux aux titres aussi simples et évocateurs que « Zen », « River », « Temple », « Lake » et « Sun », Ivo nous livre un album épuré où le monochord occupe toute la place, seulement soutenue une fois par un fantomatique violon sur « Sun ». On pourra rapprocher le monochord de la harpe par sa capacité à créer une atmosphère onirique ou relaxante en quelques notes. En bon musico thérapeute, Ivo Sedlacek crée une atmosphère propice à la relaxation, à la méditation ou au massage. Une musique enivrante faite pour fermer les yeux et vivre en harmonie avec son corps et son esprit. On sent dans cet instrument toute la sagesse de la spiritualité bouddhiste ou japonaise. Si vous recherchiez l’apaisement de votre âme, Ivo Sedlacek vous invite dans son jardin magique, un jardin silencieux où de tant à autres, quelques notes de monochord viendront maintenir votre quiétude.

http://www.prikosnovenie.com/groupes/yvo.html

Madina Lake "From them, through us, to you" (Roadrunner records)

2007-10-01T17:10:00.000+01:00

Persévérance et motivation. Voilà deux mots que les jumeaux Leone ont parfaitement assimilés pour assouvir leur passion de la musique. En effet, les jumeaux n’ont pas hésités à participer à l’émission Fear Factor pour se lancer dans la musique. Malgré être passé à deux doigts de la mort, leur abnégation leur aura permis de vivre leur passion pour notre plus grand plaisir car leur premier album From them, through us, to you est une vraie réussite. Délivrant une pop intelligente, avec des titres très accrocheurs, le son de Madina Lake est étonnant même si on pourra lui reprocher une tonalité trop « teenager ». En effet, sur certains titres on a l’impression d’écouter un pseudo Blink 182. Après une introduction très musicale avec une tonalité oppressante « The auspice », on rentre dans le vif du sujet avec « Here I stand », très bon morceau servi par la voix accrocheuse et poignante de Nathan Leone. Ce cocktail survitaminé va durer jusqu’au 13ème titre « True Love ». Au passage, on aura le droit aux sublimes « House of cards » et « Stars » qui proposent une musique diaboliquement accrocheuse et percutante. Certains titres affichent une certaine maturité comme « River people » qui traite d’intégrité et « Me vs. The world » qui aborde des thématiques plus sombres comme la mort et les affres de l’adolescence. Un premier album qui devrait assurer une prometteuse carrière à Madina Lake.

http://www.myspace.com/madinalake

Elvenking "The Scythe" (AFM)

2007-09-06T14:31:00.001+01:00

Alors que leur précédent album était sorti en mars 2006, les italiens de Elvenking nous gratifient déjà d’un nouvel album intitulé The Scythe, qui constitue le quatrième opus de leur discographie. Sur ces 10 titres, Elvenking s’intéresse à la mort comme le montre la très belle pochette. Les italiens se sont fait connaître avec leur style qui mélange musique folk et power métal, le côté folk étant assuré par le violon d’Elyghane. Sur The Scythe, le violon parait parfois plus en retrait mais connaît tout de même ses moments de gloire (« Lost hill of memories »). Néanmoins l’alchimie fonctionne toujours à merveille et certains morceaux sont très entraînants et disposent d’un refrain accrocheur (« The Scythe », « Poison tears »). Les guitares remplissent leurs rôles et nous livrent des mélodies agressives « Death and the suffering » dignes des grands groupes de power metal. Sur la fin de l’album, la tension diminue avec « The divided heart » et surtout le très réussi « Tottentanz ». Certes, au final, ce n’est sûrement pas le meilleur album de Elvenking mais The Scythe s’avère très réussi.

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendID=14878884

Loreena McKennitt "Nights from the Alhambra" (Quinland Road/Keltia musique)

2007-09-05T13:19:00.000+01:00

Dire que le premier Dvd live de Loreena McKennitt était attendu est un doux euphémisme tant le retour de la canadienne à l’automne 2006 dernier fut couronné de succès. Après 7 ans d’absence, son album Ancient Muse nous rappela à notre bon souvenir tout le talent de cette chanteuse et multi instrumentiste de génie. Voici donc ce coffret live (1dvd+2cds) intitulé Nights from the Alhambra qui retrace un concert donné en septembre 2006 par Loreena et ses musiciens dans un lieu tout aussi extraordinaire que sa musique, l’Alhambra de Grenade qui constitue un monument majeur de l’architecture musulmane. Le concert a lieu dans la cour intérieure du palais de Charles Quint, un cadre vraiment exceptionnel pour 18 morceaux live splendides. Pas moins de 12 musiciens accompagnent Loreena sur scène, l’occasion d’admirer de nombreux instruments et d'en découvrir quelques uns méconnus comme la Lyra et le Kanoun. Ce live permet à Loreena de naviguer entre les différents morceaux de sa discographie, alternant entre les morceaux intimistes de ses premiers albums où la harpe prédomine et des morceaux plus récents sollicitant l’ensemble des musiciens.
Bien sur ce concert donne lieu à quelques expérimentations comme sur la ballade celtique « She moved through the Fair » où la Lyra apporte un son oriental déconcertant.
Loreena McKennitt joue ses plus grands succès tels que « The Mummer’s dance », «All souls night » ou encore « The Bonny Swans » mais on retiendra surtout les versions de « Marco Polo » très orientale qui colle parfaitement à l’atmosphère des lieux et la magnifique version de « Santiago » où le vielliste Nigel Eaton et le violoniste Hugh Marsh s’en donne à cœur joie, sûrement le meilleur morceau du live. Entre certains morceaux, on découvre de superbes vues de l’Alhambra et on peut admirer la finesse de l’architecture musulmane, les nombreuses arabesques, la fameuse cour des lions et la ville de Grenade au pied de l’édifice. Certes, étant donné le cadre, c’est une atmosphère orientale qui se dégage de ce live mais les amateurs se délecteront du très celtique « Huron `beltane`fire dance », véritable invitation à la danse. Une expérience unique et un album sublime qui devrait ravir un public large, de l’amateur de Loreena McKennitt à l’amateur de musiques orientales en passant par l’amateur de musiques world.
http://www.quinlanroad.com/homepage/index.asp

Kamelot "Ghost opera" (SPV)

2007-09-03T16:19:00.000+01:00

Huitième album studio pour Kamelot qui avec ce Ghost opera nous offre 11 nouveaux titres. L’intro « Solitaire » nous offre la complainte mélancolique d’un violon puis l’on bascule avec « Rule the world » dans le power métal teinté d’incursions symphoniques qui a fait la légende de Kamelot. La voix de Roy Khan est toujours sublime et participe pour beaucoup à la magie du groupe américain. Hormis quelques titres « Ghost opera », le côté power métal est moins affirmé sur cet album. La musique est parfois plus martiale « The human stain » et les lignes de claviers amènent une dose de mystère bienvenue. Comme d’habitude, on retrouve quelques ballades, notamment « Love you to death », sublime morceau où l’on notera la présence féminine d’Amanda Sommerville qui intervient aussi sur le titre « Mourning star ». Concernant les collaborations, précisons que la chanteuse d’Epica, Simone Simons, intervient sur le titre « Blücher ». Sur des titres comme « Silence of the darkness », on retrouve le désespoir qui traîne parfois dans la voix de Khan. L’album se clôture sur le titre « Eden Echo » et son refrain entétant et entraînant. Un album de grande qualité mais qui n’égale pas le sublime Epica, qui reste selon moi le meilleur album à ce jour de Kamelot.

http://www.myspace.com/kamelot

Raintime "Flies and Lies" (Replica records)

2007-09-03T15:29:00.000+01:00

Deuxième album pour les italiens de Raintime qui continue sur la lancée du premier album. Flies & Lies nous offre un son très mélodique et puissant assorti de deux voix, une « death » et une autre plus « heavy ». Dès le premier titre « Flies &Lies », on découvre le style Raintime, du métal parfois extrême parfois mélodique avec une alternance des voix qui agaçera ou plaira selon les cas. Les refrains sont souvent accrocheurs « Finally me » et les lignes de clavier terriblement efficaces « Rolling changes ».
Décidément c’est la mode chez les Métalleux de reprendre le « Beat it » de Michael Jackson. Après les grecs d’Inactive Messiah, c’est donc au tour de Raintime de donner leur version de ce célèbre titre. A quand un album Tribute à Michael Jackson qui rassemblerait la scène métal ? En tout cas, la version des italiens s’avère plus réussi que celle des grecs.
Finalement, la voix « Death » parait parfois déplacé par rapport à la musique que joue Raintime (« Apeiron », « Rainbringer »), peut être que le groupe gagnerait à choisir son camp entre la puissance et la mélodicité mais certains apprécieront cette alchimie. Malgré quelques ratés, Flies & Lies est un bon album qui dépasse son prédécesseur et qui devrait ravir les fans du groupe.

Lisa Gerrard "The silver tree" (Naïve)

2007-08-23T17:59:00.001+01:00

Pour son quatrième album, la moitié de Dead Can Dance, à savoir Lisa Gerrard, nous livre un opus sublime, très intimiste. Intitulé The silver tree, Lisa nous étale sa merveilleuse et puissante voix qui fait partie avec celle de Loreena McKennitt, quoique dans un style différent, des plus belle voix de la scène féerique. L’album commence par un chant mélancolique magistral intitulé « In exile » qui ne manquera pas de faire songer à la bande originale du film Gladiator à laquelle Lisa a collaboré avec Hans Zimmer. Le ton se fait ensuite plus martial et plus flou « Shadow hunter ». On devine que Lisa Gerrard va se diriger vers des sentiers plus expérimentaux que d’habitude. Sur « Come tenderness », l’atmosphère se fait plus religieuse avec l’utilisation de nappes planantes pour accompagner la voix de l’australienne. Lisa nous délivre une féerie contemplative « The sea whisperer » par moment mais sait nous faire chavirer vers un monde épuré où le silence joue son rôle « Mirror medusa ». On entame alors une chute vers le néant, une dérive vers une quête intérieure. Le son se fera parfois surprenant comme sur « Space weaver » et ses accents trip hop ou « Towards the tower », un long morceau (10 minutes 22), très expérimental dans sa composition. La fin de l’album est mélancolique « Devotion » puis « The valley of the moon » sonne comme un chant d’adieu qui, espérons l’est, n’en est pas un. En 13 titres, Lisa Gerrard nous démontre qu’elle n’a rien perdu de sa superbe et qu’elle peut encore livrer de fabuleux moments d’émotions.

3 Inches of blood "Fire up the blades" (Roadrunner records)

2007-08-20T23:47:00.001+01:00

Les canadiens du groupe 3 Inches of blood nous livrent leur 3ème album intitulé Fire up the blades chez Roadrunner records. L’occasion pour l’auditeur de plonger dans un univers très « heroic fantasy » inspiré par la mythologie et les légendes qu’affectionne le groupe originaire de Vancouver. Mais pour apprécier 3 Inches of blood, il faut pouvoir apprécier la voix très particulière de Cam Pipes surtout composée de cris aigus. J’avoue avoir du mal avec ce genre de voix. Comme musicalement le groupe n’apporte pas vraiment de grande originalité, inutile de vous cacher que je n’ai pas apprécié cet opus. Certes l’album est très guerrier et épique et donnera sûrement envie aux fans du groupe d’aller massacrer des hordes de créatures ténébreuses mais pour ma part, je n’arrive pas à accrocher au cocktail de 3 Inches of blood.

Mediavolo à Brocéliande (Compte rendu)

2007-08-02T23:08:00.000+01:00

Le centre de l’imaginaire arthurien organisait une après midi musique des fées le dimanche 22 juillet 2007 avec un concert du groupe Mediavolo. Le centre se trouve au château de Comper dans la forêt de Brocéliande. Un cadre magique dédié aux légendes arthuriennes. Selon la légende, le château de Comper fut bâtie par Merlin pour Viviane, la dame du lac, dont il était éperdument amoureux (ce qui le mènera à sa perte puisque qu’après avoir enseigné sa magie à Viviane, celle-ci utilisera un puissant sortilège pour le retenir prisonnier auprès d’elle éternellement). Le château se trouve donc à côté d’un vaste lac, celui de Viviane où elle éleva notamment Lancelot. Enfin je vais m’arrêter là car je pourrais parler de ces légendes pendant des pages et des pages. Pour patienter jusqu’au concert qui avait lieu à 18h, on pouvait bien évidemment visiter le centre arthurien mais aussi assister à une conférence de Claudine Glot sur les points communs entre les légendes celtiques et les légendes japonaises. Cette conférence a révélé de nombreux points communs entre ces 2 contrées pourtant séparer par des milliers de kilomètres sans qu’on puisse toutefois apporter une explication à ces nombreuses similitudes. Une conférence fort intéressante donc mais à réserver à un public averti et je pense que certains touristes dans la salle ont trouvés le temps long.

A 16h, une attraction destinée à un public bien plus large. Il s’agissait de l’Empluméor Baladin Ozégan un conteur très doué qui nous livra 4 contes assez inégaux. Les 2 premiers étaient vraiment passionnants, très bien racontés et avec une très belle morale. Les 2 seconds furent plus anodins. Le conteur jouait de nombreux instruments médiévaux dont une chiffonie, l’ancêtre de la vieille à roue.
L’heure du concert approche enfin mais là, grosse déception. Alors que le concert devait avoir lieu dans la forêt, en raison d’une météo boudeuse, le concert eût lieu dans la salle des gardes du château. Un cadre cependant sympathique et inhabituel. Le groupe Mediavolo faisait alors son apparition pour un concert intimiste devant environ 80 personnes dont 2/3 de touristes. D’ailleurs, très vite les touristes qui étaient là par hasard s’en allèrent et nous ne restâmes plus qu’entre fans et touristes qui accrochaient à ce genre de musique. Mediavolo présenta en grande majorité son dernier album A secret sound. Après que Géraldine eût annoncé qu’il y aurait de nombreux temps mort pour qu’elle accorde sa harpe celtique qui sortait de chez le luthier, le groupe commença par jouer « Chimera » puis dès le second titre il joua mon titre préféré « Mass Anasthesia ». Géraldine avait prévu de jouer quelques morceaux toute seule à la harpe celtique mais son instrument lui faisait des siennes et la phase d’accordage pris un

certain temps (le nombre de cordes étant bien supérieur à celui d’une guitare !!). Le public patient fut récompensé et eut lieu à 3 très beaux morceaux de harpe celtique. Ensuite, Mediavolo joua plusieurs morceaux extraits de leur album Effets personnels qui ne fut jamais publié, ce qui est bien dommage car ces morceaux en français sont somptueux. Le groupe enchaîna ensuite de nouveau des titres de Secret sound. Selon moi, l’intégralité de l’album a été jouée mais je peux me tromper.
En tout cas, Mediavolo nous a offert un très beau concert et la session de rattrapage aura lieu le samedi 29 septembre lors de la nuit des fées organisée par le label Prikosnovénie dans leur fief de Clisson (44).